2019年5月24日，踩着初夏万物生长的节奏，坐落于北戴河阿那亚黄金海岸的阿那亚艺术中心落成，首展“色彩之后”也正式开放，希望传达透过色彩的不同空间呈现人与世界的联系。

春夏万物勃发，世界进入最为多彩的时序期，“色彩”即成为艺术中心首展的不二主题。

在生物学的论述中，色彩不以本身存在，而是光线反射到视网膜后才被人所感知的。这可以说，颜色，只有人们看见它时才存在。

正是基于视觉元素和个人体验的独特性、唯一性，使得色彩具备了能够与人产生“内在共振”的特性，色彩的内涵因此没有穷尽。正如奥拉维尔•埃利亚松在《457 Words on Colour》一文中所言：“当我们在一个单色空间时，我们将拥有某种超越平常的感知能力，我们能更加敏锐地捕捉到周围空间的人和物。”

阿那亚艺术中心开幕展便以“色彩”这一日常概念介入，由艺术家们通过六组独立空间的单色作品，意在激发出色彩与人碰撞出的无限可能性。

黄色

《血与痛的缺席》，2015-2019

单屏录像（彩色，有声） 27’14”

色卡绘画⼀方面是对于柠檬绘画⾊彩研究的基础，是探索纯粹色彩、脱离线条所能实现的透视结构；⽽另⼀⽅面，它们作为独⽴的作品，是将这一有复杂意义的颜⾊以最基本的形态进⾏枚举，仿佛是对于阶级、权力、象征、暴力、价值符号演变过程的毫⽆感情、绝对客观的描述和罗列。大量出现的⻩色⼀开始仿佛引导人进⼊一种冥想和疗愈的状态，但随着这种冷静的枚举过程的持续进⾏，随之而来的可能是疑惑、焦虑甚至是恐惧。

何翔宇的创作实践可以被视作各类个体、社会和政治主题的材料测试场和观念实验室。作为一名在中国迅速城市化时期成长起来的艺术家，何翔宇尝试由物体间的转化体现或引导感知。他曾入围2014年平丘克“未来世代艺术奖”决赛，获得2016年CCAA年度“最佳年轻艺术家奖”以及2016年“ARTNET新锐艺术家奖”。

白色

《月》，2019，灯光声音装置

阿那亚艺术中心定制作品

《月》是受神秘占星术启发而作的装置作品。依托艺术中心标志性的圆形剧场空间，作品利用垂直于地面的筒形通道，在尊重建筑自身场域气氛的前提下，以地为域，呈上充满仪式感的崇光之作。

NONOTAK Studio，是来自法国的双人新媒体艺术团体，由视觉艺术家诺埃米•西菲（Noemi Schipfer）、和身兼建筑师、音乐人的中本高见（Takami Nakamoto）于 2011 年创立。作品以声音和灯光为主要媒介，创作跨越影像、雕塑、视听装置、以及声音表演，致力于探索平面的抽象几何元素如何定义三维空间，打造超凡缥缈、如梦如幻的进入式空间，由此彻底重塑人们对于物理环境与虚实概念的感官认知。Schipfer对基本视觉符号的把玩，配合Nakamoto在建筑空间和声音编程方面精湛的控制力，加之利用烟雾、镜面、纺织品等常见材料作为承载光与声的介质，艺术家以极简主义的方式阐释对空间的理解。

NONOTAK Studio凭借其丰富的艺术实践活跃于全球视觉艺术领域和音乐行业，并备受世界各地美术馆机构的青睐，他们曾在英国伦敦泰特美术馆和法国巴黎蓬皮杜艺术中心进行表演。

现场表演：2019.05.24 19:30

见面会：2019.05.24 20:15

纹身活动：2019.05.25 13:00-15:00 17:00-19:00，限五名

红色

《无时无期》-展厅105，2019

沉浸式灯光声音装置

《1.0》-展厅203，2019

沉浸式灯光声音装置

404.zero，由出生在圣彼得堡的两位艺术家Alexander Letsius和Kristina Karpysheva组成，两位艺术家于2016年开始合作，为探索无尽创意提供了一个平台和基础，其作品尝试打破常规，探寻跳脱出普世价值之外的意义，对生命这一概念有其精准而独特的演绎。

404.zero组合的美学赋予作品一种雅致且抽象概念的感觉，希望在创作中明晰创作的艺术历程在现代的意义。他们的表演意在将观众的注意力引入音画视觉图案打造的空间中，并在特定的瞬间展示沉寂与空白的魅力，其创作媒介涵盖模块化音乐、装置、灯光及数字生成可觉化图像等，作品曾多次参与在俄罗斯、德国、意大利、美国举办的国际艺术节和展览。

黑色

《粒子》，2017，单屏影像（彩色，有声）  2’24”

《粒子》用无数黑白圆球来表示超过20亿颗粒子被自然张力与中立控制后的集体运动行为，探索复杂环境和自我内心的关系。所有的一切，包括我们自己，都是由简单的元素组成。短片主题涉及艺术、自然、物理和爱情，作品通过看似自然的撞击运动，展现集体内部结构的利益关系。白色和黑色圆球在几个封闭空间内，成群结队地穿梭流动，每一个房间墙壁上都标记了微妙的文字内容。粒子可以代表我们每个人，无意识的流动、扩散、在压力中涌动。我们可以把这个想法投射到情感、行为、思维过程、关系、生命、星球甚至宇宙中。

马克西姆•兹吉科夫，1985年生于俄罗斯，马克西姆•兹吉科夫的艺术实践围绕着数字媒体对视觉语言的改变而展开。他作品拓展了传统画廊白盒子空间的物理边界，提出了在数字媒体的影响愈发突出的时代，艺术应该如何被观看、被体验的问题。他运用数字技术再现类比当代画廊的场景，利用动态视觉设计和三维雕塑让多元的抽象形态在画面中变化，并与观众发生互动。

其作品在全球各地均有展出，例如纽约时代广场、迈阿密巴塞尔艺术展、奥地利电子艺术节、西班牙未来艺术节世界巡回新媒体艺术展等。

蓝色

鲸，2016，沉浸式音画交互投影装置

《鲸》最初的灵感源于“世界上最孤独的鲸鱼”。这只被命名为Alice的“52 赫兹鲸鱼”不属于任何鱼群，没有同类，因为她只能发出52赫兹频率叫声，远高于其他正常鲸鱼15-25赫兹的频段，世上没有任何鲸鱼能听到它的呼喊。

在《鲸》这件装置中，上百个发光的六角形元件代表神经元集群网络的振荡活动。神经元间的反馈连接激起振荡，起到同步神经元放电模式的作用。每个六角单元在无尽隧道中的反应都不尽相同，随鲸之颂接连颤动。

TUNDRA，来自俄罗斯圣彼得堡的艺术创意团队，专注于多媒体表演和沉浸式视听装置创作。致力于更新传统空间体验，着重探索声音、视觉图像的多面交互表达，及其对人类情感的作用。团队组成丰富，包括音乐家、音响工程师、程序员和视觉艺术家等，曾多次受邀参与亚欧美各大多媒体艺术节，备受瞩目，并在VICE创想计划、美国Fast Company杂志CoDesign栏目、全球资深数字艺术平台CreativeApplications.Net, LSN等众多知名媒体的专题报道中崭露头角。

成为中国未来美好生活方式的探索者，阿那亚想做的不仅仅是造一所房子，而是要从身心到精神一一关照人的生活方式，而打造富有艺术启发性的空间，则是阿那亚在这一理念上向前探索的基石。

在这次阿那亚艺术中心首展中，色彩在此将不作为表象，而是作为空间形成景观，亦是一次全新的尝试。阿那亚邀请观者融入其中，以自身为原点，探寻色彩之后的广阔天地。

　　重拾家人和邻里之间的情感价值，让艺术与美好生活相伴相生是阿那亚的初心，因此阿那亚始终不断地探索空间与人的深层关系。阿那亚艺术中心的诞生便以此为契机，尝试突破艺术中心与公共空间的固有定义。

以季节性变化的海水为蓝本，艺术中心试图将大自然的奇妙囊括于建筑的内核。这座由阿那亚与如恩设计研究室（Neri&Hu Design and Research Office）合力打造的艺术中心，最大程度利用了基地面积，在中心位置挖凿出了一个倒置的圆台空间，形成一座环形的阶梯式剧场。

利用螺旋上升的流线将人们引导至每一个画廊空间，在展陈艺术品的过程中不断激发人们的观赏欲，也使漫步流连本身成为一种享受。

除了满足艺术展陈的功能外，艺术中心内部还设计成环形的庭院，作为社区居民的公共活动空间。

环形的广场在充满水时可以形成水景，排水后又可作为表演和集会空间，从而使得这个空间既是属于自然的，也是属于人的。

建筑外观则有如一块卧于海岸的岩石，随时间变化，亦动亦静：白日，光滑的表皮可以折射出万象的天空，模塑的混凝土砖外墙则充分与日光互动，呈现出另一种变幻丰富的肌理。夜晚，这里室内的光线沿着倒锥形的空间散射出来，点亮了整片海滩。

作为探索美好生活方式的同路人，本次阿那亚艺术中心特别邀请了汇集诸多国际顶级设计师的系列产品的家居零售店设计共和（Design Republic）和独⽴精品咖啡店Soloist作为合作伙伴，为这片理想之海的色彩之旅注入更多灵感与惊喜。

据悉，此次展览将在阿那亚艺术中心持续展出至10月7日。