如何画好花
　　鲜花，不少画家都爱画，它们都能唤发人们美好的感受和快乐的情怀，增添生活的光彩。不论瓶中插花，还是生长着的花，都是好看不好画的。我体会到画每种花之前，要对这种花的生长规律及它的结构、色感和质感有一定感受。花的形状千变万化，大小不一致，但它的基本形都是球体或半球体，画时要结合水彩明快、润泽的特点。由于花娇嫩、透明、变化丰富，更不能一开始就局部画，要整体的、对比的、互相关系的、一丛丛、一球球的画出花形和色的感觉。在能体现花特征的地方稍加注意明确，整个过程胆要大，心要细，到将近完成时，要根据花的形体结构，注意“骨法用笔”，讲究“气运生动”，恰到好处地艺术地结束画面。
　　由于花的色彩冷暖的对比，浅色留白或趁湿提亮的办法，效果都很好。
　　风景写生
　　△风景画课的目的是培养学生具有艺术美的情怀，热爱生活，热爱祖国河山；培养概括表现大自然的能力；培养整体的观察方法和表现方法。培养色彩的、有意境的、有情调的表现景色，是研究自然景色变化进行色彩基础训练的好课题。比静物难度大，每一景色都有不同程度的触动，我们才有想画的情怀。
　　△在决定画某一景色之前，要观察、思考采取什么样的构图、色调和什么样的方法步骤，什么样的手法才能把你观察和感受到景色表达更好。照相机只能帮助收集素材，但不能代替写生。
　　△水彩画教学，特别是低年级，首先是强调水彩画特点，强调艺术性呢？还是强调不择手段地以严格充实表现对象为主呢？这是两种教学方法，效果就不相同，各有利弊。我的教学体会是：首先以充实表现对象为主较有好处，到能运用水、色表现造型，有一定扎实基础时，再强调水彩特点，这样，艺术性就会有一定的分寸表现，否则不耐看，深入不下去，轻浮，单调，提不高。
　　△水彩风景写生不论在东方、西方的绘画教学中，向来都是研究探索表现大自然的最好手段之一。既可以作色彩基础的训练，又可以成为艺术性作品。写生以客观为依据，但又不是被动的照抄。
　　△写生过程，是研究、观察多变的大自然，不断加深修正艺术家的认识，如何更好、更恰当地运用自己的一切手段表现当时的情和景，与画家感情、修养技巧有着密切的关系。——“外师造化，中得心源。”
　　△近来不少人贪图方便，不再重视写生的锻炼，而是走马看花，靠相机解决，回来进行制成一张画。我不反对相机作为收集素材的补充，但不赞成借之以代替写生，只有在写生过程中才能更好认识大自然，在艺术上、感情上、手法上才得到锻炼。
　　△风景画的方法步骤很多，由于大自然的情况变化万千，人对自然的情调、意景的感受也随之而变。画法不外乎是先整体（包括气氛），或先局部；是先主体或先环境；是先近景或是先远景；是先虚、湿或先实、干。一般都是根据景色的不同情况而定的。按采取正常的有利的步骤，如是瞬间即变的，则采取把变化快的先画。不管哪种方法，但整体的考虑和表现是最主要的。如果你冷冰冰的对待自然，就算有好的艺术技巧，也画不好风景画。
　　△举例如下：
　　1．先远后近，先湿后干，先概括整体后具体。
　　——如：“云雾山中行”、“瑶山烟雨”、“湘西风景”、“水边人家”（小三峡）、“远帆”、“雾长江”、“粤北山村”、‘海风“等。
　　2．先主体，先画变化快的，抓气氛。
　　——如：“炉前工99、66钢龙”、“茅房阳光”、“煤场”、“椰林海风”、“牛车”（响午）。
　　3．写生过程会不断的深化，完善感受，又带创作的成份。
　　——如：“喜讯’’（鸽子）、“闯海99、66牛栅”、“推土机”、“炉前工99、6 6钢龙99、66湘西水边人家”。
　　△写生、记忆、想象的能力是水彩画的基本功，通过对大自然和客观对象的观察、研究，掌握规律，在写生过程中，大自然是不断在变：色彩的变，气氛的变，光线的变，人与动物等在景物中产生的变……画面构图的变，都无不在写生过程中发生。需要运用记忆、想象，甚至创作等手段才能完成。写生不是客观的照抄，不断的写生就不断的提高。
　　△水彩画有它本身的特性，它性“水”，但在教学上，特别是初学者却不能过多强调“水”的特性，这样会妨碍深刻、充实、丰富地表现对象。而一些简单的水彩方法步骤又要注意，免致自己不断为自己制造麻烦，影响作画的情绪。你只要注意了，它会很听话的。
　　△由于各种不利画画条件，如下雨，雾大，没带画具，在途中——可采取当场多体会，或速写的形式记下来，回来再画的方法：如“黄山樱花”、“玉屏楼”、“西海”、“海风”、“雾松”、“回声”、“夜静”、“漓江渔火”等等。
　　美术教学心得（杂谈、体会）
　　△在人生的长河中，大学阶段是短暂的，万丈高楼从地起，基础的扎实与否其影响是深远的。
　　△艺术观一定不能脱离本国的国情、时代和人民的生活，一切外来的艺术流派都是可学习借鉴的，学习借鉴都是为发展和丰富我们民族的艺术，不重传统的所谓国际接轨，其艺术也就没有国际地位。
　　△作为一个艺术家，可以有自己的片面性和特殊爱好。作为一个教师，要尽可能对各家各派和各画种研究和了解，能给学生以指导，因为学校不应是哪家哪派的。
　　△各种造型艺术都有自己的特色和规律，有它的优越性和局限性。所以说艺术修养越深、越广、越全面，他的艺术头脑越灵活，表现手法会多样，适应性越强。
　　△一个艺术家具有健康的感情和美的心灵很重要，否则会美丑不分。
　　△生活是艺术的源泉，但不等于生活就是艺术，要把生活变成艺术，每个人的思想、气质、修养、表达的能力会起很重要的作用。
　　△表现自我和有感而发，如果理解为按每个人的体会、感受、爱好来表现生活，我是赞成的。但艺术作品也受每人的思想、修养、感情、气质和艺术观的不同而制约的。
　　△教学相长，严师出高徒，老师还要善于启发、引导。反过来学生的各类问题又促使老师增加新的思考。教师通过教学实践，又增长了知识。
　　△每个教学单位要依靠教师去完成，教师要充分的讨论教学思想、培养目标、教学大纲，力争教学思想明确，才能发挥每人的积极性，共同去完成培养学生的重任。
　　△素描的形体结构、立体、空间、透视、色调体面、线条……等基本规律，有各自的含义和要求，它们是各具特色，但又互相依存（统一），我们为了研究物象，才把素描的各因素分开研究，便于科学的理解对象和表现对象，不能理解为相互矛盾的。
　　△整体的观念，整体的观察与表现是作画重要环节，必须自始至终不能忽视，否则都会给丰富的表面细节迷惑而钻牛角尖，捡了芝麻丢了西瓜而失败。
　　△只有理解对象，感觉才能深刻、有内容。也只有了感觉才能更好的理解。
　　△作画和数学不同，作画中，“一加一不一定等于二”可以等于零，或一可以当十。方法步骤不对头，要求不明确，第二天可能把第一天已画好改坏。所以我们要强调研究，搞清道理，不要忘了整体感觉，要经常保持清醒的头脑。
　　△学画要强调顺序渐进，特别初级阶段，但到你掌握一般的规律，明其道理之后，也可以不要顺序，甚至将顺序倒过来也可以画好画，只要你是明确，有全面观念。
　　△学画时首先要研究解决基本规律和全面因素的学习，有时也应有针对性的，缺什么就学什么？但要不脱离各规律来学习，只不过重点研究罢了！
　　△“多能一专”，既是师范培养学生的必需，也是大多数美术院校的发展方向，也是艺术发展的必需。
　　△艺术离不开生活，但要高于生活，否则艺术就没有什么意义了！
　　△知识越广博，艺术的门路越灵活。我主张青年人学习不要过早有偏见，但艺术家的偏见会是他的风格特色，年青人的偏见，往往会排斥很多有益的东西，没有好处。
　　△艺术家的风格，个人的艺术语言，它和古今中外各派大师的影响和个人修养、素质、勤奋程度是分不开的。
　　△画如其人，作品的“格调”、“品格”是第一位的，格调的高低与作者的品格很有关系，一个品格差的人，其作品不可能是格调高的，画如其人，文如其人，自古如此。
　　△初学者是强调写生色彩（环境色彩），还是装饰色彩？是强调客观还是强调主观？当然是前者不是后者。艺术首先是以客观为根据的，是以研究环境色的写生色彩为基础的，由于各人的基础、修养、气质不同，在同一对象面前也都各有自己的色彩感受。只要画面的色彩关系是协调的，是从客观对象中感受得来的，所以传统油画的造型、色彩的训练，对水彩画的提高是很有好处的。
　　△我们对古今中外各家各派的姐妹艺术是否都能分清好坏？是取其精华，去其糟粕，还是把别人的破烂当宝贝？学习别人更是为了提高与发展自己，与别人拉开距离。
　　△教师的指导作用要与学生的独立思考恰当地结合。教师虽有很好的教学意图，但方法不对头，也会束缚学生的独立思考，甚至学生感到老师不来上课，作画时更有信心，所以有人说：“只有不会教的老师，没有不会学的学生。”
　　△学会正确的观察与理解对象，在绘画艺术中是最基本的知识，造型艺术有它的特殊性、规律性。如对所画的对象要有一定理解，包括它的形体结构、生理特征、色彩关系，如画真人更复杂，包括他的性格、思想……等，在观察上，我们平常讲的艺术家的观察方法，概括起来是整体观察，如互相关联地看，比较地看，有空间虚实地看，有主有次地看，色彩上有统一色调的冷暖变化，形式上有节奏，质感    上有变化……，这些都是我们与常人不同的地方，特别敏感。
　　△色彩与素描在造型艺术的基础训练中不可偏废，有怎样的素描就有怎样的色彩关系，是写生色彩？装饰色彩？或强调素描为主的古典色彩？
　　色彩画强调感觉，素描强调理解，色彩和素描在客观对象中是统一的。初学者要研究对象的全面因素，但作为科学来研究它们时，就有所偏重，画家可以有所偏爱，但教学只能有阶段的偏重，有时分有时合，有时先素描后色彩，也有时先色彩后素描。根据学生具体情况，灵活运用。
　　△造型基础的严格训练，往往被误解为自然主义、照相主义。严格训练主要是解决造型规律的全面因素，互相关系的理解及表现艺术风格的形成，不是天掉下来的，是经过严格训练和自己爱好特长、修养、基础……等方面的融合逐步形成的，是在前辈的基础上形成的，不要首先学某某派的表面形式，这样是没有发展前途的，学要学各家之长，艺术风格不是一蹴而就的。
　　△画家指的整体观念是作画的全过程，只是每阶段的研究对象要求不一样，没经过训练的人往往是局部观察，局部表现多，使画面支离破碎。这里不等于说局部可以疏忽不表现，恰当的局部表现才有更好的整体。有些为了更好的理解，可以走近来看，深入地看，了解对象的生理结构……等，但到回去远画时，又要服从整体关系，细部在大的形体之中，这时的局部与原来细看的有所不同，不能画哪里看哪里。
　　△西方绘画重视对客观对象的科学研究和理解，在造型、光、色和技巧等方面有突出的贡献。中国传统绘画对客观对象更重意境和主观的感受，所以在观察和理解对象表现对象时，更重记忆和概括的表现，艺术上增强了主观能动性。“外师造化，中得心源”，要带着诗情画意去表达和组织画面。
　　△画家要善于把各种知识、修养、美术的各种手段、技巧、各画种的长处，根据不同的需要，溶汇贯通的运用，愈运用得好，就艺术性的空间愈宽广。
　　△姐妹艺术之间虽各有其特性，但也有其共性，如音乐与美术的音调、色调关系，戏剧舞台的概括集中与美术也是相通的。又如节奏、韵律、强弱、抒情、激昂……等。
　　△在学习别人时，要“取长补短”，在创作自己的作品时，要“扬长避短”。由于每个人的理解爱好、修养、格调与水平高低不同，就会产生不同面貌的作品。
　　△各种流派的形式、风格，都可以学习和研究，但学习不是变成“别人”，而是变成更充实，更富于特点、个性的“自己”。
　　△艺术上要有所进展、发展和突破，就要善于学习和敢于肯定自己。
　　△“一以当十”在艺术上是高的要求，概括、简练是建立在丰富、充实、扎实的基础上，否则就是简单化概念化。
　　△艺术门类虽多，都有各自的规律，学习过程就要研究掌握各自的规律，一通百通。把艺术说成不可捉摸是不对的。
　　△复杂的对象要特别注意概括，简单的对象要注意变化。初学画时能深入、丰富不容易，但由丰富到概括更不容易。
　　△教师的教学只能启发、引导，尽可能不动手改画，如改，也要有目的和启发性，以便于发挥学生的独立思考和独立的绘画能力。
　　△素描是水彩画、油画的基础，水彩画是油画的基础，大家都公认，但油画、国画也是水彩画的基础，就不一定个个都认可，能体会到这一点很重要。
　　△色彩训练有写生色彩、装饰色彩或主观色彩，作为学生训练，应以写生色彩为主，装饰色彩应在有写生色彩的基础上进行较好。
　　△色彩是靠感觉去发现，也就是靠整体和比较的方法发现，理解可以使感觉深化，但理解要靠感觉。
　　△色彩与形体结构在客观事物中是统一的，但当我们在掌握运用表现客观对象时，往往是矛盾的，经常因注意形时忘了色彩感，而注意色彩时，形体又可能会疏忽。
　　△每画一张画要有所感受和要求，作画时要全神贯注，重视一气呵成，又能适可而止，否则会画过头，或越画越差。
　　△天才不是天掉下来的，一般来说是一个人的勤奋、动脑和研究所取得的，好的嗓子，好的身材，没有色盲，只是声乐家、舞蹈家和画家的先天条件。
　　△通过写生进行锻炼观察、研究、理解、感受和表现方法的运用，是绘画训练基本功的重要方法，否则连装饰、变形、抽象等艺术形式也会离谱，提不高，但只重视写生的能力训练而忽视记忆、想象、速写必创作的训练，也是不全面的。
　　△我们主张客观生活，是第一性，但也鼓励在客观面前各有自己的感受、理解和爱好，绘画语言是丰富多彩的，纯客观是不足取的。
　　△一个人的气质，虽有先天的成份，但更主要是后天的养成，画如其人。我们在学习和研究中要不断地提高修养，这种修养不单是艺术范畴的，也包括思想、道德、品质、意志等方面的。
　　△造型艺术创作有没有规律？有，如：主题思想是否贴切、形象是否典型、形式风格的协调、构思构图的变化、色彩的冷暖、“黑、白、灰”、虚实、比例、结构、质感、气氛、动与静、疏与密……等。
　　△艺术作品的人民性和“自我”表现，不应是矛盾的，应是矛盾的统一，是互为依存的，缺一不可，雅俗共赏是比较好的统一。
　　△一个艺术家的成就和创新，都离不开古今中外前辈和同辈抚育和启发借鉴的作用，也只有研究学习他们，才能青出于蓝。不能以新就是好，应该新旧都有好坏。
　　△近年我在水彩画上如有些进步的话，都是由于研究、学习我国传统绘画的观察、理解和表现方法，使我在水彩画的运用上比过去灵活，但是我的基础首先得益于西方绘画。
　　△绘画该打什么基础？不同的画派，不同的时期，有不同的要求，这不同的要求就是“补充和完善”，不是互相否定，走向绝对，到你成熟时，想强化自我走向绝对才是值得鼓励的！
　　△水彩画一般的技法是“加”的多，而“减”的很少运用，其实“减”也是一种画法，运用“加加减减”的画法，层出不穷，可以达到意想不到的丰富效果。
　　△每张画从开始至结束，不论在色彩、素描、构图、对比、气氛、情调……等方面的整体关系都不应疏忽画面的感觉、色调和形式的协调。
　　△水彩画和其它画种很不同的地方，它是要恰当利用水份的干湿来作画，因为它干了不可改，半干不湿时也不可画，不能自己想画就画，要了解掌握水的特性才能画好每一张画。
　　△为了集中研究和更好地理解对象，绘画重视形体结构是对的，但不能排斥在基础课中对光、色、明、暗和感觉的研究。
　　水彩画教学体会
　　△画家画到后来主要是画修养、画境界、画胸怀，但不等于绘画的造型基础不重要。
　　△画家要善于把各种知识、修养、艺术的各种手段、技巧．根据不同的需要、融会贯通的运用，愈运用得好．艺术性愈高。
　　△姊妹艺术之间虽各有其特性，但也有其共性、如音乐与美术的音调、色调关系、戏剧舞台的概  括集中与美术也是相通的、又如节奏、韵律、强  弱、抒情、激昂……等。
　　△在学习别人时要“取长补短”，在创作自己  的作品时要“扬长避短”，由于每个人的理解、爱好、修养、格调与水平高低不同，就会产生不同面貌的作品。
　　△各种流派的形式、风格、都可以学习和研究，但学习不是变成“别人”，而是变成更充实、更富于特点、个性的“自己”。
　　△艺术上要有所进展、发展和突破，就要善于学习和敢于肯定自己。
　　△“一以当十”在艺术是高要求、概括、简绣是建立在丰富、充实、扎实的基础上，否则就是简单化、概念化。
　　△艺术门类虽多，但都有各自的规律，学习过程就要研究掌握各自的规律、一通百通，把艺术说成不可捉摸是不对的。
　　△教师的教学只能启发、引导，不能强迫或代替，尽可能不动手改学生的画，如改也要有目的和启发性，以便于发挥学生的独立思考和独立的绘画能力。
　　△一个艺术家可以有片面性，但一个好的老师在教学上不能片面，要有开阔的胸怀，对各家各派都应有研究，要能引导学生较正确地、一分为二地看待各种风格流派。
　　△素描是水彩画、油画的基础，水彩画是油画的基础，大家都公认，但油画、国画也是水彩画的基础，就不一定个个都认可，能体会到这一点很重要。
　　△为了集中研究和更好的理解对象，绘画重视形体结构是对的，但不能排斥在基础课中对光、色、明暗和感觉的研究。
　　△学画要强调循序渐进，但到你掌握规律之后．也可以不按顺序，甚至把顺序倒过来画也可以画好画。
　　△色彩训练有写生色彩、装饰色彩、或主观色彩，作为学生训练应以写生色彩为主，装饰色彩应在有写生色彩的基础上进行较好。
　　△色彩与形体结构在客观事物中是统一的，但当我们在掌握运用表现客观对象时往往是矛盾的经常因注意形时忘了色彩感觉，而注意色彩时形体又可能会疏忽。
　　△通过写生进行锻炼观察、研究、理解、感受和表现方法的运用  是绘画训练基本功的重要方法，否则连装饰、变形、抽象等艺术形式也会离谱，提不高，但只重视写生的能力训练忽视记忆、想象、速写和创作的训练也是不全面的。
　　△我们主张客观、生活是第一性，但也鼓励在客观面前各有自己的感受、理解和爱好，绘画语言是丰富多采的，纯客观是不足取的。
　　△造型艺术创作有没有规律？有，如：形式风格的协调、构思构图的变化、色彩的冷暖、黑白灰、虚实、比例、形体结构、质感、气氛、动与静、疏与密……等。
　　△艺术作品的人民性和“自我”表现，不应是矛盾的，应是矛盾的统一，是互为依存的，缺一不可，雅俗共赏是比较好的统一。
　　△一个艺术家的成就和创新，都离不开古今、中外前辈和同辈抚育和启发借鉴的作用，也只有研究学习他们才能青出于蓝，作品不能以新就是好，应该新旧都有好坏。
　　△学习外来的、前人的、同辈的艺术经验．都是为了巩固和发展自己的艺术，为我所借鉴，为我所用，为我与他们拉开距离。
　　△近年我在水彩画上如有些进步的话．都是由于研究、学习我国传统绘画的观察、理解和表现方法，使我在水彩画的运用上比过去灵活，但是我的基础首先得益于西方绘画的学习。
　　△每画一张画要有所感受和要求，作画时要全神贯注，重视一气呵成，又能适可而止，否则会画过头，或越画越差。
　　△复杂的对象要特别注意概括．简单的对象要注意变化，初学画时能深入、丰富不容易，但由丰富到概括更不容易。
　　△在绘画艺术表现上不要“捡了芝麻丢了西瓜”要特别重视整体和大的关系，千万不要给局部的东西吸引，“钻进去、出不来”，任何精彩的局部也要在全局、整体中发挥作用，一个画家作画如一个音乐指挥家指挥乐队。
　　△绘画该打什么基础？不同的画派、不同的时期有不同的要求，这不同的要求应“是补充和完善”，不是互相否定、走向绝对、到你成熟时、想强化自我走向绝对才是值得鼓励的。
　　△水彩画一般的技法是“加”的多，而“减”的很少运用，其实“减”也是一种画法，运用“加加”“减减”的画法．层出不穷，可以达到意想不到的丰富效果。
　　△画每张画从开始至结束，不论在色彩、素描、构图、对比、气氛、情调……等方面的整体关系时，都不应该疏忽画面的感觉和色调的协调。
　　△水彩画和其它画种很不同的地方，就是要恰当利用水分的干湿来作画，因为它干了不可改、半干不湿时也不可画、不能自己想画就画、要了解掌握水的脾气，才能画好水彩画。
　　水彩画经验谈
　　△水彩画是造型艺术范围，和其它画种有很多相通的共同性，我要谈它的特殊性比较多，所以很多是技术性和艺术性方面。历史的原因，我学生时期可以说绘画类都学习和实践过，如素描速写、色彩有油画水彩、水粉画、国画、单线平整，年画，宣传画，连环画，插画，版画，钢笔画，学的面宽，我留校任教数十年，由附中，油画系，国画系，教育系，教学需要都以素描，水彩为主，在学习和教学过程我更喜欢水彩画，因为水彩画更能够体现我学的知识和运用，更受到我一辈子的追求。
　　△水彩画和其它画种一样都不能纯为艺术而艺术。都受到社会，人民，民族、政治、道德，美与丑的影响，可以说我是历史的见证人，深有体会，画家本人的思想感情很重要，首先要有正确的，健康的，美好的，向上的心态，才能成为名副其实的灵魂工程师！
　　△美院附中是学院各系的后备生,学的科目多，一九五八年附中教学改革，主要针对过去过份强调长期作业，向苏联美术附中学习，过多强调课堂作业的深入，细致，附中的长期作业过多，人体作业与大学拉不开距离，附中要求面要宽，长期作业，学生水平达不到、会磨洋工，学生的敏锐表现，理解受到影晌。
　　△在课堂中增加中短期作业，加强作业的任务和目的性，如课堂的五官不要求细刻划，主要是理解，本来一个作业十多小时，变成一个作业一个上午完成、而且要多画几个角度的  透视变化，同样在一张四开纸上完成，速度快了，理解增加了！
　　△课堂增加慢写课，速写的同时加深理解，这样对掌握速写和长期作业都有好处。不单素描课中有慢写、水彩的人体课也有这样的安排，即每上午一个人体水彩速写，锻炼学生敏锐，色感好，果断的表现！
　　△五八年的教改，刚好新同学入学、学生下乡结合人民公社化运动，学生进校未上过专业课，到农村半天上课，半天劳动，表面看上专业课少了，但短期作业多了，画速写多，写生结合现实、生活画速写及时进行创作锻炼，画壁画，墙报，创作锻练多了，反映生活多了，与这种锻炼、教学改革有关系，丰富了课堂作业，供学生一开始认识运用专业写生知识表现生活的能力。
　　△深入生活写生、画人物和风景都有共同的好处，一来深入生活，体验生活，对改造思想认识生活，将现实生活变成艺术创作很重要的一环，思想感情一致了才有共同的语言。
　　△生活是很丰富的，不同思想感情感受就不一样，深入的程度也不一样。有了深入生活也不一定有艺术的形象，艺术的形象、色彩，气氛…是要慢慢的体会、研究、感受，艺术是来源于生活，但生活不等于艺术。
　　△水彩画与其它画种各有其特点、有自己的面貌，也就有其各自优越性，水彩过去只画风景、静物、人物等小品，不画主题性创作，往往被认为是雕虫小技，通过这次全国水彩（35周年）可以证明是很大的突破、不单在国内能站住脚，在世界上也有影响。
　　△水彩画与传统中国画很多相通的特点。中国的水彩画要发展，除了继续向优秀的外国色彩画学习，特别是水彩画学习，我国水彩画的历史也只有一百年。但要重视学习我国传统画的精华，这方面我们有几千年的文化，比外国很多优越性、不可忽视。
　　△水彩画教学方面（特别是低年级），是强调特点？强调艺术性呢？还是强调不择手段？这是二种教学方法、效果不一样，两者各有利弊，但应以充实表现对象为主，较有好处，低年级与高年级不同、到有扎实的基础时水彩的特点就会比较好的解决，否则不深厚、沉着、耐看、深不下去，轻浮、单调、提不高。
　　△学习要首先提高自包的认识水平，否则好坏不分，学别人的，别画派也一样，学别人是为了提高和发展自已，立足点要明确，学不是成为别人，这样才没有出息！
　　△现在不少年轻人主张艺术要世界接轨，我认为一接轨你就完蛋，如世界上没有你中国和你个人特点，这种接轨最没出息的！要有分辨的学习，区分糟粕的吸收！
　　△杂交才能发展，近亲繁殖出恶果，学习别人，别国艺术与世界接轨不一回事，照搬等于没有自己特点、优点、学别人是为了自己！更鲜明、更有特色。
　　△初学是强调写生色彩？还是装饰色彩？是主观还是强调客观？艺术作品的色彩关系有多种因素：如强调环境色的写生色彩，强调主观的装饰性色彩，或民间色彩，又如传统的加强，减弱概括对象的国画色彩．但作为教学上，同学们应以那种色彩作为训练的基础？我认为就应以写生色彩为主，其它的色彩关系也应研究和适当的赏试，油画的训练造形与色彩对水彩打基础与提高都是直接有好处的。
　　△水彩画教学的几个要点：
　　1、整体的、色彩的、感觉的观察办法和表现方法。
　　2、水彩画的艺术特性与扎实基础关系很密切。
　　3、方法与步骤的重要性，一十一不一定等于二，为什么？
　　4、水彩与传统国画很多相通，学习传统的重要性。
　　△王肇民说“次要地方认真对付，主要地方廖廖数笔”！他说的刚与我们一般说的相反，他这廖廖数笔即是最精彩最概括，最生动最高明的地方，并不是随随便便的地方，次要的地方也不能马虎要讲究，恰到好处之意！
　　△色彩与素描，可以结合也可以分开，有怎样的素描，就有怎样的色彩，（装饰性，写生性色彩），但在色彩课中当然要以色彩的观察表现为主。
　　△理解与感觉，有正确的感觉才有正确的色彩关系，是我们造塑艺术不可扁废，但可以根据具体情况灵活运用。
　　△整体与局部观察，先整体观察还是先局部，有一般规律也有特殊规律，整体观察是全过程作画，只是着眼点不同（某阶段），整体局部缺一不可，好的局部应对整体是起好的作用，否则是破坏。
　　△“深入与概括表现”，不懂深入到能深入是难，深入之后又到概括更难。深入而不繁琐，概括而不简单。深入与概括是互相依存，互相衬托。
　　△方法步骤：有没有是不同的。规律是要掌握的，到掌握之后要发展，就又要主动破规律，有法则无法来，到高级阶段又要无法，但这时的无法也是为了更高方法。
　　△适可而止，不要画过头，与顺水推舟，要有画意，只要画面效果是整体，符合客观的也可以！可以提高或降低，正如音乐的音调道理。
　　△造型的严格要求与艺术性，风格、总的说是没有矛盾的、但严格不是以相机为标准。
　　△学习时不能避重就轻，但在创作时要扬长避短，以自己的特点表现出来！
　　△水彩的湿画法不可能讲清楚，要作者大胆的“玩水”，及时总结，及时掌握时机很重要，正如游泳你不下水，是学不好的，在游泳中学游泳，同一道理。
　　△教与学要合作，教师的指导作用，与学生的独立思考要配合，但又不能防阻学生的积极性，说只有不会教的老师，没有教不好的学生，即教学的老师也很重要。
　　△长期作业与短期作业有不同的要求，方法步骤也不一样，长期作业长而不腻（深入生动）否则会变成一加一等于0的结果，要一以当十。
　　△记忆，想象、创造、但写生是基础，是根据记忆、想象、创造是艺术的加工，概括，强调、（但它的前题也离不开写生基础）。
　　△创新并不是苦思苦想能得到的，是一生修养，性格，爱好逐步形成，是在前人的基础上，在自己的基础上创新，那种先否定传统的创新是愚蠢的。
　　△要重视静物写生的训练，研究摆设的合理性，艺术效果，色调、黑白灰、构图、形式感、主次，节奏、整体与局部、空间透视，与人物写生也有直接的关系。
　　△各种艺术都有它的法度和规律性，作为一个艺术家，高明是在恰当的运用规律，是夸张、突出或是降低，都是为了统一和协调。
　　△有时主动为了破规律，先有意的乱再洽，整理、正如张大千的晚年作品，对我们一些，老习惯的人来说更有好处。
　　△造型艺术是最讲道理的（规律性）、不能乱来的，如主观想乱是为了提高。有了基础  和规律而主观的乱，乱不是目的，乱是再提高，放开手脚是为了解脱大胆的赏试，便于更好的吸收别的长处。
　　△色彩课以色彩的研究表现为主，不要以素描为主，大胆的“玩”色彩，色调，适当把色调拉开距离，“唱”出不同的调子。
　　△色彩与素描本来是客观统一存在、艺术教学只不过为了突出研究色彩，这时把素描因素放开来，便于色彩的研究。
　　△画花和人体速写的水彩画法。正如中国画的花鸟，书法的练笔作用，整体、色调、水份…等大的关系来研究为主，否则会变成束手无策，结果又辛苦，效果肯定不好。有了花，人体速写的缎练对深入一步画肖像、长期人体作业有好处。
　　△水彩画锻练果断，整体、肯定、准确表现对象。要重视第一篇色否则变灰、能一篇  解决，尽可能一篇解决，第一篇色鲜可以过些，水彩色改灰容易。
　　△纸有各种性能和优越性，画前先作试探性的上清水画、有些可以层层加、透明、有些纸很快吸水，将色水吸入变灰，这时要画过头，色要鲜些，干了就好，也可以先将整张纸用干净水湿，即水已吸了进去，再画时好掌握，否则一笔笔接不起来、花、散、不整体，色也不准。除非你先有整体考虑，在动笔时就一次过解决，这样的画也可以画好，画完就完，最后再整理。即从局部开始画。
　　△“我不相信天才”现在所有成才的人不是天生的。而是自己的努力、爱好，勤奋与环境影响，导师好好的引路人很重要，家庭环境克苦的青年容易出人才，与城市，富裕家庭就大不一样！也不是绝对，关键是本人。
　　△王肇民老师说，“一张画首先是构图好，如构图不好，画完了也不会好，构图是灵魂”这样的观点我非常赞同。
　　△整体的“音乐调子”的表现方法，基本有二种，一种是干的画法，另一种是湿的画法，湿画法就要讲究速度的快慢，要全面来考虑，时机一过就麻烦了，时机好就很顺利，这是湿画法与干画法，区别难度之处，如一掌握了，就发挥它的优越性这种方法画前是理性考虑，到画时又以感性为主了。
　　△一切艺术形式（音乐、美术、舞蹈、戏剧……。）都有共性，一通百通，只不过体现的形式不同，美术中各画种也有共通的。
　　△教学过程允许同学犯错，教师不能代替主观的改动，只能启发认识，才学到真本事  教学相长、教师经常从学生中得到启发和收益，也会使教师头脑清醒。
　　△教师指导学生、应以类型相同作集中指导较省力，又可使同学得到启发，特别是学生多的班适合。
　　△每作业结束时最好及时给同学排队指导，指出优缺点，不能拢统说好或很好。
　　△教学和作画要懂得按步就班，又懂得打乱进行，只要你掌握严格步骤，理解他们之间的作用，根据不同需要进行乱，这种乱是有目的的乱，在水彩中运用效果更好。
　　△课堂在平面画立体作业，同时也可以用泥塑来塑造人体的立体，来加强同学对立体的体会，认识立体的面面观和重心的作用。
　　△在风景写生开始时教师如何贯彻取景构图时，先集中画一个方向，取景，构图可以按自己感受画，也便于教师在集体统一的要求指导。
　　△在生活中锻炼你的艺术形象敏感，及时发现很有意义的情趣，能这样，可以使作者在平凡的l唧面及时发现意想不到的画面，所以写生与照相不同，写生过程有很大的空间余地给你作者去加工做文章的地方，又可以移山填海，可以增减，取舍。
　　△写生过程，（风景）有一般的先后，也有特殊的先后，要看情况。想画的地方如变化比较大，快。就先画。如阳光照射，或人物，动物等突闯入画面，起到很好的作用，就要及时画如因特殊情况不能画时。也要留有地方待再画。
　　△我每天经过一遍椰林房子过，没激情，但有一次突然一群鸽子被我惊动飞起来。马上生动起来。想画但椰林是深色，鸽子是白色。如何画？白色留白就会生硬，飞不起来，如何画？这时又要新画法。要平放画面，先画深色的背景色。再画前面的浅色（冲色法）有一次面对海南岛的野菊花如何画？又要画面平放，先画深色底，再在上面冲水滴，冲出菊花形，写生时会根据客观来考虑画的方法技巧。
　　△“黄山樱花”我是重点突出黄山上我感受到的樱花群。自己选择夸张，重组。突出樱花的特点恰当的加上黄山特色画成。
　　△“山村霞光”我在天刚亮时出门去画人阳与山村的气氛。这时一切都新鲜。平时都是平光，但这时太阳照在水气从江面升起来时，阳光与升起的云雾很精彩。我首先抢画这精彩的天空，远山和这些精彩易变的云彩，过后再画下面江面和两边的山村，江面深重与天空阳光对比很恰当，画完即成。很有特色的的气氛景色。
　　△“晨风”我住在招待所，从后面看海南夜景很有特色。很想画。但前面只是简单的水田线条、引不起我的兴趣、到第二天早上起来在窗前看到海南早上椰子树被海风吹，在摇摆，被灯光照着亮的树影，马路上的人车都在忙着上班，上市，一片境色加上昨天的夜色结合起来。第二天画即成一幅画面。
　　△“寄生兰”是我在海南岛原始森林中看到好看不好画的画面。回来广州才把当时的记忆画出来。由于我这时集中概括，把精彩的表现出来。
　　△“瀑雨森林”一次我们从海南岛乐东县城步行穿过原始森林，由于路远。很少汉人来往，我们与带路的懂少数民族方言的兄弟，挑着行装画具走一段停下来住存少数民族家里。一方面休息和画画，第二天又向前走。走了很长的森林小路，突然下大雨。原来只是小溪的水流，这时变成水涨齐胸，水急流，如走回头又远，向前走要冒险，结果带路的兄弟用竹捍先行。我们三个老师，大家手挽手及撑竹杆顶住急流每人一手把怕湿的衣服，画具放在头顶上，一串四个人顶着急流探索着过河。由于我们一串都有竹捍撑，否则脚不到地被水冲走，这种场面一直在我的脑里。如画要化很大的工程，未能画。后来画了二张“瀑雨森林”。
　　△我曾试在写生时结合创作，想保持写生时生动现实感。又兼有主题的组合画面，在风景写生时多有体会如：“晨风…‘闯海…‘海风”……。在工厂写牛时就更复杂，我先在现场作观察，如何表现？人物的主次位置场面与人物在画现如何安排？再作先后的画，结果都成功！如：“炉前工”“同心协力…‘钢城列车”……。这样我在写生时结合创作，使我在写生不是纯写生，而有一定主题的写生创作，对我在写生方面又有新的表现和提高。
　　△我画“鱼”系列有二十多年历史，我喜爱养鱼，使家里增加一些生气。而且我喜爱自由、和谐、想画鱼有不少难度，它不停的动，不便写生，刚好我喜欢传统国面，画前光观察研究，如何先后画只不过我不是国画的方法、而是西画水彩画的色彩和干湿画法，到画时不再看鱼了，只不过为了填充、画前先画色彩小稿，想画鱼的多样性，多次到海洋公园体会研究，我更喜爱画观赏鱼，它色彩造型多样，吸引我兴趣不减。
　　△风景写生方法很多，但每阶段都有不同的要求，如初学阶段，画色彩风景主张画小幅的。以掌握整体人的色块和色调为主。不主张画面过大的。以十六开或更小些为好，不要求细微刻划。以迅速抓着画面大的色彩关系更好。特别在短时间内画天气变化大的更好。以概括调子为主，多画多练更有好处。
　　△另一种保险的办法即在打好稿之后以深（暖）把对象的深色肯定下来。待干后以统一大的色调迅速概括表现，色彩可以既调子又有变化的表现。这样不至走形。这种方法保险，又可以保特色和生动感觉。不至死构。
　　△线面结合的素描（非申、门采尔素描）即以重形体结构，将形体的边线加强突出来表现，更适合国画专业的表现对象方法，登格尔的素描强调线与形体调子的结合表现比较柔和，如国画的工笔素捕。
　　△如果以线表现形体除了结合形体结构表现、要注意线条的疏密和线条的虚实，或简与繁的办法，否则会犯平均对待的毛病。
　　△记忆复杂或群体时，不能记忆个别或复杂的形体，这时要以最简的甚至用直线画外形或组合的外形。如还有时问在这基础上稍加形体区别即可。
　　△艺术的进步要吸收学习围内外的传统和现在大帅的经验，包括同辈学生的。吸收别人的长处。是最聪明的。进步除了是个人的努力钻研之外，很多时候足在前人的肩上向上，个人的风格特色是你的爱好、性格、基础……等不同逐步形成的。不是天掉下来的，或我异想天开的，是一辈子造成的。
　　△写生色彩，民间色彩，装饰色彩各有不同的特色各有长处，但我认为写生色彩是基础，每个画家必具备的。否则艺术的色彩提不高。写生色彩是以客观感觉结合锻炼，从客观观察。表现与感觉结合。并不是主观在先。经一定锻炼形成的感受变成主观的的足以客观为先的。有了这种认识形成的主观它是有根据的，不是主观为先的。
　　如果经过客观写生感觉表现的锻炼、形成自己有一定的感受而自己强调一定的色调来表现，这是容许的，即如音乐的c调。F调同样道理，色彩的强弱在各调了中变化，很协调，也很有变化的道理。
　　△一些初学色彩者色彩杂乱无章，就是不整体、没有调子，如果画面的色彩灰暗，没生气，则要求色彩适当拉开距离。使一些色彩强些，只要恰当就会有生气。
　　如果在水彩画而上出现问题。可以在画面色没十时将某一色提高，或拉丌色的距离，可以达到好的效果，但不能大改。如果画面已干了可以套色（透明）的办法。要想到底色如何？套色要强些、倾向更明确些、可以部分套色，也可以大部份套色。但一定要干净。不能来同的改。即运用透明画法来处理。
　　△画水彩只重视层层加逐步变深的办法，很少运用减法，或加减同时并用法，  如能运用则水彩变活了，自如了，但要掌握什么时候加，什么时候减，而要看画而水份情况，过早就会化了，过迟就减不了，如果是趁画面底色未干，再加色彩恰当会起到沉着的变化，总之要利用水份的干湿来作画。会比单纯的加法更灵活。效果更生动。
　　△我体会在南方，潮湿空气更适合干湿的加减画法，水份干湿变化慢，运用和思考时间会周全。如想某部份快干可以运用吹风筒。（潮湿空气时或关窗也可以）
　　△现在年青人爱突破要发展是对的。但如果为了避开水彩纸干湿的难度，采取打底，加白粉，或丙稀自来改变纸的吸水性能。可以在画水彩时便于涂改、避开水彩纸的难度，也可以说是发展、我不反刘，但我不想运用。王肇民老师是想打底使纸不变色的赏试。也适合他不断深入，加强素描效果。深刻的效果，适合他用。我虽很尊重他，很欣赏他的为人作画风格。他很多修养很值得我学习，但打底我不适合，甭则没我的特点。我就是更注重水彩的特性。更要错到底，拉开距离，使水彩特色有别的画种达不到的效果。
　　△水彩画的发展与过去强调写牛到牛活中去。要求轻便、干得快较迅速收到效果是水彩过去能发展的客观原因。现在一些年青人把在画室的作画方法运用到室外写生就本末倒置了、不单不能快。而且很麻烦，达不到生活中写生的目的。这种复杂加工画法只可在家，画室来“作画”展览用我赞成。水彩画工作在野外作画越简单、越快越好。它比油画、水粉更快，画简单、一画完即可收拾，所以过去传统中西方都把水彩作为最快、最简单的方法来运用是有道理的。
　　△不论采取什么材料来画水彩都有各自的好处我赞成、能发挥更好有所突破、很值得庆贺、但我坚信能发挥水彩工具的特性就更好。能迅速及时表现生活情景会更好，特别是写生课更合适。
　　△水彩过去有过高潮、更适合社会普及、中小学学习，考美术学院都多数以水彩作工具、现在基本都是变成水粉了。认为不好掌握。这足一些误导，与我们一些在美术院校的老师主张有关系。这不是进步是退步。
　　△画之前先要考虑有一个总的调子，整体的效果，这种要求很重要。安排画面色彩时就不是细部的、这种画法在油画合适。水彩更合适。问题是如何方法，如画面大的关系便在色彩水份合适时先注意。只是要留给后来细部深入时的余地。或待水份干到合适时，细部在大的关系（包括调子）待画面干到合理时再细部刻划，但在整体、大的关系处理之前，先有些定型的位置。待它们干后再在上面画整体关系，调子关系，这样有了制约、不致出轨。
　　△画画正如弹钏琴一样。有先后义能互相照应、先后缓急，心巾有数又可以随机应变。
　　△“整体着眼，局部画完”这种方法好处是牛动。但往往平均对待、吃力不讨好。这种方法特别后期要懂得“艺术结束”懂得大胆舍弃。见好的就收。
　　△整体考虑色彩素描关系、放胆处理画而效果，都要在水份合适时进行加减处理局部细部的，在于到适合时来刻划，这样可以保持人气和运动感而又不失精彩的处理。能这样考虑和处理要有基础，有一定的表现力才能这样画。否则会乱来。
　　△每张画完之后要进行一定冷处理，即过一段时间再把此画展示，第一感觉如何？有什么优缺点？这时可以利用画而已干了，你又冷静考虑，能否深入艺术处理，要不要整体的洗擦，又一气画完。只有感觉更好！
　　△“大画笔，画小画”，我晚年决定要多画多练放开求变求好、来克服眼力手不准的影响。我想再增大压力。除大画笔画小画用时间短画人体画（六小时一张）争取运用整体、调子的、音乐合奏的效果、尽可能艺术的结束！
　　△水彩画艺术的提高，首先要有正确的认识，它的能量很人，不亚于其它画种，但过去往往把水彩只作其它画种辅助工具，能较快的记录素材工具简便，学画容易，普及。而没有看到它有很高的艺术发展空间，可作为艺术很高的作品。
　　△水彩画也有其它画种融纳中西方艺术共通优点，素描是是一切造型艺术的基础，大家都可以共识，但油画是水彩的基础，国画、装饰画、版画、雕塑……都可以是水彩的基础，就不是共识了！有这种认识与否就不一样了。
　　△画家画到后来主要是画修养、画境界、画胸怀，但不等于绘画的造型基础不重要。
　　△画家要善于把各种知识、修养、艺术的各种手段、技巧，根据不同的需要、融会贯通的运用，愈运用得好，艺术性愈高。
　　△姊妹艺术之间虽各有其特性，但也有其共性、如音乐与美术和音调、色调关系、戏剧舞台的概括集中与美术也是相通的、又如节奏、韵律、强弱、抒情、激昂……等。
　　△各种流派的形式、风格、都可以学习和研究，但学习不是变成“别人”，而是变成更充实、更富于特点、个性的“自己”。
　　△艺术上要有所发展和突破，就是善于学习和敢于肯定自己。
　　△“一以当十”要艺术是高要求、概括、简练是建立在丰富、充实、扎实的基础上，否则就是简单化、概念化。
　　△艺术门类虽多，但都有各自的规律，学习过程就要研究掌握各自的规律、一通百通，把艺术况成不可捉摸是不对的。
　　△一个艺术家可以有片面性，但一个好的老师在教学上不能片面，要有开阔的胸怀，对各家各派都应有研究，要能引导学生较正确地、一分为二地看待各种风格流。
　　△为了集中研究和更好的理解对象，绘画重视形体结构是对的，但不能排斥在基础课中对光、色、明暗和感觉的研究。
　　△学画要强调循序渐进，但到你掌握规律之后，也可以不按顺序，甚至把顺序倒过来画也可以画好画。
　　△色彩与形体结构在客观事物中是统一的，但当我们在掌握运用表现客观对象往往是矛盾的经常因注意形时忘了色彩感觉，而注意色彩时形体又能会疏忽。
　　△通过写生进行锻炼观察、研究、理解、感受和表现方法，否则连接装饰、变形、抽象等艺术形式也会离谱，提不高，但只重视写生的能力训练忽视记忆、想象、速写和创作的训练也是不全面的。
　　△我们主张客观、生活是第一性，但也鼓励在客观面前各有自己的感受、理解和爱好，绘画语言是丰富多彩的纯客观是不足取的。
　　△造型艺术创作有没有规律？有，如：形式风格的协调、构思构图的变化、色彩的冷暖、黑白灰、虚实、比例、形体结构、质感、气氛、动与静、疏与密……等。
　　△艺术作品的人民性和“自我”表现，不应是矛盾的，应是矛盾的统一，是互为依存的，缺一不可。雅俗共赏是比较好的统一。
　　△一个艺术家的成就和创新，都离不丌古今、中外前辈和同辈抚育和启发借鉴的作用，也只有研究学习他们才能青出于蓝，作品不能以新就是好，应该新旧都有好坏。
　　△学习外来的、前人的、同辈的艺术经验，都是为了巩固和发展自己的艺术，为我所借鉴，为我所用，为我与他们拉开距离。
　　△近年我在水彩画上如有些进步的话，都是由于研究、学习我国传统绘画的观察、理解和表现方法，使我在水彩画的运用上比过去灵活，但是我的基础首先得益于西方绘画的学习。
　　△每画一张画要有所感受和要求，作画时要全神贯注，重视一气呵成，又能适可而止，否则会画过头，或越画越差。
　　△复杂的对象要特别注意概括。简单的对象要注意变化，初学画时能深入，丰富不容易，但山丰富到概括更不容易。
　　△在绘画艺术表现上不要“捡了芝麻丢了西瓜”要特别重视整体和大的关系，千万不要给局部的东西吸引，“钻进去，出不来，”任何精彩的局部也要在全局，整体中发挥作用，一个画家作画如一个音乐指挥家指挥乐队。
　　△绘画该打什么基础？不同的画派，不同的时期有不同的要求，这不同的要求应“是补充和完善，”不是互相否定、走向绝对、到你成熟时、想强化自我走向绝对才是值得鼓励的。
　　△水彩画一般的技法是“加”的多，而“减”的很少运用，其实“减”也是一种画法。
　　“三句不离本行”
　　随着改革开放、艺术思想的宽松，美术界都比过去重视艺术作品的个性、风格和时代感的追求，这是难得的好现象。在广东，在全国美术作品的艺术水平，’比过去有很大的提高，这个主流大家会有一致的共识，同时经济浪潮冲击下作品的商品意识增加，巨作和深刻的作品少，也是客观现实，艺术作品要考虑出路，也是很实际的问题。
　　但对有些所谓“前卫派”的作品，大家看法就不一致，群众看不懂，专家也看不懂，像神经病人在作画可能作者也说不清要表达什么？当然不是说能看瞳才是好作品，好的作品起码有某方面应有突出的表现。如：题材、内容、思想意识、形式风格、色彩、造型，情调好的，表现在环境中起装饰作用的，画种的材料功能和技巧的发挥等等……。如果只是玩个新花样，这不太容易了吗？什么人随时都可以成为画  家，还要进美术学院有什么意义呢？
　　画家和美术教师对待现代美术现象有很多共同之处，但画家从艺术的角度要求多些，可以强调片面性，或偏爱某种风格、画派，甚至越偏风格就越突出，因为他们一般都有了扎实的基础和广博的知识，我们不能疏忽他们有这个前提，他们的成就不是空中丢下来的！而作为美术教师很多情况下要从教学的角度来看待问题。如何更好的培养人才？不致误人子弟？特别对一些没有什么基础的年青人，就更不主张他们太“前卫”。
　　如何培养人才？不同经历，不同思想意识、感情，不同的文化基础，就有不同的看法和做法，这是不可避免的，也无可非议的。作为艺术家、画家看法不一致影响面又宽，但作为理论家，培养人才的美术学院教师，错误的引导就会误人子弟，影响一大片，我认为进美术学院，主要任务是学习和研究、分析各家各派的共同基础，搏得广博的知识和实践，学院四年学习在一生中时间是很短，很宝贵的，学生不应过早急于自己有个性和风格，正如小蕃茄就红了，将来不成大气，青年时代一定要重视全面提高自己的思想意识、文化修养，全面的学习和研究古今中外各家各派的经验，知识越渊博越深厚，将来成就越大，越有后劲，如吃四个馒头才饱，就不能主张只吃第四个馒头就要以了！
　　我不赞成片面强调艺术风格的个性、主观性、现代性和新，作为艺术作品的评价唯一标准，因为它还有个重要的前提，客观是第一性的，我们的客观是中华民族和它的人民，和社会改革开放的现实，不能离开这个前提，浪漫主义也应有现实的根据。中外优良文化传统是现代艺术的根基，强调现代就反对传统是很愚蠢的，学习研究传统才能超越，才能发展，也不能笼统的划分新与旧，因为新、旧都有好坏，我坚信高尚的文化艺术，能深刻反映现实的，民族性越强的，越有世界性，应是我国今后艺术的主流。
　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　1993年9月

作者：胡钜湛