【艺术简历】

　　李书成，男，汉族，1962年5月出生，海南文昌人，出生于海南石碌，全日制本科毕业于广州美术学院，获文学学士学位。现为中国美术家协会会员、广东省人民政府文史研究馆馆员、广东省书画家协会主席、广东省宋庆龄基金会荣誉理事、广东省社会组织总会常务副会长、广东书画艺术研究会会长、《广东书画艺术》杂志社总编辑、《广州文摘报》顾问、中国人民大学画院中国书画课题班李书成工作室导师，曾任广东省人民政府文史研究馆画院副院长、油画雕塑院副院长。

　　在国画创作方面，大胆探索以侧锋技法为主的艺术表现形式，所画城市、山水重意趣而非形体，形散而神不散，以情运笔，以笔运墨，笔墨潇洒灵动又不失力度。所绘物象速度感极强，动静结合，都市生活节奏感喷薄而出，完美契合了当今社会日新月异的时代气息；山水之趣跃然纸上，宁静而致远。1991年在广东画院成功举办个人侧锋画展，胡一川先生亲笔题赠“梅花香自苦寒来”。《南方日报》评价“李书成侧锋画开创了岭南艺术新天地”。

　　在油画创作方面，学习借鉴法国后印象主义代表画家乔治·修拉的“点彩”技法，探索性地将国画的线条与油画的色块、光影和细节处理方法进行融合，独创出“金属晶体”绘画技法：摒弃传统油画的大面积铺陈，撷取国画写意舒展的线条作“筋骨”，下笔有力、笔画短促、以方见多，借笔下苍劲的力道与简短精干的结构，赋予画中物象硬朗坚固的“金属”感。以笔为刀，对画面进行明确切割，并以油画斑斓绚烂的色块作肌肤，在平面上层层堆砌，形成如同钻石、水晶的立体结构；从整体出发，围绕不同的物象主题对色调和光影不断进行细微的调整，使得色块之间不断变化但又相互紧密连接，如“芯线”般迂回穿梭，呈现出“分而不散”的视觉效果，营造出各个角度之下均如“晶体”般通透、连贯的美感，形成辩证统一的画面逻辑。“金属晶体”技法的运用，可有效提升作品的张力，通过灵活调整金属晶体的大小、形状、色调和光影等因素，营造出或张或弛、或厚重或轻巧、或雄浑或通透等不同质感。

　　于1992年至1999年期间创作完成个人代表作品——油画《大世纪》。画作宽6.18米、高2.02米，囊括了20世纪至21世纪期间千余位在政治、军事、经济、科技、文化、体育、宗教等领域影响了中华民族进程的伟人志士。画中人物按照时间顺序，以政治人物为核心，分置于长城、长江和黄河之上，整体构图如一只蜿蜒腾飞的巨龙，场景宏大、寓意深远，视觉冲击力极强，饱含了革命的现实主义和浪漫主义色彩；刻画人物栩栩如生、活灵活现。中央电视台、广东电视台、广州电视台等多家媒体多次报道《大世纪》。《人民日报》评价《大世纪》为“见证百年历史，荟萃风云人物，用画笔绘就的史诗”。《人民画报》曾用大版面报道《大世纪》，并评价其为“高处人生、笔透百年”。1999年4月，《大世纪》荣获国家版权证书；2002年获国家邮政总局采用，以明信片形式发行；2007年收录于《广东年鉴2007》。

　　1991年，广东省美术家协会主办“李书成画展”。2006年、2007年，作品连续两次入选中国美术家协会第十九次、第二十次新人新作展。2009年，广东省人民政府文史研究馆主办“李书成画展”。2017年，作品入选“北京名家作品展”。自1991年起，在国内外举办个人画展数十次。

　　2009年，北京工艺美术出版社出版《收藏界关注的中国画家·李书成写实主义油画》。2012年，岭南美术出版社出版《李书成画集》。2014年，《美术》以副刊形式整版刊发《李书成油画作品》。2014年，《荣宝斋》以副刊形式整版刊发《2014期刊推荐艺术家——李书成》。2017年，《收藏家》以副刊形式整版刊发《2017年推介艺术家——李书成》。2018年，《荣宝斋》以副刊形式整版刊发《2018年推荐艺术家——李书成》。此外，作品刊登在《美术》、《美术观察》、《收藏家》、《荣宝斋》等国家级期刊和《美术报》、《中国书画报》、《广州日报》、《羊城晚报》、《南方日报》等报纸媒体上，共百余次。

　　曾被《羊城晚报》评价为“画坛怪杰”；曾被马来西亚《中国报》评价为“画坛拼命三郎”。2001年被中国文化部艺术市场司、天津美术出版社联合授予“优秀艺术家”荣誉称号。2003年5月被《经济信息时报》评为“学习‘三个代表’先进楷模”。2004年荣获“首届中国书画收藏双年展”银奖、“中国山水二百家”荣誉称号。2005年荣获“中国山水画四百家优秀作品奖”。2013年1月，《李书成画集》获评“广东省人民政府文史研究馆2012年度优秀作品奖”。2013年12月，获评广东省民政厅“二〇一三年度广东省社会组织模范个人”。2016年1月，作品《寥寥数笔速写人生》获评“广东省人民政府文史研究馆2015年度优秀作品奖”。2017年1月，作品《一画一世界》获评“广东省人民政府文史研究馆2016年度优秀作品奖”。

形式的意义

文/李书成

　　谈绘画的形式，需从绘画的概念说起。那么，什么是绘画呢？全面地概括起来，绘画是一种在空间中对绘画对象进行静态重现的平面视觉艺术。

　　其中，绘画对象是内容，是画作存在的基础；形式是内容的组织和结构，是画作的存在方式。同一个对象可以采取不同形式来表达，同一种形式可用以表现不同的对象。形式与内容具有一体性，互相联系、互相制约。形式作为绘画的本质力量，在不同画作中形成差异，成就了作品的个性。认识和掌握了形式，就可以在极不相同的内容中抓住自然的统一性，进而在绘画中获得个人的自由，因此，发现和认识形式是绘画创作的一个重要目的。

　　首先，重形式，不应脱离内容。马克思说过：“如果形式不是内容的形式，那么它就没有任何价值了。”脱离内容“闭门造车”不是不可，但摸索出一大堆绘画形式符号，又应该放在哪里呢？绘画形式符号是个人的特色，但只有将其置于一定的内容之中才可鲜活起来。在欣赏画作的过程中，观众的大脑对画面进行了快速的分析解构和重组，获得其个人对某一特定画面所反映出的绘画形式的独一无二的理解，而这些理解是固化在某位画家以某种形式表现的某个内容（即某一画作）中的。没有了内容这一载体，符号变失去了对应的语义，形式变成了空概念，即使能以语言对某一形式进行精准定义，落到不同画家笔下、落入不同观众的脑海里，亦将是不同的画面，这些画面并排在一起，表达的将是不同的形式。所以说，割裂形式与内容，在一定程度上是割裂了艺术与现实的联系，如吴冠中前辈所说“形式大于内容”，可以在绘画创作中寻求个人创作定位，侧重于探索个性化形式，但不可一味地否定内容、摒弃内容。

　　其次，重形式，不应形式主义。形式主义，来源于唯心主义，是形而上学的；其将形式强调到一种绝对化的程度，往往置内容于不顾。以赫尔巴特的形式主义美学为例，其认为美只能从形式来检验，即从构成美的个别因素和艺术作品形式之间的关系来检验。其一，个别因素或许确实是美的，某种形式在体现某些内容时或许是美的，但二者均不是一幅完整的作品，不可以偏概全；其次，盲目放大个别因素和形式的重要性，仅着眼于个别因素与形式的关系或某种形式，对于绘画创作的创新性和绘画生命的延续性来说，是无益的；其二，某一种形式确可作为所有内容实体的某一规律性，但世界上没有两片相同的树叶，从审美的角度考虑，应没有任何一种形式可以完全适用于表达所有的内容；最后，总的来说，在绘画创作的过程中，不应钻进形式的牛角尖里，欣赏某种形式带来的美，但不沉湎其中、不盲目拔高，还应不时地拓宽内容的取材范围，从内容中回顾、反思，不断创新、精进绘画的形式。

　　最后，重形式，但不应拘泥于形式。要让画作鲜活起来，可以在形式上找答案，并且应该是在多种形式上找答案，国画、油画创作交替进行，给了我很好的创作灵感。

　　例如，如何让绘画在静态中“发声”？我想，老祖宗传下的国画便是极好的范本。白底黑墨的中国画看似如此平凡，何以流芳百世？最重要的原因是这一简约艺术形式中所蕴藏的巨大的精神力量——不是平白地铺陈客观世界中事物的物质特性，而是一边作画一边陶冶内心，一边修炼一边作为，“以形写神”，追求气韵、传神和意境，含蓄、深沉地表现精神品质，在简约的线条中触及内心、在质朴的黑白中深入本心、在自然而然的变化中扪心自问。

　　再如，如何让绘画在平面中立体？绘画其实很简单，就是通过透视、色、明暗等手段，在平面上产生现实空间的假象，但若只是将这些手段简单地铺陈在画布上，那么所得仅是一个直白的平面。所以我在绘画中大胆地采用“金属晶体”的表现手法，以色彩、光影营造绘画对象的金属特性和晶体特性，以这两种立体事物的形式提升画面的立体感和质感，当然，在创作不断前进的过程中，我也确实发现“金属晶体”不一定适用于所有的创作题材，其所带来的立体感无可非议，但在表现某些绘画题材上，不可淋漓尽致地表现内容独特的美感，未可更大限度地表现作品张力、给观众带来更多的感染力和更大的视觉冲击。

　　在绘画的世界里跋山涉水，修行感悟：行者，象形也；式者，法也。坚守象形的本心，不断求索形式的法度，虚实的线条、明灭的光影圆满了一次次的自我肯定与否定。