9月的北京细雨绵绵，穿过市区外河边的林荫路，大片的绿草坪和白房子似乎蒙上了一层柔和的滤镜，松美术馆便坐落于此。

“它补充了城市的文化形态，像是一个城乡交界处的小‘乌托邦’。”策展人欧阳昆仑说道，当观者过滤掉城市内大量的复杂信息，来到一个相对单纯的环境中，这种空间的转换也伴随着与现实的强反差。“一次一次地与外界剥离，可能最后观者会意识到自己的真实的进入到了一个展览中间，而不只是进入了白盒子中的某一个。”

9月24日，松美术馆新展“丰盛即美”的开幕当天，策展人欧阳昆仑这样说到。作为一名以空间设计师出身的策展人，他对空间的考量在展览中无处不在。

展厅内鲜明的红黄蓝三色铺满整个空间，由不同颜色区分开作品的展示空间，形成巧妙的对应关系。几个独立的空间内，大面积单色的运用让视觉效果更为强烈，如果细心留意，每个展厅交界的门框处，颜色从中轴线的位置切割，也为观者提供了一种观看的视觉索引。

展览由1层“丰盛单元”和B1层“特别单元”两部分构成，约一百件艺术作品、七十余件生活用品构成。值得一提的是，展览涵盖艺术大师克里斯托夫妇、罗伊·利希滕斯坦的特别作品，还首次与阿里云人工智能实验室、阿里云设计中心合作呈现了AR增强现实作品。

如何呈现数量庞杂，形态、质感、意图各异的物件？毫无疑问，展览可以通过多条线索共同拓展，包括艺术空间本身，艺术作品的材料物质性、视觉性，生活艺术品的工艺和时代……

面对如此多的线索，策展人给出了两个提示：第一，这是非艺术展，非生活展，非艺术介入生活或生活融入艺术的展览。这是一个无差别的展览，没有艺术品和生活用品之分，都是人造物。也是一个去中心的展览，物无主次，在几个隐含关系中融合，均质。空间排布顺应美术馆原格局，无疏密节奏，无造景无高潮。但有意识的令其时时处于复杂性、随机性和不可控、不可预知的连续性中。

第二，这是致敬风格派的展览。展览中有一件在艺术史、设计史中都非常有意义的作品：“红蓝椅”。由风格派设计师里特维尔德1917年设计，在风格派“新造型主义”原则确立后，1923年最终定型。百年来，风格派、新造型主义持续作用于艺术和设计，也影响至“丰盛即美”。

在物均质的前提下，展览空间亦均质：一层展厅平面作等大均分的“正交”网格；“矩形”格中分别填充“红黄蓝三原色”，形成无差别的三维新造型主义空间盒。

展厅不再是中性的，墙面、地面不再消隐或仅仅成为界面；它们是人造物的呈托面，被物化，是精确加工后的人造物。当空间真实地介入展览，它就成为和所有人造物发生关系的最大存在。但它的连续性，三原色的无差别亦无规律也消弥它。于是展览的统一性和物的独立性，物间局部关系都同时存在，被感知。

在弥散的整体中，观者是真实的进入展览，进入到物的关系中，会融入，被物化，成为展览的一部分。

现实世界中，人和物之间的相互依附已渐淡薄。技术速度加快了物更新的速度。时间空间的碎片化、信息化，持续减弱人与物长久关系的建立。

基于这一切，“丰盛即美”这个展览秉持着逆潮流的重新回到物的态度。直接呈现人造物，直接制造物和物、物和人的关系。也制造这个空间物，制造这个展览物。

进入展览即是进入物的现实。这个現实，利于我们意识到身体，以及身体和环境的关系，打开感知。由物与身体的依附，到感知的启发，也是获取人存在的现实意义的一条路径。