我在前年写了一篇文章《素描艺术的表现方法，风格与发展》里面谈了形成自己的艺术风格的关键是素描形成自己的表现风格，也谈素描艺术的表现方法，这几年通过艺术实践我有了更深的体会。从众多优秀的画家作品中我找出许多艺术规律，我愿意和同行们共同探讨，如果能对个别人有所帮助的话，我已经心满意足了，万万不敢奢望对中国油画发展有所帮助。

　　本人从小酷爱绘画，对所有的画几乎可以作到过目不忘，最近又看了《中国绘画六法生态论》及《中国绘画对偶范畴论》两本书。从理论上找到了东西方绘画的共同点，也帮我理清了我对油画造型体系与语言图式的几个方面的相互关系的认识。关系图如下；

　　我在这里不想过多的谈“六法”的方方面面，而着重阐述以上五个方面在油画创作中相互关系。

　　很多朋友画了很多年画，画面总是不痛不痒、缺乏个性，众多艺术院校的毕业生的作品也是差强人意，我想并不是大家的功夫不到，美院的很多学生可以画很好的头像或人体的写生，但创作上总是缺少思考，导致近几年画面大头、大眼的畸形人泛滥，当然优秀的大画家的出现有时代照应、个人品格修养等等多方面的因素。我想还是有解决的办法。

　　架上绘画第一要面对的就是构图

　　谢赫以前，顾恺之章法构图为“置陈布势”。构图我们按照传统的构图基本规律来说，是既要趋势，有要平衡的对立统一。

　　构图探究的是物体在方寸之间的位置，此古人谓之“章法”。也就是把你所要画的东西按感觉在画面里进行组合。运用构图基本法则规律强化自己的感觉。艺术从来都是讲感觉的，感觉对于艺术来说是第一位的。感觉这个东西听起来很抽象，看起来却很具体，形、线，色块。它门之间的搭配、错落、大小、节奏、曲直、冷暖都是需要用感觉去重新组织和安排的。必须充分理解诸如虚实、方圆、黑白、错落、疏密交叉组合，节奏韵味等等一对对矛盾。体会这里所包含的美学原理。要通过双眼把自然中的物体的三维特征转化为二维。构图有一些形式如“金字塔”构图、“S”形构图、“三角形”构图等。但在作画过程中，绝不可以概念的理解，而是靠美性直觉的敏感性去随机把握。画家构图能力的高低就全部反映在这敏感程度之中。

　　我们来分析一下在构图上很有特点的画家;如以色列画家阿西卡(图一)的画，他的构图大胆而奇特，画面物体不多，一个勺子、一捆蔬菜、一管颜料都但处理得十分有趣，形式感很强。我们再看一下西班牙僧侣画家苏巴朗(图二)的静物，构图富有宗教感 崇高感，讲究对称，注重画面关系。还有意大利画家莫兰迪的作品，构图均衡而稳定。总之构图上有特点的画家还有很多，美国的贝利、西班牙的达利，画面都各有别样的情趣。要形成自己有意味的构图样式要多看优秀的美术作品，要从民间艺术、音乐、舞蹈、文学作品中汲取营养提高自己的审美。画内的画外的都要看，从而培养和训练艺术敏感性。

　　架上绘画第二要面对的就是造型

　　造型是画家如何处理物体，造型体系是指画家独特处理构成画面的各种因素而形成的一种特有方式。造型并不是单一的视觉把握，简单的物体再现、图形写貌。，而是感性心理的主动追求，是主体意识与客体精神本质互和互感的一个活动。造型体系建立和完善，是画家成熟的标志，具象绘画和抽象绘画都有造型体系。伦勃朗和蒙德里安有着极不相同又各自完善的造型体系，造型体系不以画面是否具有形象作为是否有造型体系的判断依据。同时，概念化的处理形象，也绝非是建立造型体系。(例如近几年出现的大头小身的畸形儿。)造型体系的建立需要画家具有极高的素质品位，极大的热情，毅力和实验精神。

　　我们来分析一下在造型上很有特点的画家;以人体为例，哥伦比亚画家布特罗(图三)的人体肥胖无比、健硕有力，他的雕塑、静物也是一样，胖墩墩、圆滚滚，他在构图、色彩上并不出色而以造型见长。再看瑞士画家兼雕塑家贾克梅蒂(图四)的作品，人体被他夸张的拉长，感觉有十几米高，人物显得孤零零，从这两个人的作品可以看出造型绝不是简单的复制，作品实际上都是他们各自精神的物化。造型上的准确是相对的，贾克梅蒂(瘦高)，布特罗(肥胖)都是准确的，准确是画面味道的准确、精神的到位。造型上有特点的画家还有很多比如夏加尔、莫迪里阿尼、贝克曼等，我们都可以从他们的作品中得到启发。

　　架上绘画第三要面对的就是色彩

　　色彩体系包括三大方面1古典主义：写实是主要特色，力求准确的再现物象的外部特征，包括结构，比例，光线，尤其是对质感和细节的刻画都十分精到。这种方法在文艺复兴时就产生了一直到今天都有人使用。例如荷兰画家维米尔的作品

　　2现实主义;基本保持物象的特征但是可以根据个人特殊的感受，改造对象的形体，使之更单纯、更个人化，画出自然物质以新的意义。不追求眼睛所看到的真实效果。摆脱开固定光线的约束，靠色彩本身的对比：冷与暖、强与弱、明与暗来塑造形体。在错杂的对比排列中产生谐调浑成的力量，使单纯物体具有丰富统一的色彩之美。将自己的感觉译成特有的色彩语言，创作出一种“绝对的绘画”。这种画家很多法国的塞尚、马蒂斯等等。 3表现主义;主观因素占据画面的主要地位，物象的基本特征已经消失，弱化物象的三维特征，注重二维性和抽象性，画面几何意味明显。点线面相对独立。如美国画家德库宁运用的就是典范。

　　架上绘画第四要面对的就是笔触肌理

　　一幅画无论怎样处理都要产生笔触肌理，无非是效果明显、意识清晰与否。中国古代六法中有一句论用笔的话，叫作“骨法用笔”，也就是说用笔要有骨力。用笔是形体的塑造，是表象的构成也是心灵的轨迹的流露。无论是大笔、小笔、线条还是块面，你必须一根一根，一笔一笔去画，去表现。殊不知，这一笔一块画出了你的性情，营造了你的情感世界，雅、俗、高、低尽在用笔之中。画面上的韵味也在刷刷的笔痕交会之中形成; 笔触是指笔在画面中运动所形成的痕迹，是心，手，依托物结合的产物。笔触的形成与手运动的方向、力量有关。可以慢慢地点，可以快速地图，也可以轻松地勾，慢慢地淌，它们都会形成画面不同的视觉效果。笔触的形成与画家的性格或偏爱也有一定的关系。我们分析一下笔触明显的画家的作品。如美国画家波洛克、俄罗斯画家夏加尔、德国画家巴塞利茨。

　　肌理是由于画面表层高低不同而产生的变化。根据画面需要，有的要处理平，有的地方则需要凹凸。不同的肌理产生不同的视觉效果，它直接影响作品的表现力和画面效果。制造肌理可以有各种辅助手段，尤为重要的是，要把握肌理在整个画面中的感觉、处理得最好的是、让人感觉不到你是在有意去制造肌理，而稍一停顿仔细一看肌理全在其中。我们分析一下肌理运用明显的画家的作品，像法国的杜布菲、西班牙的塔皮埃斯、南美洲的塔玛约。

　　架上绘画最后要面对的就是精神内涵

　　每个人对绘画的精神内涵有着不同的观点，同一张画不同的人会有不同的理解，仁者见人、智者见智，精神内涵是很难用一两句话说清楚的，所以此话题以后再议。

　　以上是油画创作所面对的基本的几个方面，它们是紧密相连、密不可分的。他们之间是相互作用相互影响，画家必须有所选择，有所抛弃，德库宁完全放弃了体积，蒙德里安、波洛克完全放弃了形象。绘画风格的形成不是一天两天的，它的形成有其漫长的过程。绘画风格是一个画家不断探索、追求、完善、调整的结果，这个风格和画家的性格，所具有的学识、修养以及和自己所处的时代有一个较长时期的磨合。经过这个磨合。才会产生具有独特绘画语言和独特绘画风格的画家。

　　有几点是我多年艺术实践的感想愿和同行探讨

　　1、首先确定自己习惯的观察距离，这一点很重要，它决定了绘画的大方向，如果是近距离观察，那么基本的风格就是写实的，造型上讲究细节，色彩体系属于古典主义，物体表达的内容也比较充分，细节处结构清晰明确，体积饱满，表达的手段决不是奔放型，而是温和细腻，充满感性，手的动作很小，笔触肌理作用不大，有时候要消灭笔触，像国内画家冷军、石冲。 如果是中等距离的观察，结构体积都会注意到，这种观察距离的画家很多，要想形成有特色的画面比较难，当然这里所说的难是指真正的超越前代大师。 远距离的观察也是一种方法，在我们学习艺术的初期老师们总要告诉我们把眼睛眯起来观察，或者说把画拿远一点，我们只是在一张画的一个阶段运用远距离观察，如果从始至终一直运用远距离观察，画面一定会很有特色，这种观察方法下的画面基本是抽象或者是半抽象的，由于距离的关系细节基本消失，结构也不明确，只有大的明暗关系和色彩关系，

　　2、要确定自己习惯的手的动作。发现自己习惯的手势很重要的，这里说的手势也可以叫做语序，就是你运用工具描绘物象的动作。这个问题可以在你打电话或者听没有意思的课时找到答案，你手中拿一支笔(什么笔都可以)，你一边打电话或者听课，手中的笔就已经开始工作了，当结束打电话或者听课时，你会发现你画了很多非常有意思的东西，它有可能是抽象的也可能是具象的，你一定要从这里得到启发，发现你的习惯动作。我们来分析一下动作很明确的画家的作品，如(德库宁)他的动作是剧烈的充满建设性。再如贾克梅蒂的，他用线从来都是直来直去，很少用曲线。我们再来看一下夏加尔的作品，，他很少用直线，多用短促而有意思的曲线，这些都与画家的动作有关，再如德国画家巴塞利茨的作品也是很有特色的，痛快而凶悍，而且他的绘画和雕塑所用的动作也是一致的。想要形成有特色的艺术风格首先要有独特的动作，这一点很重要。但是动作一定要适合你，且不可盲目，动作大小来说没有好坏，象法国画家修拉，，他的动作就是点，同样可以画出优秀的作品。波洛克的动作则是运动奔跑，很剧烈，也很优秀。

　　综上所述，如果把距离和动作协调好，形成个人的艺术面貌并不难，同时我们会发现当今一些人存在的问题，明明是近距离的观察，用的动作却是很表现，或者是远距离的观察，运用的动作却是很小心。在这里我们重谈一下手的动作问题，因为绘画一切的思维活动都要通过这只手来完成，这个问题在素描中前辈们从未提过，其实它是形成个人风格的重要一步，画家手拿工具在依托物上运行，指之所触，目之所视，心之所想，这些都需要画家有极其微妙细腻丰富的感觉，动作运用的轻重、缓急、刚柔、曲直画面都会有不同的效果，学习绘画如果只懂得理解形体、结构或会用一些表现方法，而不知道作画手感的问题，是断断不能深入堂奥的。手感很好的人的作品充满灵气，另人回味。而手感差的人的作品则如同制图一般。像国内画家夏俊娜，她作画手感极好，个人动作语序明确，以揉为主，像尚扬先生的画多数用刮刀，个人动作语序也很明确。

　　本人认为学习绘画的同时要练习书法，并不要求要写出多好的书法作品，而是加强体会手、笔、纸之间的力的传递，书法对手腕的使用，凝神运气等等，都有一定的要求，相信练过书法的人对手感的体会一定会有不同。另外多尝试不同的工具(铅笔、钢笔、木炭、炭精条、墨汁、色粉笔等)在不同的纸上运用不同的动作看一看产生的不同效果，看一看视觉的各种可能性，也是一个很好的办法。

　　总上所述

　　1、近距离观察-体积感、质感-笔触相对小-肌理作用不大-画面物体尽量少-构图应追求宗教感、神圣化。中等距离的观察-弱化体积-笔触明确-独特的肌理运用-注重画面结构、物体相对多一些-构图丰富、注意三维物体在二维中的转换。远距离观察--没有体积--强调不同的色块关系-笔触肌理很重要-强调抽象意味-点线面色独立。

　　2、明确自己的语序-发现自己习惯的手势，就是你运用工具描绘物象的动作 。--笔触

　　3、明确自己的题材-莫兰迪(静物)、德库宁(人体)、西斯莱(风景)勿以多少论英雄。

　　4、从自己喜欢的画家开始，从题材和手法上多去体会，先模仿，慢慢形成自己的东西，像别人学习是难免的，重复自己却是可悲的。

　　人是不同的，不同的性格、教育、成长环境、气质、爱好。最重要的是尊重自己、尊重材料、顺其自然。相信每个人都会走出自己的一片天空。