​豪瑟沃斯将于香港H Queen’s 大楼的空间举办著名美国艺术家罗妮·霍恩（Roni Horn）的回顾展。展览涵盖纸上作品、摄影、装置与雕塑，致力于向观众全面介绍霍恩的多领域艺术实践。展品由艺术家本人精选并策展，集结了创作于1983年至2018年的五十余件作品。本次展览将是霍恩在大中华地区的首场个展。

罗妮·霍恩

Roni Horn

展览时间：2018年11月27日—2019年3月2日

展览地址：豪瑟沃斯香港

▲ 罗妮·霍恩，《无题（“有时我觉得我太像自己了。我一直都是别人……”）》（Untitled, "Sometimes I think I resemble myself too much. I have always been someone else..."），2010-2012，压铸玻璃，2部分，每部分 56.2 x 76.2 x 91.4 厘米。©?罗妮·霍恩，图片：艺术家、豪瑟沃斯

霍恩的作品带有不同程度的伪装，从而制造出不确定性，以避免对作品下任何定论。与此同时，霍恩长期以来对身份、意义和认知的易变性，以及双重性（Doubling）的概念兴趣浓厚。这些主题，通过各种不同媒介进行表达，贯穿于霍恩的艺术实践，并构成了此次展览的核心。

▲ 罗妮·霍恩，《无题（貂）》（Untitled, Mink），2002，有色印刷照片 聚酯，每部分 76.2 x 76.2 厘米。©?罗妮·霍恩，图片：艺术家、豪瑟沃斯

由十六楼进入画廊展厅，首先映入眼帘的是一件蓝色玻璃雕塑《无题（“每件事物都有完美的定论，好像物体更了解自己以及它们在世界上所处的位置。你并不诧异于此。你没有一种预感。你就是知道。”）》（Untitled,“There is perfect conviction in everything, as if the objects were betterinformed about themselves and the position they took up in the world. Here youdon’t wonder. You don’t have a hunch. You know.”）。为配合此次展览，展厅的部分墙面由透亮的落地窗取代，令天气和阳光与展品进行充分互动。光线成为展览的一部分，同时与易变性这一主题直接联系起来。一天之中，光线的变换使雕塑的外表产生微妙变化，人们对其颜色、重量和固体性的感知亦随之改变。光线既能影响观众的视觉感知，也能改变他们的情绪，从而引起对同一作品的不同细微反应。玻璃雕塑的光滑表面将观众的目光吸引到雕塑通透明亮的内部，仿如俯视一汪清水。霍恩的雕塑不断变化的外观，使观众得以从中发现新意义，并将作品与个人身份及其构建的脆弱性联系起来。在这些作品中，融化的彩色玻璃在几个月缓慢退火的过程中，逐渐在模具中成型定性，并在完成的雕塑侧面和底部留下了模具粗糙的半透明印记。而与之形成强烈对比的是，雕塑顶面经过火焰抛光，如同充满张力而略带弧线感的水面。

▲ 罗妮·霍恩，《弗里克和弗拉克斯》（Frick and Fracks），2017-2018，水粉 和/或 水彩 纸上，8部分，每部分 38.1 x 28.3 厘米。©?罗妮·霍恩，图片：艺术家、豪瑟沃斯

展厅的四周，多件“答案与提示”（Key and Cue）和“白狄金森”（WhiteDickinson）系列雕塑倚靠墙面放置。在这些作品中，霍恩从诗歌、书信和其他语言片段等素材中提取文本，将其作为图像来呈现，鼓励观众将语言视为一种雕塑，从其原本的含义中剥离出来。

“我不去思考物体、物质，或是作品的最终产物。我渴望的永远是体验，即观众和个人是作品价值的重要部分。”——罗妮·霍恩

▲ 罗妮·霍恩，《小丑镜（2）》（Clownmirror (2)），2001，2张彩色合剂印刷，每张 76.2 x 76.2 厘米。©?罗妮·霍恩，图片：艺术家、豪瑟沃斯

进入十五楼的展厅，观众将看到另一对蓝色方形玻璃雕塑《无题（“有时我觉得我太像自己了。而我一直都是别人……”）》（Untitled, “Sometimes I think I resemble myself too much. I have always been someone else…”），以及双联摄影作品，直接探讨双重性的美学与观念手法——这些自1980年起便贯穿于霍恩作品之中。双重性的运用邀请观众仔细观察对比，从而改变作品的动态。

“通过合二为一的物件，你便可以完整地运用世界。你对所处情况已有了必要的考量。”——罗妮·霍恩

▲ 罗妮·霍恩，《双莫比乌斯（第2版）》（Double Mobius, v.2），2009/2018，4号9分纯金箔（含2塑料钉），2部分，整体：6.4 x 76.2 x 5 厘米。©?罗妮·霍恩，图片：艺术家、豪瑟沃斯

展览还呈现了霍恩的一系列纸上作品，包括颜料绘画和来自“胡乱智慧”（Hack Wit）系列的作品。对于霍恩而言，绘画是一种基本创作方式，是其更为广泛艺术实践的基础。霍恩的纸上作品反复探讨了诠释、反射、文本游戏等主题，并结合这些主题研究了色彩的物质性与绘画的雕塑潜质等。

▲ 罗妮·霍恩，《当狄金森闭上双眼：第689号 零——教会我们——磷》（When Dickinson Shut Her Eyes: No. 689 THE ZEROES - TAUGHT US - PHOSPHORUS），1993-2007，实心铸造黑色塑料 铝，尺寸可变，长度可由 66.7 厘米变至 181.61厘米。©?罗妮·霍恩，图片：艺术家、豪瑟沃斯

霍恩自上世纪八十年代早期便开始创作颜料绘画，持续至今。她将层层厚重的颜料涂在纸上，然后一点一点加入小剂量的松节油和清漆。这一过程十分繁琐费力，从而为二维的作品注入了物质性与深度。而在“胡乱智慧”系列中，霍恩运用了一种重组的手法——她将两幅绘画剪碎、打乱，并重新组合成嵌纹式造型。通过这一过程，原先的不同画作融合为一件变化的组合物。霍恩的作品主题基于语言和文字游戏：她将人们熟知的词汇和谚语重组，从而创造出荒谬而混乱的语言表达。霍恩不仅重组了文字，亦将书写这些文字的纸张交织起来，反映了双重性和镜像这两个主题，也因此，这个创作过程，对她而言就是绘画的内容。

▲ 罗妮·霍恩，《胡乱智慧——蛤蜊的世界》（Hack Wit - clam world），2014，水彩 钢笔 墨水 阿拉伯树胶 水彩纸 透明胶带，55.9 x 38.7 厘米。©?罗妮·霍恩，图片：艺术家、豪瑟沃斯

关于罗妮·霍恩

▲ 罗妮·霍恩，《死亡的猫头鹰 V. 3》（Dead Owl, V. 3），2014-15。摄影：Genevieve Hanson，©?罗妮·霍恩，图片：艺术家、豪瑟沃斯

罗妮·霍恩，1955年出生于美国纽约，现于纽约和冰岛工作生活。霍恩的近期个展包括：「罗妮·霍恩」，美国马里兰州格林斯通博物馆（2017）（此展览为霍恩四十年以来的作品回顾展）；「罗妮·霍恩」，瑞士巴塞尔贝勒基金会（2016）；「罗妮·霍恩」，荷兰蒂尔堡德庞特博物馆（2016）；「罗妮·霍恩：蝴蝶至遗忘」，法国梵高基金会（2015）；「罗妮·霍恩：蝴蝶怀疑」，豪瑟沃斯伦敦（2015）；巡展「罗妮·霍恩：一切都在沉睡，仿佛宇宙是一个错误」，首先展于豪瑟沃斯纽约（2013），随后巡至西班牙米罗基金会（2014）和马德里商业银行文化中心（2014）；「摄影/摄影作品」，德国汉堡美术馆（2011）；「良好且真挚」，奥地利布雷根茨美术馆（2010）。2009年11月，霍恩的综合性回顾展「罗妮即罗妮」在泰特美术馆拉开帷幕，后巡展至法国兰伯特收藏（2009）、惠特尼美术馆（2009）和波士顿当代艺术中心（2010）。霍恩的作品被诸多博物馆和机构收藏，包括：纽约古根海姆美术馆、纽约现代艺术博物馆、芝加哥艺术博物馆、泰特美术馆、德国汉堡美术馆、瑞士苏黎世美术馆，以及法国巴黎蓬皮杜艺术中心。

2013年1月，霍恩荣获胡安·米罗奖。同年，JRP Ringier出版了第一本聚焦于霍恩广泛绘画实践的出版物 。