【编者语】技与道，是中国传统文化艺术中蕴含的一对核心的相对相生的概念，庄子说“行于万物者，道也”，“能有所艺者，技也。”意为万物运行所依靠的，称为“道”；创造性的才能，称为“技”。“道”是规律、是本原。在“道”的哲学思想根源的指引下，从古至今，从事艺术创作的人无不努力把“技”提升到一个很高的层次品格，使自己的作品尽量达到“技艺之至，近乎道矣”的境界。北京画院建院60多年来，一直聚集着一大批具有重要影响力的精英画家群体，他们不但是艺术创作的主力，同时也是涵永中国艺术精神、传承绘画技艺的艺术教育力量。这些艺术家在艺术创作与教学实践中，无不在探索和省思技与道的关系问题。

今年，北京画院启动了“技与道”视频项目，和雅昌艺术网共同合作对北京画院的画家的创作理念进行梳理，对画家进行了采访和拍摄，旨在为画家记录在一定时期内的艺术创作、教学传承与学术思考，希望以画家个体为单元线索展现北京画院的创作与教学风貌，以促进美术界与社会各界加强对北京画院画家群体的了解。作为北京画院“技与道”画家系列视频节目的第三集，今天我们推出的是画家郭宝君专题。

观照自然山水画，如何面对新境遇，这是北京画院郭宝君的艺术探索方向。从传统水墨到极具实验性的现代综合绘画，郭宝君较早地进入了传统文化与当代美学之间的艺术探索。关于艺术，他首先强调内心。

郭宝君的艺术成长是典型的60后艺术家的成长方式。艺术启蒙来源于小时候的小人书、连环画，后来通过美术班接触绘画，大学四年让他对艺术有了更深的了解：他开始明白，艺术要表达的是内心对自然的真实感受。2001年，北京画院开始招聘年轻画家，郭宝君凭借着三张充满现代感的布上水墨画，成为画院第一拨被招聘的画家之一。进入北京画院，从一位美术老师，到一个专业画家，从业余绘画到专业创作，最初进入北京画院，郭宝君经历了一个特别艰难和痛苦的转型过程。不断的尝试和探索，当他寻找到自己的山水画面貌时，又觉得迈过的坎儿是值得的。

善于运用皴擦点染，笔下的山水洗净铅华，郭宝君的画面有一种内敛的宁静，却鲜有人物出现，因为那里是他理想的境地和清净世界。“我觉得在这么一个比较热闹的社会里面，画面应该把它画得安安静静的，给人看了觉得没有那么浮躁，这个从一开始到现在，主线没有变，只是在形式上、技法上可能探求的东西更多一点，更深入一点。”郭宝君说。

在研究方向上，中国传统文化是郭宝君近几年来的关注点。但所谓“第一口奶”很关键，他的学画经历是从西方体系开始，从而东方与西方，传统与当代，这样的关联成为郭宝君艺术研究中绕不过去的问题，也是他不会停止的探索领域。所以，他喜欢对于材料的实验，亚麻布、麻纸、生宣纸、熟宣纸、卡纸、水彩纸，都是他笔下的材料，不同的材质有时候给他一个不同的视觉感觉，与他表达的主题、思想、感觉都相关，这让他的探索继续下去。

与艺术创作的态度相同，郭宝君在教学中也不会设定条条框框。不给学生改画，是他的教学态度。如何把艺术的规律和审美传达给学生，郭宝君认为这比一笔一笔教画法更重要，他依然强调内心，强调学生的个性和感觉。他欣赏北京画院“师傅带徒弟”的教学方式，导师引导学生完成对艺术和中国画体系的深刻认识。

对话郭宝君：几十年走下来 不变的内心

雅昌艺术网：郭老师您好，请问您的绘画最近在关注什么样的问题和怎么解决这些问题？

郭宝君：在一个画家的心里，从最开始到现在，几十年走下来，不变的应该是自己的内心。自然能带给画家感动，新鲜的感动，画家就需要将这种抑制不住的内心冲动表现出来，我觉得这应该是作为一个画家内心永久的东西。艺术从古至今就一个字，就是真。画家需要不断淘洗这种感动，最终留在画面上的才是永久的感动和永恒。这种内心的感动才是画家一生应该历练的。

雅昌艺术网：能否简单介绍一下您对艺术的学习和成长历程呢？

郭宝君：我的学画经历还算是比较单纯。连环画是我最早的艺术启蒙，70年代上小学初中就喜欢画连环画，那是出于天生的对美术的爱好；后来参加了县里的美术班，才真正开始对绘画有了基本的认识。后来改革开放之后，就考取了河北师范大学的美术系，经过四年的学习，自己对艺术才有了更深层次的了解，明白什么是艺术，艺术是什么。

大学毕业，分配到河北邯郸师专教书，就这样在大学教了十五年书，期间学校资助我到中央美术学院学习，接触到了诸多艺术名家，开阔了自己的艺术视野，对于艺术的认识也就更深入。2001年，北京画院从全国招聘画家，我很幸运，成为第一拨被招聘进来的画家，至今已有十八年。进入画院这些年，对于艺术的认识更进一步，对于自己艺术创作的追求在内心慢慢明确。

郭宝君早年绘画

到画院之初，从一个作为教师的业余画家，转变成专业画家，其实经历了一个痛苦和艰难的过程。自己的艺术创作方向和思考方向，都需要重新开始。后来经历了一次展览，北京画院要为奥运做一个系列展，名叫“北京风韵”，此前没有画过主题性创作，来到画院要从事主题创作的时候，发现我根本不会画。

后来经历了创作过程中的采风、考察，三个月画了两幅作品，通过评选参展，画院收藏。这个系列展览共举办了六次，我每年都有两幅作品参展，共十二幅作品参展。从此之后，我才开始慢慢进入专业画家的创作状态。我觉得这个阶段我有了很大收获，从艺术上、技法上、对艺术的认识上、心理上都学到很多，迈过了那个坎儿再回头看，才理解到对艺术的理解比以前深刻得多。我觉得画家需要一条路走下去，走远走深。总结我从画画到现在，对艺术的认识不断加深，不断地对艺术的理解更深刻，更远一点。

雅昌艺术网：那在这个思想转变的过程中，您的艺术从哪些层面有了变化？

郭宝君：我的画最早是受到清初画家龚贤的影响，就是以点为主；同时，我又是从学院走出来，从素描、色彩训练入手，也受到了西方艺术体系的影响。所以在绘画上，我一直努力把中国画向更纯粹的中国传统文化更接近一点。我们总说第一口奶很关键，我的绘画就融合了东西方的共同影响，就像李可染先生的绘画也是如此，他的画里摆脱不掉的是西方的影子，东西方绘画的融合，并能开辟出中国画的面貌。我也希望我能够在这样的探索中慢慢往前走，探索自己的画如何与中国精神融合。

当然，在材料的探索中，我较早之前选择了用中国画在亚麻布上实验，所以至今也会在材料上做一些探索和实验。我对材料的运用和选择都比较敏感，我喜欢在各种材料上实验，包括亚麻布、纸张、麻纸、生宣、熟宣、卡纸、水彩纸等。不同的材质会有不同的视觉感觉和意境。当然，我觉得用什么材质是无所谓的，绘画的乐趣也就在这个探索当中。

雅昌艺术网：那么您如何看待我们所说的技与道呢？

郭宝君：其实，我从学画开始到现在，的确在不断探索技法，但是我觉得技法的探索更多的是一种感受和冲动，想表达的画面自然而然也就表现出来，最好的就是流露出来的画面正好符合你的内心。例如我最早在亚麻布上尝试的时候，我画过藏区的人物，我都能感觉到空气中弥漫着一种宗教气息，当时我觉得我可以在亚麻布上把粗旷、厚重表达充分。我当时就选择了亚麻布，用墨一层一层、一遍一遍积墨，最终呈现出来的画面正跟我想表达的内心的感受所对应，后来就按照这个路一只走下去，来到画院之后，在纸上画的就更多了，所谓不同的材料，要表达的画面必须得符合你内心，画面只要通过了你的语言和内心基本上是一致的。

雅昌艺术网：那您画面中的宁静和您内心的清静是如何训练出来的？

郭宝君：作为一个画家，我觉得好多东西都有一种天生的感觉，再加上后天前辈和老师的指点，慢慢再创作和寻求过程中发现自己。在这个过程中，我曾经有一段觉得自己找不到自己，画的根本不是自己想要的，走丢了，后来发现我的一些走走绕绕又回到最本质的原点时，那些弯路也不是坏事儿。我曾经写过一篇小文章叫《回到原点》，人、人生和绘画都一样，最后你要寻找的都是最初的原点，那个原点就是为什么当时你要画画？你要追求什么？过程当中你可能迷失，你可能会走丢，但是慢慢如果你能寻回来后，你慢慢又走到一个高点，我觉得这个绘画应该是这样，反反复复历练内心，这是本质。

雅昌艺术网：您在教学中对于学生强调什么？

郭宝君：从最早我有一个这个理念，给学生上课不要去给学生改画。经历了这些年的教学和学习，我觉得最关键的是要把你艺术上的规律和审美教给学生。我不觉得教给学生技术是好的，教给第一笔第二笔第三笔怎么画，这样学生跟老师没有什么区别，其实每个人都有自己的个性和特有的感觉，我觉得老师就是要慢慢帮助学生去寻找自己最感兴趣的内心和特性，然后帮他们认识好的艺术。

雅昌艺术网：您觉得北京画院的教学方式有怎样的优势和特点？

郭宝君：北京画院的教学方式，基本上是按照中国传统的这种教学模式走来。这样的教学方式，能够相对系统的引导学生往前走，我觉得画院这么多年走下来，已经形成了很完整的体系，这个完整的体系则是通过老师的经验和实践慢慢传授给学生，引导学生向经典艺术的学习，寻找自己的艺术方向。

（视频：蔡春伟 张凯；图文：刘倩 佟欣鑫）

作者：蔡春伟 张凯 佟欣鑫 刘倩