下个月，我将举办第八个个展，前一次是2015年1月在台湾台南举办。这次展出的是自台南个展后三年多时间创作的新作品，呈现出来的应该是一个全新的面貌。

　　前些日子一直泡在工作室里为这次个展整理作品，修改与完善这些画。在工作室待得时间长了，会有一种奇特的体验，仿佛置于另一个时空，出门见到外面的人或街景会有一种穿越感。木心说：“生命就是每时每刻不知道如何是好”，我倒是觉得在画室里每时每刻都是好，哪怕是坐着发呆也没有不知所措。好些艺术家说，工作室是逃避现实的场所，我不认可这种说法。工作室是艺术家构建心灵与艺术谱系的场域，艺术家在工作室的活动是思想形成与作品生长生成的主要过程。这才是艺术家的现实，哪来的逃避？

　　作为艺术实践者来说，要把自己的作品说清楚，实在是一件非常困难的事情，能稍微说清楚的只能是创作的方法与路径，心迹与心象，说不清楚的那部分只能是读者由着自己去体验了，希望能够读懂并喜欢我的这些新作品。

　　自台湾个展后自己有意识的在做一些改变，放弃过往的经验重起炉灶。并不着急，就是顺着画下去，让它自然的生发自然的成长，好比岁月静好日子慢慢的过。先做减法，去掉了画面的显性结构，减去过多的块面线条、色彩肌理及厚薄干湿这些视觉上的偶发性变化。再做加法，单纯的使用画笔，用线性书写的方法，满幅铺陈，不断反复着一个行动，像是修禅的状态。从《弥》系列到《璟》、《腾》等作品，面貌与状态整体的立了起来，想要的东西也呈现了出来，突然有了开豁的景象。

　　大部分作品中有云、花、植物、山海等元素，但并不具体描述，也并不发展这些景象在其处在空间中的精准形状。只是运用这些元素作为绘画艺术探究的行动路径，简单的说只是把这些元素作为养料。这些并不重要，重要的有两个方面：一是线性笔触（即使是宽大的线或成为面但还是以线性的运动来展现）带有中国绘画的书写性笔调与章法，缠织、穿插、交汇、相融、重叠，无边的延绵开去，这是自己的心迹心象及生命之息的表达方法；二是在对形的解构后的二维平面形态，或者说在这些自然物质表象与局部零碎表情的后面，更重要的是在叙述那个巨大而深厚的象，乃谓“大音希声，大象无形”。这是使自己的作品走向高尚性与哲学性成为可能的重要路径。

　　这里涉及到中国思想世界中的种种形与象之辩，是个大命题。尽管“息”与“象”看不见摸不着，是主观感觉，但我还是触摸到了。我几次在特定的时空里感受过大自然的浩宇之象，或是在工作室创作过程中感悟到了生命之息，成了连接着形与象之间的那个人。我似乎是在拿艺术东方学来说事，但这并不玄乎，确是珍贵而稀奇的。

　　三年多时间，作品有一个萌生与变化成长的过程。《格桑梅朵》、《镜花水月》、《洛神新赋》这几件作品是今年创作的作品，突然豁然与明朗起来，是之前作品生发出的另一个面貌，但还是属于一个整体。混合色彩带转圈的笔触运行，符号感显得很强，画面也有留白有主体，形象也凸显，有画面的图像性特征。看似花却并不算花，看似云却并不算云，花非花，云非云。这个系列的作品还只是刚刚开了个头，把它说清楚似乎还早了点，就待以后再说吧。

　　顺着前两次的个展主题“云水无间”与“山海印心”的脉络，我的第八个个展的主题定为“无边光景”。这是出自朱熹《春日》中的“胜日寻芳泗水滨，无边光景一时新，等闲识得东风面，万紫千红总是春。”中的一句。其实此诗并非纪游写实，而是借以喻道。是一旦闻道即满目皆春之意。

　　有人说，作品是生长出来的，我非常赞同这个说法。艺术是生长在无边光景之中，艺术闻道无穷无尽。在无边的景致中蕴藏着无穷的心象，在无边的空谷中闪耀着无尽的心光。

　　浩宇无极，艺术无边。

　　是为自序

​2018.10 杭州

作者：叶国丰