2014年6月25日，“无界——四人艺术作品展”在中国国家画院开幕。展览由中国国家画院、清华大学美术学院主办，北京电影学院、天津大学建筑学院、中国包装总公司协办，展出林乐成、董雅、尼跃红、冯小红四位艺术家作品近一百五十余件。展览开幕式由策展人张晓凌主持。著名艺术设计家、中央工艺美术学院老院长常沙娜先生，著名艺术理论家、中央美术学院教授邵大箴先生，清华大学美术学院党委书记赵萌教授及艺术家代表尼跃红先生致辞。清华大学美术学院副院长张敢教授、天津大学建筑学院院长张颀教授、北京电影学院摄影学院院长宋靖教授、中国包装总公司党委书记李华先生等主办和协办单位领导，中国科协组织人事部副部长王进展先生、山东省文联主席、山东工艺美术学院院长潘鲁生教授、中国美术家协会平面设计艺术委员会主任、清华大学美术学院何洁教授、清华大学美术学院学术委员会主任尚刚教授、绘画系主任郑艺教授等嘉宾二百余人出席了开幕式。

开幕式现场

　　四位艺术家皆为上世纪80年代中央工艺美术学院(现清华大学美术学院)毕业生，老院长常沙娜先生看到他们的展览表示很惊喜也很欣慰：“工艺美院培养出来的新一代艺术家成绩斐然。”清华大学美术学院刘巨德教授则指出袁运甫先生就是学院无界艺术探索的先行者，四人的“无界”展继承和发扬了这一传统。赵萌教授在致辞中指出：“这个展览体现了3个‘卓越’。一、首先体现在作品本身上。四个人各有不同的经历，从事不同的工作，面对不同对象，有学陶瓷的、有学染织的、有学装潢的，但他们都有对艺术的执着，甚至是一种卓越的追求。二、每个人在各自的工作领域都在担当，在繁杂的事务中坚持画画，在画画中获得释怀，两件事都在做，这是超人，是体现卓越。三、不同作品在同一空间，不同特色构成一个和谐的整体，又不失个性，实为卓越。展览也应该在学院里举办，这样影响更大，可以让学生看到我们培养的是什么样的人才，为学院的发展提供思考。”邵大箴先生高度评价展览的“格调高，有趣味”，他认为四人“虽不是主流画家，却很主流，是非主流中的主流。”吕品田先生评论道：“有着同学经历的四位艺术家——林乐成、董雅、尼跃红和冯小红，他们在各有擅长的创作领域纵横捭阖、融会贯通、探索开新，用个性鲜明、自成格趣的艺术语言，展现了一种超然澄澈的‘无界’审美之境，也创造性地阐扬了中央工艺美术学院难以磨灭的学术传统和艺术精神。”

开幕式由策展人张晓凌主持

　　中国国家画院副院长张晓凌教授作为本次展览的策展人，他首先阐释了画展的名称“无界”：何谓“界”，境也，陲也，指不同领域的界限、界别。在四位艺术家的阐释中，“界”即是画地为牢，是思想的枷锁与创新的屏障。“无界”当然就是对“界”的超越与破除。其意思有二：一是对人为的专业栅栏的拆解;另一点，则是对艺术家身份界定的超越。其实，这两点在我看来并不那么重要，我更为看重的，是他们作品中的“无界”之境：传统与现代、东方与西方、工艺与绘画、抽象与具象、科学与艺术，融通互生，混沦一体，大道归一。“无界”实际上是中央工艺美术学院的学术传统。其奠基者、开创者，多为“无界”的大师。如张仃是“毕加索加城隍庙”;庞薰琹是现代主义加民族化;吴冠中是“土土洋洋”，水彩、油彩、墨彩一把抓，“母鸡孵出小鸭来”;袁运甫更是这方面的代表人物，从工艺到绘画，从设计到公共艺术，无不纵横挪移，一一涉猎。从根底上说，中央工艺美术学院的教育观、艺术观均是无边开放的结构。

著名艺术理论家、中央美术学院教授邵大箴先生致辞

著名艺术设计家、中央工艺美术学院老院长常沙娜先生致辞

　　“这样算下来，我也是他们的半个同学。由此揣度，他们的‘无界’之理念，或许就成形于那个年代吧?四位艺术家的作品我零散地读过一些，但远算不上研究，只能谈点印象。”

　　尼跃红本科、硕士修习的是染织艺术，博士阶段又专攻环境艺术。因其卓越的行政能力，他先后在北京多所高校担任领导工作。辗转腾挪于行政、设计领域，却丝毫不减他对油画艺术的热情。如果当下的油画家们多受制于流行的艺术理念，从而日渐矫饰性、套路化的话，那么，尼跃红则在时流之外构筑了一套以乡野主义为核心的新风格。发现西北、青藏高原的乡野之美，并将其在超自然结构中加以重塑，既构成了尼跃红油画的美学鹄的，也是他油画风格的起点与归宿，他的作品也因此具有了宗教般的凝重。

四位艺术家（从左至右：林乐成、尼跃红、冯小红、董雅）

　　董雅以陶瓷艺术为起手，后又从事环境艺术、园林艺术设计，但让他最为着迷的却是水墨。董雅的造境取山水大势，力避烦琐，近于原型又远超原型之上。尤其山体坡石，作适度的抽象处理后，与墨色交错运动，带动画面升腾至“恍然有象”的超然境界。董雅作画，先有笔墨而再取丘壑，厘定画面大势后，依势泼墨，随机生发，率先铺陈浑厚苍润之气象。而后，以渴笔勾勒，勾中见皴，皴中见染，形成密实而多层次的黑灰调子，而飞白处则如天光乍泄，澄澈而透明。在这里，人们所能领略的，不仅是山水的叙事，也是笔墨的传奇。

　　冯小红的画，犹如精神的安乐椅。笔致松脱的安静，结体庄和与偶尔的诙谐，总会若不经意地让观众进入生命的慢节奏：疏懒、惆怅、自语。借女性肖像、人体及日常的卑微事物来拯救、呈现现代社会所遗落的典雅品质与生命节奏，让精神在闲适浪漫的层面上完成自我放逐，是冯小红绘画的美学旨趣所在。冯小红是位女性艺术家，却与女性主义艺术有着根本的不同，她是站在艺术家而非女性主义艺术家的立场来观察、呈现这个世界的。她的作品，一直安静而自我地讲述着这样一个真理：有时，单纯比复杂更有力量。

常沙娜先生观看展览

　　林乐成最为辉煌的业绩，莫过于他将中国当代纤维艺术充分国际化。可以说，纤维艺术是林乐成最好的绘画，但这丝毫不掩他在丝网版画上的成就。在林乐成的创作中，从纤维艺术到丝网版画，既有观念、形式上的重合，亦有一系列的美学转化;纤维艺术神秘古厚的浪漫气息，在丝网版画上被提纯为出韵幽淡的抒情性;纤维艺术结体的沉厚，境界的廓远，在丝网版画那里化作了裁构淳秀，以及云无心以出岫式的超然。用一句话概括两者，似可以这样说，纤维艺术是林乐成创作中的黄钟大吕，而丝网版画则是他内心的抒情诗。

嘉宾参观展览二

　　最后，张晓凌教授总结道：“四位艺术家的作品，给我们带来了“无界”的主题，由此唤醒了我们在浮华世界中渐渐失去的思想活力。我想，这大概是本次展览最为让人动容的地方罢。”

　　部分展览作品：

董雅《白尘孤影》140x280cm

董雅《秋冥》 69x69cm

冯小红《看山》45x53cm

冯小红《人体》48x74cm

林乐成《根深蒂固》 300×700cm 羊毛、麻 2002

林乐成《流光》170×90cm 羊毛 1995

尼跃红《深山里的收获》140X110cm

尼跃红《同在阳光下》140X110cm