十月3日~7日，香港季丰轩画廊于典亚艺博2019（展位L2）隆重呈献展览《瞬念之恒——白明作品展》，展出中国陶瓷艺术家白明的十七件陶瓷作品及十五幅水墨画。

白明是中国当代陶瓷艺术最具代表性的艺术家之一。1965 年生于中国江西省余干市，现任清华大学美术学院陶瓷艺术系主任、教授、博导、清华大学美术学院美术馆执行副馆长、中国国家画院陶瓷艺术研究所副所长、联合国教科文组织国际陶协 IAC 会员、上虞青国际陶艺中心主任等。

白明对陶瓷的学术研究及艺术实践全面深入，广为国际艺术界推崇。白明把传统技艺和器形与当代艺术表现手法融合，深度重塑了中国传统陶瓷艺术。在绘画领域，他对油画与水墨的材质游刃有余，驰骋于几何形抽象构图与随性笔墨之间。他的瓷器与水墨作品的内在气质互相连贯为一个整体。

而举办此次展览的香港本土画廊季丰轩，自1991 年成立以来，主办了过百场展览，策划承办了十一个与美术馆合作的大型展览，制作了过三十五本艺术画册，出版了一百二十五款版画，曾推介的艺术家近百位，来自十多个不同国家。季丰轩多年来专注有丰富西方文化艺术经历、具国际视野的、源自中国及亚洲其他国家的艺术家。他们既掌握东方文化的精神，亦长期受西方现代思潮及艺风影响。他们为本身的艺术传统注入当代的元素，打开新一代的发展疆域。

是次展览展出白明十七件陶瓷作品，包括《苇风吟》、《生生不息》、《青韵漫饶》、《绕红》、《线释水》等，颜色以青花、釉里红为主。白明陶瓷作品的特别之处，在于他微妙而精准地结合了中国绘画的线条与陶瓷的器形。展览瓷器上均围绕着连绵不断的青花线条，将点、线、面发挥到极致，体现中国绘画的意境精神。

而白明的十五幅水墨画包括《茧像》、《文化虫洞》、《水墨之山水研究》等系列。他的水墨作品，以茶汁入画，同时用香火烧出虫洞，主题围绕时间及宇宙。

据悉，在参加2019典亚艺博之后，白明的陶瓷及水墨作品还将在香港季丰轩画廊继续展出至11月8日。

雅昌艺术网：陶瓷艺术已经经历了千年的历史，您认为目前它发展到什么阶段了？如果继续突破的话方向在哪儿？

白明：突破这个问题比较大，很难说是某个点的突破，而是全方位的推进。我个人认为，今天跟传统相比，在技术上精致程度往前推进的空间并不大。真正有突破的地方就是艺术应该与时代产生更加密切的关系。

时代的改变会引发人们需求的改变，需求改变了，人的情感、审美也会改变，原来特别注重的技术在今天就有可能不再成为文艺审美陶瓷的一个基础。一方面，过去精致的、贵族的审美，在今天也可能会为朴素的、民间的审美让出一块空间，成为许许多多陶艺家有所发展的空间；另一方面，观念会有空间，对待泥料和材料烧成的方法的改变也会有空间。从核心来说，陶瓷艺术之所以跟过去不一样，在于对待泥料、工艺。火、时代的认知发生了变化。认知不同，都有可能产生不同的艺术风格。但这不会是一个突然的质的变化，而是一个渐变的过程。

雅昌艺术网：所以您一直强调个人表达的意义才是核心？

白明：对，我觉得对艺术家而言，这个时代的审美就是强调对个性的认知。在当代艺术体系，个体的意义远远大于群体的意义。

雅昌艺术网：能否请您为我们介绍一下此次季丰轩在典亚艺博上展出的您的作品？

白明：此次展出的陶瓷作品是从我十几年艺术生涯之中创作的作品种挑选的一部分。形体都比较大，大家知道陶瓷做大是比较难的，对形态的把握、对装饰语言整体的控制，甚至还包括创新都是要求很高的。其次呢，我这次挑选的作品没有很复杂的形状，都是相对简洁的，但在简洁里赋予了一些微妙的变化，比如器物的口部、装饰语言的完整度。

而这次展出的水墨作品大多是新作，它们主要表达了我对这种材质独特的渗透性。在我近期的水墨创作中，我喜欢四五张纸放在一起画，然后最后展出看到的作品可能并非是表层的那一张。这样的处理跟我的理念相关，我想寻找一点不是人为特别完美的、可以掌控的空间，甚至可以说我想找点“意外”。如果从表层处理画面，那么我的视觉审美经验是能够控制的，但材料有很多可能性，比如不同得绘画方式，比如我现在特别迷恋的在宣纸上反复晕染，渗透到第二第三层；又比如我在水墨里用的是茶，茶里又带有很多微妙活性元素在里头，所以我的画面有厚重感。

雅昌艺术网：以茶汁入墨继而作画是非常有意思的创作，能跟我们详谈一下这背后的缘起吗？为何会选择这样的方式创作？

白明：有时候作画我专门用茶汁，代替水和淡墨，因为茶本身有一点浅浅的褐色；有时候我也把茶和墨混在一起去控制，跟纯粹的水相比，我更喜欢这种微妙性和活性，因为它是跟时间有关联的审美反映。

所有的文化都是潜移默化受前代和国际交流的影响，共同引起了一代人的认知观。每个人都会通过视觉、触觉，勾起记忆。因而我们往往对有岁月感的东西如此迷恋。有岁月感的事物具有两个特点： 第一，所有的岁月感都是因为有了时间氧气在里面；第二，越是有岁月感的东西，你会发现无论最初诞生的时候色彩多么鲜明，凡是经过几百上千年，色彩的反差就越来越趋于平和，最鲜艳的不再鲜艳，最纯粹的白也不再纯白，它们之间的反差越来越平和，越来越褪去了火气。

世界上所有的古典绘画和中国传统的书画，你仔细看看颜色都跟茶色相近。我特别迷恋这样的颜色，经过了氧化、岁月，它捉摸不定，但又拥有深厚的阅历。最关键的，它还并非人为。所以我的一些青花作品就会尝试不让自己有预先设定的表达方式，除了一个大致的主题外，我没有任何准备，就是徒手在上面创作，尤其是体量较大的陶器，难度相当大，因为一旦有差错就没办法修改。但我迷恋这样的状态，心中有一个主题，而其他都是鲜活的、充满可能性的。

雅昌艺术网：您此次的水墨新作主要是围绕时间和宇宙这个主题，能谈谈您对这一主题的理解和感悟吗？

白明：时间，总是让哲学家、文学家、艺术家着迷。因为不论生命多么多彩，时间是唯一的主线，每个人都在这个时间过程中不断感知。比如学习艺术，最早都是从写实训练开始，但当你越画越像的时候，你会开始质疑“画得像”的意义。随着年龄增长、阅历深厚，你会觉得“像”不是你所追求的，而是想透过表象更加贴近内心、灵魂。比如以前我做陶瓷，我就把泥土当成泥土，我认为它应该听我的，想让它成为瓶、成为茶杯都由我决定。

但随着年龄增长，时间给了你看待事物的本质的动力，就像我现在一团泥在手，我希望它成为什么样的同时又在不断好奇它想成为什么？所以我跟它之间有了微妙的沟通、交流，那是一种鲜活的表达和过程。

雅昌艺术网：对于很多艺术家而言，艺术语言一旦确立或者被藏家们认可熟知，就有点所谓的“定型”了，不那么愿意改变，您如何看待一位艺术家确立艺术语言和创新之间的关系？

白明：艺术家永远应该提供新的审美形式和新的创造、认知，只有这样的东西才有生命力。当然，有艺术家数十年如一日地创作，他们的作品有自己很明显的风格，我很敬佩这样的艺术家，但我不会成为他们。在过去，我可以控制自己的技术达自我的要求，但现在我特别迷恋给它一点陌生感，而这个陌生感给我的作品带来了“升级”。

雅昌艺术网：对您而言，好作品具备什么样的特质？

白明：我们这代人在学生时代经历过严格的技法训练，包括陶瓷、绘画、线描，但所有这些最终都要跟你的感情相融。就像每个人都会说话、写文章，但为何有好文章和普通文章的区别？这就涉及作者对文字的理解和自己的表达，当他的表达和情感是长在一起的，这样的人就是文学家。在艺术领域，技术你必须好好学习，但“知法不用法”是更高的境界。你拥有高超的技巧，但你不是以技巧取胜，而是以你独特的审美、情感以及对时代的敏感来打动大家。

雅昌艺术网：您的作品经常在香港出现，但作为艺博会上的商业展出好像还是首次，对此您有什么样的期待吗？

白明：我希望有人喜欢，也希望作品能够进入到藏家的手里。因为无论艺术家在自己的艺术道路上多么有的标准，但有更多人喜欢，终究会让艺术家觉得欣慰。我没有具体的期待，好作品有人看到，就是作品的福气了。