生于二十世纪七十年代。

　　自幼随曾祖父习字，随父习画。先后就读中央美术学院附中和美院。近毕业时，在当代美术馆与来自国油版雕各专业的五个女生联展。第一次尝试以自己喜欢的方式表达。

　　九九年去英国读书。理论老师珍妮对来自世界各地的同学们提的第一个问题是：你为什么要画画？为什么选择艺术？让我恍然明白了做作品的“初衷”（或出发点）的重要。后来发现这几乎是一条真理，做一切事情都离不开你的“初心”。如果你中途迷失了，那么再回到这个初衷，问自己“为什么？”我相信这是一个机缘--在全然陌生的环境，熟悉的“身份”和生活的突然消失，使我深深的察觉到自我存在感，并由此转向内在的追寻：我从哪儿来？要去哪里？为什么会选择艺术？给自己提了很多问题。我庆幸自己既在重视实践和感觉的中国最好的学院里学习艺术，又在英国重理论与逻辑方法的教育中，系统梳理了自己的艺术观，人生观，和世界观。同时得益于东方智慧的体验与直觉，与西方的理性与逻辑。在一年中，完成《轻》系列两组30多件作品，一件作品是：一个人——悬浮在空间中。下面是物质世界的一切物品成云状堆积；这些既独立又有内在联系的作品基于日常生活：电视机，房子，小汽车，电脑等等。它们都是用白棉布缝制，很轻，都具有似曾相识的形状和漂浮的状态。同时，开始了也是同样题材的水墨画的创作，我以“迹”，来命名所有这些绘画作品。英国的毕业展作品感动了学校的同学和校长，使他在毕业致辞中特别提到了我的作品和文字，提到了中国的古老智慧等等，但我那时并无深刻认识。

　　二零零一年回国，应隋建国先生之邀，在中央美院通道画廊展览此两组作品。这是第一次的个展。展览没有开幕式，没有发邀请函，没有电话通知任何人来看。顺其自然，随遇而安，是那时对展览的态度。

　　零三年驻留日本福冈亚洲美术馆，创作三个月。惊讶于日本保存延续着完好的中国特别是唐宋传统文化-从形式到精神的延续再造。我在那儿创作的装置作品-《山水图卷》是对中国传统的致敬，也是对于中国古典精神的想象。如果说有“中国的传统精神”存在，我认为应该是一种生活方式，是一种人生的态度，更应是自然而然的流露。传统精神——不等于复制模仿传统绘画形式本身，更不是符号和样式的代替。形式和媒介可以丰富多样，甚至相去甚远，但是内在的气质精神传承延续。

　　我做三维立体的装置，同时画水墨画。它们一点儿都不会冲突，而是相辅相成的，它们就像是硬币的两面，就像是左手和右手的关系。当需要表达时，我会选用适当的方式去表达，无论日常物，自然，或人。不喜欢用被定义，不喜欢被形式化。

　　最近几年关注更多的是人的内在感知、体验，及自身与自然的关联。我以为西方所讲的“三位一体”；中国的“天人合一”；与印度瑜伽的“身心灵合一”其实都是一回事儿。人类只是宇宙空间的一分子，小比一粒微尘，大比造物的一部分，是与自然不可分的整体。但人的妄自尊大已经把自然折腾得面目狰狞，当代中国现状就是这种危机的典型。而艺术能做什么呢。只想表达我心底存留着的对自然的尊敬，对未来的想象。希望作品是由心而发的，是自我本源和自然万物的感应联系——不论用什么方式去表达。我也相信作品不是“做”或“冥思苦想”来的，而是内在感觉与灵性的自然流露。

作者：刘俐蕴