2020年4月18日，阿尔敏·莱希上海采取预约观展制，举办全新实体展“春”，呈现一系列抽象与具象的绘画作品，艺术家们的不同背景、年代和地域，体现了阿尔敏·莱希广泛且多元的艺术愿景。

本次参展艺术家包括：约翰·M·阿姆利德（John M Armleder）、陶德·比恩维努（Todd Bienvenu）、马蒂亚斯·比泽尔（Matthias Bitzer）、西尔维·夫拉里（Sylvie Fleury）、布莱恩·加尔文（Brian Calvin）、格雷戈尔·希德布兰特（Gregor Hildebrandt）、李青、图里·斯梅第（Turi Simeti）、维维安·斯普林福德（Vivian Springford）、徐渠和张伟。

“春”展厅现场

“春”包括两个看似独立又彼此联系的章节：首个展厅中呈现了极具表现力的抽象作品，而第二个展厅则呈现了以“自我表达”为主题的具象作品。通过抽象与具象之间的对话，展览探讨了不同时期当代绘画之间的关联，以及二者之间存在的一些共同主题。例如，第一章节无论是探索内心情感的抽象作品，还是渲染回忆的具象作品，都可以被看作是画家的一种自我肖像。

约翰·M·阿姆利德

《首领》2018

布面混合材料

225 x 150 cm

首先映入眼帘的是由瑞士艺术家约翰·M·阿姆利德创作的一幅代表性作品。在其创作生涯中，阿姆利德打造出一个多元的艺术体系，创作形式涵盖行为表演、素描、雕塑及绘画。此次展览中的《首领》（Panjandrum）（2018）来自艺术家著名的“水坑绘画”（Puddle Painting）系列：创作该系列作品时，阿姆利德使用了包括闪粉、天然漆在内的诸多实验性绘画材料，将它们抛掷于画布表面并任其流淌。

徐渠

《200欧元》2020

布面油彩

150x158cm

在同一展厅内呈现的还有中国艺术家徐渠的新作——他在德国留学期间曾师从阿姆利德。徐渠的新系列是他在2015年于阿尔敏·莱希布鲁塞尔空间举办的「货币战争」展览的延续。艺术家旨在质询现代社会中货币与权力之间的关系，创作出一系列在画作表面“放大”钱币的作品，探索了货币的属性及结构。在《200欧元》（2020）中，徐渠裁剪并放大处理了一张欧元货币的局部细节，同时施以柔和的色彩。画面中体现出的货币通用设计，使我们对作品的感知逐渐朝抽象演化。

格雷戈尔·希德布兰特

《怜惜》2017

布面丙烯、录像带

184x192cm

格雷戈尔·希德布兰特的装置作品结构精准细密，呈现出一种动态的视觉网络，打通了时间与空间感知的桥梁。他的作品《怜惜》（Herr, erbarme Dich）（2017）从音乐及地下文化中汲取灵感，在画面中通过对磁带等录音媒介的创造性使用，打造出多元的视觉元素。

张伟

《Z-AC1650》2016

麻布油彩

220 x 180 cm

同样地，在展览中另一位中国艺术家张伟的作品《Z-AC1650》（2016）中，直观而动感的红绿色彩引人注目。这两种主要色彩在画面中互相对话，而画面的白色部分则起到中和作用，为画面带来了平衡；这一处理手法让人联想到古代中国绘画中的留白。这是阿尔敏·莱希首次在其空间内展出张伟的作品。

维维安·斯普林福德

《无题》1975

布面丙烯

182.2 x 182.2 cm

美国抽象画家维维安·斯普林福德（1913-2003）展出的作品创作于1970年代，属于其代表性的“渍染绘画”（Stain Painting）系列。她的绘画在表现手法上借鉴了经典的色域绘画（Color Field Painting）语言，充满能量的色彩从方形画布上迸发而出。

图里·斯梅第

《六个黄色椭圆形》2015

布面丙烯

150 x 120 cm

与斯普林福德的作品一同展出的还有图里·斯梅第的作品。艺术家将手工制作的木质矩阵工具置于亮黄色画布的下方，紧绷的画布与下方的木块相互作用，从而创造出一个个椭圆形。他意图通过这种不寻常的创作手法打破画布的物质感，达到一种静态的美。

西尔维·夫拉里

《超高清腮红盘》2019

木板布面丙烯

154.5 x 192 x 10 cm

西尔维·夫拉里在创作中探索悖论与无用性的模糊定义，而这一创作初衷使其在「春」展出艺术家中占据着核心地位。通过放大彩妆盘等日常物件的尺寸，艺术家改变了这些物件的固有形态。《超高清腮红盘》（2019）中，通过对日用化妆品的几何化处理，夫拉里引导我们重新审视与化妆品有关的权力与欲望。

夫拉里对于消费主义的探索引出了“春”第二章节的主线：不同时期当代艺术家处理具象绘画的方式和对“自我表达”这一主题的解读。策展人杨紫曾指出：“当暗含自我认同的自拍举动转化为逢迎的媚态，绘画对象的主体性便从自身抽离，逃逸了灵魂的躯壳，像镜子，只反映，不表达。”

布莱恩·加尔文

《超越》2015

布面丙烯

182.9 x 116.8 cm

布莱恩·加尔文是当代绘画领域最具影响力的艺术家之一，其创作的一大特点是扁平化的透视。加尔文的作品中对人物形象的近距离处理，与大面积平涂的明亮色彩，都打破了传统肖像画的表现手法。他的新近绘画作品及纸上作品中，散布在画面中的嘴巴和眼睛点缀着随性的构图，宣告着一张张超现实面孔的诞生。

陶德·比恩维努

《自拍》2018

布面丙烯

193 x 170.2 cm

陶德·比恩维努的具象绘画以相似的方式展现出其不受拘束的表现性。比恩维努的创作对象不限于自身，还包括其亲友、都市生活景象以及日常生活的碎片。艺术家将互联网视为构建当代自我世界的一种方式。此次展览中的《自拍》（2018）就表达了当代艺术家对于社交网络及自我宣传的热衷。

马蒂亚斯·比泽尔

《金色大门》2019

布面丙烯、墨彩，硬币

182.9 x 116.8 cm

与比恩维努的作品相邻的作品来自柏林艺术家马蒂亚斯·比泽尔。比泽尔的作品结合了素描、绘画及雕塑，打造出一个体验式空间，并以此探索历史和身份认同等主题。艺术家在其镶边金色绘画系列中延续了对这些主题的探索，正如「春」中的《金色大门》（2019）这件富有代表性的近作：巧妙的镜面效果使得作品中的肖像不断与其镜中影像进行着互动。

李青

《互毁而同一的像·酒神》2018

两幅照片、两幅绘画（布面油彩）

每幅135 x 125 x2 cm

艺术家李青的作品《互毁而同一的像·酒神》（2018）为「春」画上了句号：这件作品探索了图像、语言、符号与社会空间之间的张力及矛盾。通过结合一个过程的不同阶段，李青的作品构建起一个冲突形结构。其新近系列“互毁而同一的像”描绘的正是两个形象毁灭与融合的过程。此次展出的作品表现的是辛迪·舍曼模仿卡拉瓦乔名作《酒神巴库斯》的肖像作品与她的其他肖像汇聚成一体的过程。李青对中国艺术在全球艺术语境下地位的探索实践，反映了他所代表的年轻一代中国艺术家深邃的历史意识。

据悉，本次展览将持续至6月6日期间。