文：吕柳萱

胡贝 《我们的天空》

《我们的天空》是一件以全球视野与个人情感交织而成的装置作品，艺术家胡贝通过参与性艺术的形式，模糊了个体与集体、现实与诗意之间的边界。这件作品不仅是一项技术与媒介的创新实践，更是对人类生命本质的深刻探讨。

作品的核心是天空——一个普遍而又私人化的意象。在这片虚拟的“天空”中，艺术家将来自世界各地的照片与语音拼接成一首多语言诗歌。每一段影像与声音都承载着独特的视角与文化记忆，使得作品不仅是视觉的集合，更是一种感知的总和。这种跨越语言与地域的表达，打破了传统意义上的文化与距离的边界，构建了人与自然、人与人的联结之桥。

胡贝以新媒体技术为载体，赋予作品一种动态的生命力。悬挂在空间中的屏幕与地面投影形成了一个多层次的感官场域，观众仰望、倾听的瞬间，成为作品的一部分。这种互动性强化了展览主题“交融界限”的命题：作品不仅是艺术家个人的表达，更是所有参与者共同完成的一场对话。

黄星宇《空气在我们之间流动》

《空气在我们之间流动》是一件引人深思的作品，它通过转瞬即逝的感官体验探讨了私人感受如何转化为公共体验，以及这种转化如何揭示人与人之间沟通的复杂性。艺术家巧妙地运用动态的材料、声音和空间元素，将观众置于一个不断变化的环境中，促使他们重新审视自身的感知与情感。

作品以板蓝根粉末的掉落节奏为核心，这种药材既是一种文化记忆的象征，又隐喻了治疗与恢复的过程。艺术家将焦虑症躯体化经历的叙述声音转化为粉末掉落和撞击的动态节奏，形成了一种既强烈又不可预测的感官冲击。撞击声的突兀与药粉漂落的缓慢形成鲜明对比，邀请观众在对比中感知内外状态之间的张力。这种感官体验不仅挑战了观众的心理边界，也在视觉与听觉的交汇处引发对身体与情感之间关系的深刻思考。

空间在作品中扮演着至关重要的角色。墙壁和地板上逐渐累积又消散的蓝色痕迹，成为时间流逝的隐喻，也是私人体验如何被环境吸纳与转化的象征。不可预测的动态和模糊的声音使空间本身成为一种叙述语言，塑造了观众的心理与情感体验。艺术家来自建筑设计的背景，使得这一空间语言尤为精准而富有层次感。作品中的动态变化不仅反映了物理环境对意识的影响，也折射出文化背景与社会经验如何塑造我们的感知方式。

《空气在我们之间流动》以一种直面感官与情感的不适来唤醒观众的同理心与理解力。艺术家挑战了沟通的边界，展示了身体、空间与记忆之间错综复杂的关系。这种对感官的直接刺激让观众意识到，即使是最私人化的体验，也能在艺术的语境中转化为一种普遍的情感共鸣。

在《交融界限》中，它模糊了个体与集体、私人与公共之间的界限，通过感官与心理的探索，邀请观众进入一个关于理解与同理的开放对话。作品提醒我们，艺术不仅是关于观看，更是关于感知、体验与沟通的可能性，它是一种桥梁，让复杂的情感在不确定的边界中找到共鸣。

Zihan Mo 《GREENY》《RHIZOME》《CLARITY》

这三幅作品是一场关于绘画本质的探索，它剥离了叙事和具象，将画面转化为一个感知的空间。艺术家以纯粹的线条、几何形状和层次结构，创造了一种静默却富有张力的视觉体验。在这些作品中，绘画不仅是表达的媒介，更是一种开放的语言—不依赖于既定的符号，而是通过形式的流动与不确定性，让观者在观看的过程中自行构建意义。

在构图方式上，艺术家摒弃了传统的图像建构逻辑，而是以覆盖、揭示和重复的方式，让画面在生成与消隐之间不断转换。这种模糊的处理，使得作品呈现出一种介于可见与不可见之间的状态，就像一扇被雾气笼罩的窗户，既阻隔了清晰的观看，又邀请观者去感知那些被隐藏的层次。例如，水平交叉的线条仅覆盖了画面的部分区域，形成了一种“未完成”的视觉暗示。这种刻意留下的空白不仅让画面保持开放性，同时也让观众的视线得以自由地游走，填补未完成的空间，使观看成为一种主动的行为。

此外，作品对几何形态的运用，尤其是正方形，进一步强化了其普遍性。这些基本形态仿佛是一种视觉的“共同语言”，超越了文化、性别、地理的界限，使画面不受背景和经验的限制，而成为一种更为直接的感知媒介。同时，线条的交错与层叠让平面具备纵深感，使得作品在二维与三维之间徘徊，既是静态的，又带有时间性的变化。

这一系列作品回应了艺术家对绘画作为“窗口”的思考——它不是单向的呈现，而是一种对话的空间，一个让观看者得以介入的场域。这种去物质化的处理方式，使得绘画成为一个可进入的维度，而非仅仅是悬挂于墙上的物件。作品所追求的“力求不完整”并非缺陷，而是一种策略，让观看本身成为作品的一部分，邀请观众去想象和感受。

在这个系列中，绘画不再是单一的表达，而是一种流动的、不断变化的感知状态。它启发我们，艺术的意义并非来自于固定的形式，而是源于观看的过程，以及我们如何与作品建立联系。在这一点上，艺术家所构建的“模糊地带”不仅是画面上的形式语言，更是一种对观看方式的挑战，它鼓励我们在不确定性中寻找意义，在未完成中找到完整。

​

Melanie Tsang 《Homeland’ | Class of Admission》

《Homeland’ | Class of Admission》是一件深刻且富有层次的作品，它通过简洁而象征性的材料与形式，探讨了身份、时间、记忆与移民经历等复杂主题。艺术家将个人移民文件的文字浸入水中，创造了一个既私密又具有普遍性的叙事空间，使观众在观看时不仅感受到艺术家个人的生命历程，也引发对自身身份与归属感的思考。

水作为核心媒介，承载着多重象征意义。其流动性、透明性与不可捉摸性，呼应了移民经历中的不确定性与时间的流逝。文字在水中的浮现与消失，象征着身份的变动与重构，而气泡的漂浮与遮盖则进一步强化了这种动态性，提醒观众记忆与归属感并非静止不变，而是不断被重新定义。水中的倒影不仅增加了视觉层次，也暗示了记忆的模糊性与多重性。

材料的选择亦充满深意。不锈钢托盘带有外科手术般的冷峻感，隐喻移民过程中对个人身份的审查与剖析，而混凝土砖则象征着移民经历的基石与现实的重量。这种材质对比增强了作品的视觉张力，同时隐喻了移民身份在建构与解构之间的拉扯。

作品被放置于地面，要求观众俯身或弯腰观看。这一设计打破了传统的观展方式，使观看者在身体姿态上进入一种“谦卑”或“顺从”的状态，隐喻移民群体在身份适应与文化交融过程中的现实处境。观众在低头注视水面时，不仅是在阅读文字，更是在与艺术家的记忆与情感对话，使体验更具沉浸感。

通过对移民文件的解构与再现，作品从个人经验出发，触及身份认同、文化归属与时间流逝等普遍性议题。艺术家将私密的记忆转化为可共享的情感体验，使观众在观看过程中找到自身的关联。这种从个体到集体的转化，正是作品的力量所在。

《Homeland’ | Class of Admission》通过水、文字与装置的结合，模糊了现实与梦境、个体与群体的边界，展现了身份与归属感在时间与空间中的流动性。水的倒影与气泡的动态变化，象征着记忆的模糊性与身份的重塑，呼应了展览对个体与集体、过去与未来微妙联系的探索。观众在俯身观看的过程中，不仅成为观察者，也成为这场思考与感知旅程的参与者，与作品共同探索内心与空间的交融界限。

Susie Luo《Breathless》

《Breathless》营造了一种沉浸在混沌中的紧张与挣扎。深绿色的厚重背景仿佛笼罩着整个画面，营造出压迫感，而交错的红色线条则成为情绪的冲撞，时而隐匿，时而突显，似乎试图突破某种限制。不规则的线条与斑驳的肌理形成动态张力，展现出挣扎与束缚并存的状态。

通过这件作品，艺术家不仅捕捉了难以言喻的心理压迫感，也象征着更广泛的情感体验。画面中的厚重色彩和模糊的痕迹让人感受到一种持续累积的情绪张力，仿佛在现实的重负之下，某种能量正在酝酿，随时可能喷薄而出。这种矛盾的情绪，使观者进入一个复杂的心理空间，不禁思考：这是内心的焦虑？是现实的压迫？还是一场尚未结束的心理挣扎？在艺术家的抽象语言中，私人体验被转化为公共感知，邀请观众去直面自身的情感波动，并在无形的界限中寻找共鸣。

Yachan Yuan《 Lost in Translation》

《Lost in Translation》是一部关于语言、记忆与感知的视觉实验，它通过Mångata、Gluggaveður和Saudade这三个无法直接翻译的词，探索语言如何承载独特的文化经验，以及它们在不同语境中可能激发的情感共鸣。作品借助实景拍摄与视觉特效，不是单纯地定义这些词汇，而是试图让观众直观地“感受”它们，从而超越语言的局限，进入一种更具普遍性的情感体验。

在影像的构建上，作品通过光影、流动的水面、寒冷的冰面、窗景、和人物眼神中散发的忧郁与渴望。艺术家将这些词汇从语言转换为视觉隐喻，使观者不必依赖词语的精确解释，而是凭借直觉进入其情境。Mångata的月光倒影营造出一种静谧的诗意，而Gluggaveður则巧妙地利用视觉错觉，让观者感受到天气与感知的落差，Saudade的呈现则通过氛围的构建，引发深沉的怀旧情绪。这种影像语言不仅消解了翻译的界限，也展现了语言之外的情感流动，让观众在不同文化间找到共鸣。

作为《交融界限》展览的一部分，它不仅探讨了语言的边界，也挑战了文化理解的界限。无法翻译的词汇承载着特定文化的感知方式，而《Lost in Translation》通过视觉化手法，使这些词超越文字，在不同语境下焕发新的生命力。真正的理解并不总是依赖于直接的翻译，而是源于沉浸式的体验与感知的共鸣。在这个信息快速流动、文化交汇的时代，作品让我们重新思考语言如何塑造我们的世界，同时也展示了超越语言的理解可能性。

Xiyao Wang 《Fusili》

《Fusili》以流动的曲面重新定义空间的连续性，挑战传统楼层的垂直分割，让建筑不再是静态的结构，而成为动态的体验。艺术家受莫比乌斯带和“自噬之蛇”（Ouroboros）意象的启发，作品消解了固定的空间概念，呈现出一个无始无终的循环形态，邀请观者思考运动与空间的关系。塑料球在结构中的运动不仅象征个体在建筑中的潜在路径，也生动演绎了重力、选择和形态之间的相互作用，强化了空间感知的流动性和不确定性。

《Fusili》的互动性让观众从被动的观察者转变为主动的参与者，使建筑的体验不再受限于传统的楼梯、电梯等线性动线，而是进入一种更具弹性的可能性。在这里，空间不仅是容器，更是一种叙事，一种关于运动、决策和感知的探索。作品源自艺术家对楼梯与坡道的长期迷恋，同时受梦境中穿越建筑的潜意识体验启发，表达了一种对空间自由度的向往和对既有秩序的挑战。

作品回应了《交融界限》的核心，即它模糊了个体与环境的界限，将空间从静态转化为可感知、可互动的存在。在这件作品中，建筑不再是单一的功能性构造，而成为人与环境之间的媒介，探索个体如何在物理与心理的交错中定义自己的位置。《Fusili》邀请观者进入一个超越现实框架的空间体验，感受建筑如何影响我们的感知与行为，进而重新思考人与空间的关系。

此次展览以开放性的视角，呈现了七位艺术家对边界、交流与感知的深刻探索。在一个不断交融的世界里，这些作品不再是单一的表达，而是成为连接现实与梦境、个体与群体、过去与未来的媒介。展览通过绘画、影像、装置等多种艺术形式，挑战了固有的观看方式，让观众在不断变化的感知中重新定义自身与环境的关系。

展览既具视觉冲击力，也引发深刻思考。从Zihan Mo对绘画本质的剖析，到Melanie Tsang对身份的沉思，从Susie Luo的情绪表达，到Yachan Yuan的语言实验，每件作品都触及难以言说的体验。Xiyao Wang的《Fusili》更是模糊了建筑与身体的界限，使空间成为动态叙事。

在这里，边界被打破、重塑，甚至消解。艺术不再提供答案，而是引导观众在流动的界限中寻找共鸣，使观看成为主动的探索。