2019年6月20日，“任惠个展”在JM Art 加美艺术空间开幕，此次展览是去年在德滋画廊展后的新作展。任惠作品早期的绘画从意象山水，之后呈现出女红和作品之间的关系。逐渐的引向了她的个人生活。作为女性对生活的感受，对生命的体验，都是任惠个人化语言重要的来源。生命的体验在此次展览中越来越明确的呈现出一种“仪式感”。就像《存在系列4》的“十字交叉”、向上的“竖线”，如同天主教堂、高山一样向上的指向，它并非向下的，沉沦的。包括横向的线条和纵向的线条之间的“交叉”，以及《存在系列5》中红线的翻滚、流淌的多种语言方式。在她作品中自然呈现的女性色彩，是一种潜移默化的存在状态，而不是刻意为之。

　　任惠个人化创作语言的行成离不开她对生活的直接体验。“那些布全是我妈妈给我的，以前老家用白布做面袋，她把布袋洗干净让我用，那时候老人会用这些布包衣服，做垫子之类的，这些都是那个时代我们共同的记忆，创作的时候我也是用这批布做的。有一批作品是我妈生病期间创作的，当时她病的特别严重，随时有生命危险。我在家照顾她的时候，内心很焦虑，就到工作室用创作来释放。我的精神状态，也随着母亲的精神状态和病情变化，整个过程会就体现在我的画面当中，《无题》系列就是那个时期创作的。画面上的色彩也是情绪的显现，布撕下来再拼贴到画面上，会抚平自己的心情。”在时下含混、浮躁最求形式的刺激、新鲜的大环境之下，任惠作品的沉稳、向内探寻的状态，与之产生了一个鲜明的对比，正是纯粹艺术家状态的显现。展览据有的启示意义是——作品真正的力量在于她的精神性和她对个人化的生命体验的明确指向和充分表达。

　　任惠每天送儿子上学之后，来到工作室泡一杯茶，心定了，开始思考这一天的创作。她的作品也像日复一日的生活一样，在平淡中显露醇厚的温度。任惠作品的起始来自打小就熟悉的女红刺绣和缝纫手工。在中央美术学院材料工作室的学习，塔皮埃斯的综合材料绘画对她日后的创作影响很大。她开始利用自己过去刺绣的手工与旧布头结合进行综合媒介的实验。她所用的材料都是老母亲给她的碎花布头、白布和家人多年邮寄包裹的包裹皮，白布是她母亲多年积攒的装白面的面袋，碎花布头也是母亲为她们小时候缝制衣服所留。她用这些有时间痕迹的布，通过拼贴和缝制形成她迥异于其他人的语言风格。她的作品承载着记忆中的时光和过去的劳作。

　　她的作品脱胎于综合材料的实验，意象和具象图像的表现。早期作品与具体的“形”有关，近期越来越明确、越来越清晰的呈现出内在的“精神性”。她的作品中材料的使用是很独特的。这些材料是母亲、妹妹、家人用过的旧衣服、邮包皮，显然是有时间、情感等等象征含义的。但她并没有刻意的在作品中用直白的语言去表现。而在她对参差不齐的布边、线头等的敏锐处理中，如何把握每一块布的颜色“差异”中，呈现出时间的沉淀，和情感的丰富性。

　　任惠的早期作品经历了三个阶段：《红袖》、《无题》、《缝》。《红袖》取自传统文化风俗，古人在袖子上会绣一些纹样和图案，基本她做的绣品也都是红色的，她把“绣”字谐音成袖子的“袖”。最初，她的那些绣品更像工艺品，开始在材料工作学习之后，她就思考如何利用它们。首先，就是直接破坏掉，再在60×60的画框上重新拼贴组合上色，呈现出来，这是第一张经过转化呈现出来作品，当时就起名《红袖》。那些旧的布条很斑驳，与绣品之间形成很有意思的关系，任惠开始了第二张、第三张的《红袖》系列。因为她之前做了很多的绣品，所以就充分的利用这些以前的资源创作这一阶段的作品。这一阶段是自然的与手工技巧结合的阶段。

　　第二阶段，任惠已经从中央美术学院材料工作室毕业了。当时老师给她列了一大列了解西方现当代艺术史的书单，《无题》系列应该是那个时候以后创作。这个阶段的创作开始是从画草图开始的，那时候开始对中国传统山水开始感兴趣，想在自己的创作中融入对山水的思考。

　　澳大利亚莫纳什大学雕塑和概念实践教授兼尼禄比克艺术收藏馆策展人托尼-特伦巴斯(Tony Trembath)在《阴极元素——国际女性艺术家联展》上第一次看到任惠的作品时，首先关注到作品中个人化的“刺绣”，进而被隐藏在综合材料丰富质感下的“意象山水”所吸引。

嘉宾合影

　　任惠以极其单纯的方式和材料对话，就像毛笔与纸之间的“关系”，在材料极其有限的情况下去逼迫出“向内/向里/向精神性”去扩延的一种创作状态。这是任惠极其个人化的，不同于其他抽象的，或者是具象的，或者是表现性绘画的形式和方法，当任惠个人的情感达到和作品的材质、语言等相融合的时候，才会呈现出人们所见到的这样一种状态。此次，雅昌艺术网与任惠就新作品，展开对话。

　　Q&A

　　Q：雅昌艺术网 裴刚

　　A：艺术家 任惠

　　物质和精神的较量

　　Q：此次展览距离上次展览已经一年时间，创作有那些新的想法和延续?

　　A：这个绘画语言，现在已经探索的越来越成熟了，运用起来也很得心应手。在表达内容上，过去是思考通过时间洗礼的旧布来表达生命个体的生存状态，现在继续过去的命题，也是一种延续吧，就是这种生命状态的存在其实是物质和精神的较量，思考物质与精神它们之间的关系或者是人与自然、人的精神状态，让它怎么以视觉的形式呈现出来。至于有一些黑色线条的作品，以前也用过，但是不多，最近用的比较多一些。我以后也会尝试用别的颜色，最开始一直用红色，红色包含的意义更多更广，而且这么多年红色用的比较顺手，也比较舒服，就直接去用它了;黑色和其他任何颜色更容易配合，用它处理画面的时候更协调一些，更柔和一些，它不是像别的颜色、蓝色、黄色那么跳跃。

　　Q：之前与生命状态有关的创作进入一个新的阶段，画面更倾向抽象性，逐渐作品越来越深入，理性的表达是否越来越深入?

　　A：是，在抽象来说，一直是在平衡内容和形式这种关系，是注重内容还是注重形式?我还是倾向于内容大于形式。内容上我觉得比以前的那种思考更条理了一些，不像以前感觉性或者是直觉性这种冲动比较大，现在估计思考的更清晰更理性。形式是视觉形式，观者接触的第一印象是视觉呈现出来的最后形式，但是背后的内容更重要，还是更倾向于表现自己的精神和灵魂方面的东西，希望观者通过直白的视觉形式体会到形式背后的内容。

《存在系列3》150x200cm  布面丙烯 2018

　　思考生命个体的存在状态

　　Q：从精神表达的内容而言，最近一年有什么样的一个想法。

　　A：我还是一直在做关于个体生命的这种主题。比如说是生命的重生，以前的作品《存在与时间》系列，一直在思考这种、表达这种生命的重生。现在继续在思考个体生命的永恒存在，精神与物质的关系，思考生命个体的存在状态。

　　Q：此次展览作品的点线面越来越简化，似乎有一种你所讲类似于纪念碑一样的一种永恒感或者是仪式感，你是怎么去把握这种状态的?比如在构成一个画面的时候，怎么去考虑色彩或每线的构成。

　　A：这还是靠自己的个人审美体验，还有对构图的把握，我没有特别地去思考这个问题，很自然地把平面上点线面之间的关系给予解决，有时候也无法把感性和理性分得那么清。

　　抽象绘画的创作方法

　　Q：在你的作品里边仍然有一些像心电图一样的一些重复出现的线，但不同时期是否有不同的含义?

　　A：是，我的作品当中有很多这种线，在视觉的呈现上会有很多细节的变化。像这幅作品，在处理这条线的时候，我就把它处理的若隐若现，又有一种参差不齐，有一点脉搏跳动的那种感觉。但是好多人看见会联想到空旷的草原、大海之类的。其实我还是在表现这种生命状态的活跃，线条起伏和我们的脉搏跳动似的。

《际 2》40x40cm 布面丙烯 2018

　　Q：你每天的工作状态怎么样，现在更从容了是吗?

　　A：对，因为不像以前特别着急的，去了工作室就迫使自己赶紧进入工作状态，一天恨不得在画面上来回几次折腾，现在一进到工作室先去审视这个画面，有时候一天都不会动一下就在那儿一直在注视着这个画面看哪些需要改动或者是保留，一定要让这个画面有地方触动你，需要改的地方，第二天或者是第三天，或者是几天以后再进行下一步，最后直接到这个画面，就是它那种视觉形式对自己有所感动，然后才会去收手。有的时候会到一个月以后或更久，觉得应该这儿再填一笔或者是怎么样会更好一些，我觉得好像总有不满意的地方，没有特别完美的时候。

　　Q：在抽象绘画里对边框的处理是非常重要的。因为作品与空间和墙面会发生关系，是非常重要的。作品在你的画室里边的时候是一种状态，进入展示空间是新的状态，你怎么去看这个问题?

　　A：所有的大画我基本都没有上过框，因为我觉得一上框就把画面的延伸感就给切断了，我有时在画画的时候也在想它装框后是什么样子的。基本上大画到目前为止都没有找到合适的外框，所以在展示的时候就很注重它和墙面之间的这种关系，就像这次的展示空间就和我的画很和谐很舒服。还有就是这些小的外框都是我专门定制并且回来后自己刷的颜色，我觉得这样更能很好的把控画与外框颜色的这种关系。

　　Q：作品《存在与时间9-2》是如何处理这样的关系?

　　A：这个作品是去年冬天画的，当时在思考一个关于界限的问题，也是在你刚才提过的去年作品《际》系列之后尝试的，当时我就想尝试在正中间缝的这种形式，我想让红色当中有一道白，白色我是用线缝的，结果在我上红颜色的时候，把中间的白线都染红了。最后就出来这样的，因为自然形成的空间效果，自动染成红色和线条在光照下形成的阴影，构成的这种空间关系，我觉得效果和想象当中的白色完全不一样。

　　Q：实际上每一张画一整块颜色，有的是你刻意的在把握色调，包括厚薄，有的是平涂的，包括《际15》 ，怎么去判断，哪些是要留下笔触或平涂?

　　A：根据需要吧，比如这幅红色的画，我觉得它中间已经有一个缝了，没有必要再在两边出现一些变化去影响整个画面，因为在这个画中我还是希望视线被引到中间那条缝，所以不会在左右两边红色中做特别的处理来影响中间这条线。

　　Q：《际15》 更注重的是形式感，好像这些作品和平有象征性的东西。

　　A：像这件作品就是视觉上首先是左边这条线，右边上方的色彩细节，视线从左到右，从时间上的流动体验空间的变化。

　　Q：产生一种变化，破坏一下这种节奏，所以你的作品里边的象征性，包括形式感在这一次展览的作品里更明确了吗?

　　A：对。

　　Q：之前可能是跟生活，跟情感更密切一些，这几年逐渐的向形式，包括语言。

　　A：因为现在思考的更成熟一些了，原来不知道个体生命具体需要些什么，其实创作中用的这些旧布，它们也是一种隐喻，隐喻人的生老病死这种生命状态，通过《存在与时间》系列让我明白，生命个体可以和破碎的旧布以及这些逐渐逝去的技艺一样都是可以再生和重生的。所以借物喻人的这种思考更清晰了，表现到画面上会更条理一些。

　　德国个展即将成行

　　Q：今年除了这个展览之外还有哪个展览在准备?

　　A：去年在中央美术学院得了一个学院造型奖，学校给安排了一个个展，正在准备中。还有是德国的一个展览，具体时间还没有通知我，但是我也在准备当中，画廊老板挺喜欢我的作品，去年冬天来我工作室，因为我以前给他发过图片，也没有说什么，但是她那天来了我的工作室特别兴奋，她说没想到这么好，从图片上一点都看不出来，她说作品还要看实物，看细节，当时她就指着这个那个……问能不能拿到德国去。

　　Q：他有没有谈他为什么喜欢这件作品?

　　A：她说没有见过这种形式，她就觉得很惊奇，很震撼。

　　Q：从形式上吸引了对方。

　　A：对，因为她是一个老外，而且我们也好久没联系，我也没有给她详细地叙说我的任何创作动机和创作方法，只是发给过她一些作品图片，她也是第一次真实的看到作品。

　　Q：直接让她产生共鸣了。谢谢!

　　结语

　　任惠近期的新作品依然保留已经遗失的记忆和时间印记，体验着其中人性的温度。但又悄然的推进、演化着新的语言形式，行成独立的抽象语汇。

作者：裴刚