编者语：终于有机会能和川美的李川老师聊一聊，我很开心。川渝地区特殊的历史文化背景与地域特点，使得它在整个中国的艺术史上具有特别的意味。今天，来聊聊川渝的新媒体艺术。

　　本期访谈嘉宾

　　李川

　　1971年生于中国重庆

　　1996年毕业于四川美术学院版画系

　　曾任四川美术学院版画系副主任

　　现任四川美术学院新媒体艺术系副主任

　　S（数字艺术家，以下简称S）：您能给我们介绍一下当前川渝地区新媒体艺术的发展情况吗？有哪些进步、困难和阻碍？

　　L（李川，以下简称L）：川渝地区艺术的发展主要还是传统的、特别是绘画的影响比较大的，几十年来也出了很多国内知名的艺术家。

　　地区的发展要分两个时期来说，当代艺术、新媒体艺术领域的影响和发展，首先要有一定的基础，九十年代成都以戴光郁、余极为主导的一帮艺术家通过社会现场介入的方式，以行为艺术和装置艺术做了许多的探索和尝试，重庆九十年代以后开始有做装置、影像的艺术家，和整个川渝地区从事艺术的人群来说艺术家还比较少。我个人感觉，川渝地区的新媒体艺术土壤不是那么丰厚。这样的状态是从90年代一直到2010年左右。

　　第二个时期，川美2010年挂牌成立新媒体艺术系，2011年招收本科与研究生。新媒体艺术开始进入学院体系进行系统性培养，在新媒体艺术系下面设置了新媒体艺术与摄影两个本科专业，新媒体艺术一开始是放在绘画下面的。摄影是从学校的影视动画学院分出来的，已经有多年的教学实践，新媒体艺术2015年是第一届毕业生，到现在一共才三届毕业生。虽然单薄，但这两年也有一些好的苗头，像2016年毕业的胡滔、李浏阳、孙奥等同学非常活跃，参加了一些展览，也去国外参加了一些国际驻留，也能接一些和新媒体艺术相关的项目或商业性活动。

　　总的来讲，在川渝地区，从事新媒体艺术创作的人不是很多，现在的发展，我个人还觉得远远不够，无论是院校还是地区，用这种方式来创作的艺术家还是比较少。

　　李川和父亲观看法国摄影师《父与子》展览，2016

　　S：川美新媒体系目前的发展情况如何？与国内其他美院的新媒体相比有什么不同？

　　L：2016年我调到新媒体艺术系之后，做的第一件事情与学校教务处共同梳理并申报本科特设专业——实验艺术。2017年3月教育部正式批复发文。2018年9月实验艺术正式招生。

　　跟其他的美院相比，我们算中间时间节点，比如像中央美术学院是启动时2004年，只是一个教研室，2007年成立系，2014年改为学院。中国美术学院，2010年由新媒体艺术系、综合艺术系、艺术策划系整合成立了跨媒体艺术学院;广州美院的实验艺术系也成立得很早;天津美院，之前有一个当代艺术学院，2015年整合其他一些系科更名为实验艺术学院，他们的体量是专业美院里面是最大的，有6个专业，1000多个学生;西安美院则是去年才刚刚成立了实验艺术系;鲁美也刚刚成立了当代艺术系，清华大学美术学院、北京师范大学艺术与传播学院、南京艺术学院、山东艺术学院、复旦大学视觉艺术学院、四川音乐学院成都美术学院等院校，还有一些学院还成立了数码艺术系，偏重于游戏类、商业应用的方向。

　　摄影相对于传统的造型手段来讲也是一个新的媒介，它涉及到平面、影视等当代艺术研究的范畴。摄影的手段可以和其他的艺术形式结合起来，比如和影像装置、动画等等，因此在系科的构架中，首先思考的是如何把这两个专业结合起来。

　　记得以前著名批评家王林老师曾说当代艺术有三个方向的特点：装置、影像以及行为、表演现场，这些都是我们课程和教学中涉及到领域，当然今天数字化的迅猛发展，面临更多的领域跨界与融合：交互作品、虚拟空间、艺术与科技，艺术与社会现场等等。

　　所有在我们系的课程中，一年级是两个专业共同的基础课，希望给与学生一个专业丰富的基础背景。二年级才开始分工作室方向，但设置了系内两个专业互选的选修课，到高年级通过一些研讨性的课程，又希望能把交叉的地方融合起来，学生们能共同来创作作品。

　　在川美新媒体系研究生展开幕上讲话，2017，李川

　　S：您现在在新媒体系里主要负责的教学内容是什么？

　　L：我想先谈谈师资，国内这几大美术学院和新媒体艺术相关的院系里，大部分老师都出身已有的传统学科。我之前是学版画的，央美的邱志杰老师也是学版画的，广州美院的冯峰老师也是学国画的，中国美院的管怀宾老师是学中国画的……都是从传统学科、纯艺术的专业出来的，一方面当然是因为这是新的专业，以前的美术学院都没有相关专业的培养，另一方面也是因为传统学科给了大家成长的营养，和不断去跨界探索的实践。

　　我刚到新媒体艺术系的时候，只有八个老师，最近两年我们新进的80后年轻教师知识结构就不一样了，有不少是国外留学回来的研究生和博士，主要教授的是虚拟现实、增强现实、 Processing图像生成、 HTML5网络艺术这些紧贴新媒体艺术的课程，也有特聘的意大利籍的宋钢老师、韩国籍的金泰俊老师，还有教学和策展经验丰富的俞可老师，都是和新媒体专业契合的师资。总之这两年师资建设有了很大的进步。

　　川美和其他美院相比，有自己的特色，比如我们没有全院统一的基础部，基础教学都是放在各个院系。这两年，亲自参与一年级的基础教学，新媒体艺术系的基础教学与传统学科相比变化很大，比如，以往造型类的基础课程主要围绕素描色彩展开和深入。

　　我们课程主要由几个板块构成，一是专业课程，二是理论类课程，三是实践类课程，四是技术类课程。

　　一年级的学生都是从美术高考进来的，大多数同学都是考前班的套路学出来的，在我们看来，除了掌握了一些基础造型手段以外，广义上基础比较缺失，比如对美术史的了解，对绘画以外其他丰富的艺术创作手段不了解。

　　因此一年级是很重要的一个过渡，“专业基础课教给学生什么样的能力?用什么样的课程设置来达到训练目的?课程中用什么样的训练方式来培养?”等等。

　　视觉思维转换——平面、视觉思维转换——空间、视觉思维转——多维，这三个一年级的基础课对应的是高年级的艺术创作手段，装置、综合材料创作、影像、动画、摄影、现场艺术等等。

　　理论课程一年级开始设置了“实验艺术导论”“、“社会调查方法””等和专业相关的基础理论，再比如实践类课程，传统学科基本都是风景写生，我们一年级外出前有“社会调查”理论课程教方法，再外出实践，一方面要求学生掌握基本的调查方法，另外一方面也强调用手绘、影像等方式记录。

　　技术类课程从一年级开始就有3D建模、摄影基础这样以技能学习为主的课程。二年级有编程、交互软件等数字媒体基础课程等等。

　　新专业不像传统的专业有几十年经验的积累，也不能完全照搬国外的新媒体教学，况且每个学院的情况也不一样，不同的地域也有不同的特点，传统专业更偏重于师徒制，而我们更强调合作和协作。

　　川美新媒体艺术系的学生作品在罗马艺术大学的空间展出，2017

　　川美新媒体艺术系2016级本科一年级“视觉思维转换-平面单元” 学生作品2016年

　　川美新媒体艺术系2017级本科一年级“视觉思维转换--空间单元” 学生作品 2017年

　　S：在您看来，与国外新媒体艺术教育相比，国内的有什么不足？

　　L：首先和国外大多数美术学院的入口不同，绝大部分学生都是考前强化模式考进来的，他们通过招生简章，通过师友或网络了解所学专业，了解有限。国外每个国家也不尽相同，有些是考试，有些是拿学生以前的作品集申请，学生的年龄层次也很丰富，有些已经有从事艺术创作的经验，教授则根据学生的作品来判定是否录取。国外的学生在入学前相对要明确一些，知道未来几年可能面对的是什么样的创作手段。

　　其次，国外的学分制，学生根据需求自主组合课程来获得学分，而我们的学生进入大学之后会相对固定专业方向，选修课程较少，还得花不少的时间来寻找自己真正感兴趣的方向。

　　我们也在做一些尝试和调整，比如二年级新媒体艺术这边设置有艺术与科技工作室，学生选择进入这个工作室之前缺乏了解，有些同学学了一段时间开始头疼，比如编程、建模，都是偏重技术的，很多都是在计算机上通过各种软件完成学习，觉得跟他们想象中的不太一样。

　　国外的新媒体艺术在调整和转型，强调和各专业的跨界。我个人也比较关注国外新媒体艺术的发展，比如麻省理工学院的媒体实验室(The MIT Media Lab)以及计算机科学与人工智能实验室(MIT CSAIL)，特别是MIT CSAIL，里面有不少的研究跟艺术相关，比如Graphics &Vision小组(图形与视觉)，而Computational Biology(计算机与生物学)研究的项目都非常有趣。他们跟艺术家合作也会产生一些新的东西。

　　人工智能鱼

　　S：您上面提到的“艺术与科技工作室”如何运营，学生如何克服技术上的难题？

　　L：我也在思考这个问题，国内美术学院在未来的发展中还需要新的学科融合。传统的培养模式要怎样转型。

　　去年、今年我们都在招聘偏技术型的教师，但也有点困难，一方面是学历，另一方面是老师进来之后可能也会面临和他以前生存不一样的环境。或者利用外聘的形式来解决这个问题。

　　我跟一些计算机领域的老师聊过，他们的学生不懂艺术，是从本专业的角度来写程序，一些涉及到艺术的项目，必然要考虑美观、设计的。我们的学生也不可能花大量的时间去学习跨领域的知识，如何在这两者之间找到平衡点，也是教学框架中需要论证的，我们也在努力解决跨界的问题，寻找更多的可能性。未来肯定是要走这条路，虽然有点艰难，我们需要时间。

　　川美与科技公司成立多媒体联合实验室，李川现场发言，2017

　　S：您个人是学习版画出身，到90年代末开始尝试当代艺术，在国内外办了参加了许多展览，能给我们介绍下那段时间的活动吗？

　　L：怎么讲呢，那个年代跟现在也不太一样，国外对中国当代艺术比较关注，整个经济情况也比较好，各种艺术机构资金也很充足，经常有这样那样的展览或者艺术驻留机会，国际交流机会也比较多。

　　现在的情况变化很大，一方面西方好些国家经济情况不好，会首先缩减在艺术上的开支，另一方面中国的经济起来以后，各种展览、独立策展人、美术馆、大型艺术机构这个生态系统也发展迅速，反而成了西方艺术品销售的重要领地。

　　《时空裂痕》李川，2010，装置

　　S：您那个时候与李勇、任前老师组了重庆三人组，能介绍一下吗?

　　L：李勇和任前我们是认识二十多年的老朋友了。早期在重庆有不少志同道合的朋友，有些去了上海，有些去了北京，我们几个一直留在重庆，势单力薄，也算是报团取暖，所以当时几个展览我们就以小组创作的方式来参与。从2004年到2005年左右，一两年左右的时间也就分开了。现在大家都还在各自努力，继续自己的艺术梦想，有自己的一块天地。有时候也会聚在一起谈论作品。

　　法国蒙彼利埃首届中国当代艺术双年展作品《招牌菜》，2005，小组合作：李川、李勇、任前

　　S：您从从事版画版画，到当代艺术，到川美的新媒体艺术执教，这些转变之间有什么契机？

　　L：毕业之后我留在了川美版画系执教，90年代末以后比较少创作版画了。当时觉得版画有些限制，觉得这个媒介包容性比较小，其次，自己也有很强烈的好奇心，开始做一些尝试，包括行为、装置、影像等各种作品，但在版画系当老师，不做专业创作也是一个蛮尴尬的事情。

　　所以我一直觉得川美有一个很宽容环境，但是在版画系的教学中还是有不少学生喜欢我这样的老师，因为年轻人都会有很强烈的好奇心，也想尝试一些新的媒介。期间也有一些其他版画、油画、纸上以及各种媒介的实验，我本来是从绘画的系统里出来的，从来不排斥用绘画或版画的形式创作，只能说我身上的基因是比较混杂的。

　　2016年我调到了新媒体艺术系，面临个多的挑战，除了创作之外，花了不少的时间和精力在管理工作上面，思考如何把学科建设做好，理顺教学，设置相对合理的教学体系，做一些更长远的学科建设规划，毕竟我首先是一名教师。都说艺术家不是教出来的，但艺术创作方法可以教，影响艺术家成长的土壤我们可以去培植。

　　《秋水落霞》石版(彩色)，2015，李川

　　S：您现在还有做版画吗？

　　L：版画系那边还有我的研究生，也会回去带大四的毕业创作，。川美版画一直人才辈出，学生还是比较活跃的，这个年代的学生，除了他们本身的专业之外，也会尝试一些跨界的手段，我也很高兴与他们交流，我相信每一个从版画系出来的人都会有对这个系科特殊的情感，所以不管是自己的版画创作还是参与版画系的一些教学，只要时间允许都会乐于去做。

　　《落樱三月》 石版(彩色) ，2015，李川

　　S：在新媒体艺术方面，您现在有什么在创作的作品吗？

　　L：在工作室做一些小实验，最近成熟的个人作品比较少。依托学校新媒介实验室做集体项目，如大足石刻的新媒体艺术呈现。

　　大足石刻是离重庆不到两个小时车程的世界文化遗产，世界八大石窟之一，主要是唐代和宋代留下的石刻和浮雕艺术。前段时间跟大足石刻研究院的院长见了面，一起讨论用什么样的手段来呈现传统艺术。打个比方，以前大足石刻去到国外展览，都是原封不动地把石刻或复制品搬出去，我们现在讨论着做一个数字化、交互式的展览。

　　这需要一个团队才能完成，需要美术史、考古、编程、3D建模和动画以及交互搭建的老师和学生协助。这样的项目链接了中国传统文化活化与审美，以及新媒体艺术的社会化运用，除了艺术创作之外，我们也想做回应社会的需求。这样的项目回过头来能对教学、科研，对培养人才有直接的作用。

　　大足圆觉洞

　　S：您的团队在这个项目里是囊括了技术和设计部分吗？

　　L：是的，都包含在内。文化遗产是一个现成品，用新媒体艺术的方式来呈现，里面有很多可以挖掘的部分，利用科穿戴式设备模拟风、雨等沉浸式体验，感受时间的流逝是怎样一步步把石刻雕塑成了现在的模样等等。前期美术史与考古的教授在完善项目架构，技术上在搭建3D建模，后面会逐步实验搭建场景。我们的年轻老师已经数次去大足石刻采样与拍摄了。

　　大足石刻圆觉洞现场采集数据 2018年

　　已完成的计算机3D建模

　　已完成的3D建模数据，可直接用于3D打印

　　S：您对国内的新媒体艺术的现状如何评价，对它的未来有什么期待？

　　L：最近两年，大家谈到新媒体艺术也挺多的。北京、上海、深圳都有不少艺术机构做了商业的新媒体展览，新媒体艺术带来的现场体验更新奇。但目前我们看到的都是比较纯视觉的，从深度来说还远远不够。

　　大家在关注新媒体的时候也有很强烈的声音，新媒体艺术不应该让技术成为第一位，技术还是应该为所表达的思想做后盾。我们有一种担忧，新媒体艺术会变为一种纯炫技的东西。艺术的根本还是要打动人，而不是简单的炫耀技巧。除了视觉的寓意，它应该还有能唤起人们情感的更深层本质。

　　像日本的teamLab新媒体艺术小组，去年在北京和深圳都有他们的新媒体艺术展，观众反应强烈，北京门票收入都达2千多万，产品做得很好，但背后是庞大的技术和资金支撑。在我们的艺术探索和教学中，期待艺术家合理利用技术背景支撑，以个人或者小团队的方式来做出特别棒的作品。像前年的里约奥运会开幕式，韩国的冬奥会，里面用到了大量的新媒体手段，包括点火的方式等，都是机械动力装置。

　　我们希望有这样的作品，既是新的创作手段，又有很强的艺术性。另一方面作品应该关心我们生存的各种环境，关注社会，有感而发。

　　无论是VR、AR、MR还是全息技术，它们的爆发点还没到达，还在推进，比如像VR头盔也还不是那么方便，这些问题有一定的技术壁垒，到了一定阶段，这些难度会降低，让艺术创作变得更加自由。

　　另一方面，还有其他如智能机器人、生态、生物学、天文学等等与艺术的跨界融合也是美术学院需要探索的，也是值得探索的部分。以前每个学科和每个学院太过孤立，融合应该是未来所注重的方向之一。

　　teamLab在北京佩斯的展览现场，2017

（文章转自：微信公众号 数字艺术家）

来源：雅昌艺术网