Fiona Chen，目前居住在英国伦敦，她的作品主题经历了一个逐渐扩展的过程。从最初专注于个体内心世界的描绘，到后来探讨身份认同与社会期望之间的张力，她的艺术实践越来越具备哲思与批判性。

作品《The Boy- Future》以一个独处的男孩为主体，画面充满了静谧而略带疏离的氛围。男孩蜷缩在橙色的摇椅上，目光望向远方，展现了一种内省的情绪 。背景简约，蓝色墙面与地板的色调对比形成温暖与冷漠的交错，使画面既和谐又带着疏离感。这种色彩运用强化了人物的心理状态，仿佛整个空间都是他思绪的延伸。

这一系列作品探讨了孤独、自我沉思以及个体与环境之间的关系。摇椅的摇摆感增强了时间流动的意象，似乎暗示着男孩在过去与未来之间思索，而不是被限定在当下。这种处理方式，让作品不仅仅是单纯的静态画面，更具有时间维度的象征意义。

The boy-future 297x420mm 丙烯在纸上 2020年

《The Boy- Thinking》这一作品仍然延续了《The Boy》系列对自我认知、情感状态与环境之间的互动的探讨，但相比早期的作品，它在空间塑造和心理描绘上更为细腻。画中男孩蜷缩在摇椅中，双臂环抱双腿，这种收缩式的身体语言往往暗示着防御性、自我保护或内心的封闭。 他的目光虽然望向远方，但整体姿势却呈现出内收的状态，仿佛他在思考、回忆，甚至试图远离现实。

这种姿态让人联想到成长过程中的孤独感——面对现实环境的压力，个体可能会选择缩回自己的内心世界，而外界（家庭、社会）则成为一种若隐若现的存在。 摇椅作为一种家具，带有摇摆不定的动感，它既象征着安抚与舒适，也象征着不稳定性和内心的不确定。Fiona 选择将男孩置于这种特殊的椅子上，使得画面不仅传达出宁静的氛围，还隐含着一种潜在的不安与不确定感——男孩的内心可能并不像画面表象那样平静，他正在经历某种心理上的波动或挣扎。画面左侧的窗户引入了外部景色，但窗框的形态、墙面的留白以及景色的简化，形成了一种既开放又封闭的视觉效果。这让人产生一种疑问：窗外的世界是否是他渴望的？还是他正在逃避的？这一巧妙的安排，使得整个画面具备了更大的解读空间，也深化了作品的主题张力——是向外寻找，还是向内沉思？

The boy-thinking 297x420mm 丙烯在纸上 2020

相比《The Boy》系列对个体心理的探讨，《The Concealed Self》系列进入了一个更加复杂的主题层面：身份的建构与社会期望之间的矛盾。画中的人物被茂密的花朵与叶片遮挡，隐喻着社会强加的美丽标准如何掩盖个体的真实自我。这些花朵既象征着美，也象征着伪装，它们构成了一道“视觉屏障”，将人物与观者隔离开来，形成了一种矛盾的美感。

Fiona 在该作品中直击了社会美学标准如何影响个体身份认同这一命题。画中人物的面部被繁杂的植物、花朵所覆盖，形成了一种视觉上的障碍，使观众无法直视角色的真实面孔。这种遮蔽不仅代表了化妆、滤镜等外在装饰如何塑造美的“假象”，也暗示了个体在社会压力下的自我隐藏。画中人物的眼睛部分被植物所穿插覆盖，使得身份难以辨认，这强化了个体在社会期待下的身份迷失感。这种遮挡并非完全的黑暗，而是被美丽的元素（植物、花朵）所覆盖，暗示着个体的真实情绪被“美的标准”所掩埋。观众在观看时会产生不确定感——究竟这位人物是主动隐藏，还是被迫掩盖？她是在享受这层伪装，还是渴望挣脱。画面不仅探讨了个体如何在社会美学标准下伪装自我，还涉及到集体审美如何强加于个体。花朵通常象征着自然之美，但在这里，它们并不是自由生长的，而是附着于面部、穿透头部，使观者意识到美的标准往往是一种外在的塑造，而非个体的主动选择。这与当代社会中过滤照片、整容、化妆文化等现象相呼应，作品通过隐喻手法对这一社会现实进行了审视。画中的主色调是冷蓝色（衣服）与温暖的黄色背景，形成了视觉上的强烈对比。蓝色代表冷静、深思，甚至是疏离，而黄色背景带有一定的压迫感，如同阳光照射下的炽热世界，使人物处于被审视的环境之中。这种色彩关系强化了作品的心理张力：个体的内在（蓝色）是平静的，但外界的期待（黄色）却是充满压力的。画面中植物的分布方式是向上生长并散开的，但又集中在人物的面部，使得观者的目光始终被吸引到这一核心区域。由于面部的遮蔽，观众的注意力被引向被隐藏的部分，这在视觉上创造了一种“观看的阻碍”，使得观众不得不重新思考——如果无法看到一个人的面部，我们该如何理解他们？

作品中的植物看似自然，但它们的生长方向似乎是不受控制的，从角色的面部生长出来，蔓延至整个画面。这象征着个体在社会期待下被塑造、被操控，而非真正的自我表达。叶片的破损感也暗示着这并非真正的生命力，而是经过修饰与重塑的“人为美感”。花朵不仅遮蔽了面孔，还形成了某种“面具”，呼应了社会上对于外表的审美化与标准化。在现代社交媒体时代，人们通过化妆、滤镜、美颜软件打造“理想化”形象，而真实自我往往被隐藏在这些“美的外衣”之下。这一作品通过视觉隐喻，让观众反思自己是否也在不自觉地塑造着一个“社会期待中的自我”。

Fiona Chen 的 《The Concealed Self》 通过对身份遮蔽、社会美学标准、个体焦虑的探讨，成功构建了一种具有批判性的视觉语言。作品通过象征性的植物、色彩的冲突、构图的隐喻，深刻揭示了当代社会对于美的塑造与个体自我的迷失。

The concealed self 55x65cm 丙烯在帆布上 2024

作品《Unveiled Layers》描绘了个体表达的碎片化与社会凝视的压力。画中人物的面孔再次被植物所遮蔽，但与《The Concealed Self》中相对静态的遮蔽不同，这里的面具更像是破碎的、拼贴的、不断生长的。这意味着个体的身份并非被简单地遮挡，而是处于一种不稳定的流动状态——个体在不断调整自我，以适应社会的目光，同时又在挣扎着保持自身的真实。

这种视觉上的“分裂感”暗示了现代人在自我认同上的矛盾与挣扎——在外界的审视下，个体的真实面貌难以完整呈现，而是被社会赋予的标签所切割。画面中的人物似乎在用双手轻轻捧起花朵，这一动作既可以被解读为对美的珍视，也可以被视为对身份的一种防御。这些花朵与叶片不仅遮住了脸，还仿佛在从身体中生长出来，这暗示了社会审美标准已经渗透进个体的意识，成为个体无法摆脱的一部分。这种视觉语言强化了主题的复杂性：我们是如何在社会期待的塑造下逐渐迷失真实的自我？

Fiona 在色彩运用上依然延续了对比与平衡的策略，通过冷色背景与温暖的花卉、植物元素形成视觉冲突，使画面既和谐又富有紧张感。画面整体采用冷蓝色调作为背景，这种颜色通常象征沉思、内省甚至疏离感，使观众在观看时不自觉地进入一种更具心理深度的状态。然而，画面中的花朵、叶片以及碎裂的面具却采用了更温暖、更生动的色彩，与背景形成冷暖对比，进一步增强了画面张力。 这种色彩冲突不仅仅是视觉上的，而是概念上的对立——个体的情感、真实身份（温暖）与社会的规范、审视（冷漠）之间的矛盾。背景中的几何投影形成了强烈的光影切割效果，制造出一种“框架感”。这种光影的构造类似于建筑空间的硬边，象征着社会规则和集体意识如何影响个体的身份塑造。这种设计也让画面的空间感更具层次，使观众感受到个体在社会结构中的位置——既被包围，又在寻找自己的出口。

Fiona 采用了丙烯和丙烯马克笔，这种媒介组合不仅增强了画面的层次感，也让画面更具实验性和现代感。丙烯提供了丰富的色彩表现力，使得背景的光影层次更加突出，并强化了“社会框架”这一视觉隐喻。画面中的人物衣物部分采用了较为平涂的手法，使其在视觉上更接近“虚像”，这与破碎的面具和生长的植物形成了对比，进一步强化了人物身份的不稳定性。马克笔的使用使衣服上的条纹清晰，带有一种插画感，仿佛暗示着个体身份是被“勾勒”出来的，而非真实存在的。这种技术上的混合运用，也让作品的层次更加丰富，使画面同时具备绘画的深度和插画的现代感。

Fiona Chen 在《Unveiled Layers》中进一步深化了对身份、审美压力与自我认同的探讨。她通过层叠的植物、破碎的面具、冷暖色彩的冲突、几何化的光影结构，成功创造了一种充满心理张力的视觉体验，使观众能够在作品中找到自我投射。

Unveiled Layers 55x65cm 丙烯马克笔和丙烯在帆布上 2024

作品《The floral bathtub》探讨人工与自然的交融与冲突，其核心主题围绕工业设计（自来水龙头）与自然美学（浴缸中的花卉图案）之间的对比。这种并置关系体现了现代社会的两大核心张力：一方面，流水象征着生命力与自然循环，是最基本的生态元素之一。另一方面，水龙头作为人造物，暗示着人类对自然资源的控制与干预。水流的释放看似自然，但它的来源和流动轨迹却完全由工业设计所决定。这种对立关系隐喻了人类如何试图将自然融入现代生活，但这一过程究竟是对自然的颂扬，还是对其的人工改造？作品在这一问题上保持了一种开放的态度，鼓励观者进行深思。

画面中的浴缸并不只是一个日常用品，它被赋予了花卉装饰的视觉效果，象征着人们如何将自然之美转化为一种设计语言，以符合人类对于“美”的期待。但与此同时，这种“美”是被固定、装饰化的——浴缸中的花卉并非真正的植物，而是印花图案。这使得作品在表达对自然美的向往时，也同时提出了一个质疑：我们所消费的自然，究竟是真实的，还是人造的？这与当今社会关于“绿色生活”“可持续设计”等理念相呼应，使作品具有较强的当代性。《The Floral Bathtub》 通过水龙头、浴缸花卉图案和色彩对比，成功构建了一种关于人工与自然的哲学讨论。作品不仅在视觉上吸引人，更在概念上提供了多层次的思考空间，使其成为一个兼具美学价值与社会反思的当代艺术作品。作品采用了略微倾斜的透视，使观者的视线自然地沿着水流向下移动。这种构图方式创造了一种流动感，使作品不仅仅是静态的画面，而是具备时间感的叙事。

水流的漩涡部分是画面的焦点，仿佛吸引着观众进入其中——这不仅增强了视觉中心的稳定性，也暗示了自然在人工环境中的“转化”过程。

The  floral bathtub 65x75cm 丙烯和石英砂和丙烯喷漆在帆布上

如果说《The Boy》系列强调个体的孤独感，而《The Concealed Self》系列关注身份认同的困境，那么《Drifting into the Horizon》则展现了一种不同的情感主题——亲情与成长 。画中，一名孩童与成人站在码头上远眺大海，流露出对未来的探索与对陪伴的依赖。孩子骑着带粉色篮筐的小滑板车，身边的成年人物似乎在保护着他。这种构图不仅强化了成长过程中的守护感，也让作品具有一种普遍的情感共鸣——关于童年的回忆，关于家人无声的陪伴。画中孩童坐在滑板车上，手里紧握着毛绒玩具，显示出对童年安全感的依赖。然而，她的目光投向水面，隐隐透露出一种探索未知的渴望。这种对比强化了作品的核心主题：成长是一种既依赖又向外迈出的过程，个体在安全感与好奇心之间寻找平衡。孩童的姿态带有一种微妙的停滞感——他并未滑行，而是静静地观察，这让画面呈现出宁静而充满可能性的氛围。成年人物占据了画面左侧，他的身体部分进入了构图，但面部被裁切，暗示了陪伴的象征性，而非具体的个体。他的存在赋予了孩童安全感，但同时，他的站姿与孩童的坐姿形成了对比——他站立着，代表着成熟和稳定，而孩童坐在滑板车上，暗示着仍然处于受保护的状态。这种细腻的角色安排，使作品超越了单纯的“家庭温情”，成为对成长过程中个体与外界关系的探讨。成人的蓝色服装象征着沉稳、理性与守护，而孩童的黄色裤子则带有活力、探索与希望的意味。这种对比强化了二者在情感上的不同层级：一方象征保护，另一方代表成长中的能量。画面右侧的水域以深蓝色呈现，并且颜色层次渐变，增强了空间感，也赋予画面一种静谧的深度。 这种色调使得水面不仅仅是环境背景，它更像是一种成长隐喻——未知的远方、成长的未知可能、未来的广阔性。孩童滑板车的粉色篮筐带有温馨、纯真的象征，暗示着童年的柔软与安全。红色的小路则成为引导视线的线索，让画面产生向远方延伸的感觉，同时提供了视觉上的温暖，使整个画面不会过于冷调，而是保有了一种亲密的氛围。

Fiona的这件作品在主题上更加温暖，传达了人与人之间的连接感。在 Fiona Chen 的创作脉络中，这一作品进一步拓展了她的主题领域，从个体内心的孤独，转向人与人之间的情感联系，展现出更具包容性的情绪表达。

Drifting into the Horizon 12x16inch 油画在帆布上 2025

Fiona Chen 的《三明治系列》是她在电子绘画领域的探索之一，通过 Procreate 进行创作，呈现出一种极简、温暖、秩序化的视觉风格。这组作品与她的传统媒介作品形成鲜明对比——如果说她的丙烯、油画创作是对情感、社会身份的深度剖析，那么《三明治系列》则是一种更加轻盈、趣味化的视觉表达，同时带有消费文化、日常生活美学的隐喻。这组插画采用了扁平化的视觉语言、柔和的色彩，以及精致的食物构图，不仅仅是对食物的静物描绘，更通过其构造方式，探讨了现代社会如何将食物视觉化、符号化，并与身份、社交习惯甚至情感体验绑定。这组作品表面上是早餐食品的呈现，实际上，它对食物的摆放方式、色彩选择与切割展示都暗示了现代人如何在社交文化中建构身份。三明治是快节奏生活的典型代表，它不仅是一种食物，更是一种生活方式的象征。它简约、模块化、便捷，并且容易被“视觉化”传播。

Fiona 通过画面对食物的秩序化排列，让人联想到食品广告、菜单设计，甚至社交媒体上的“餐盘美学”——在当代社会中，食物不仅仅是营养来源，而是社交身份的标志。Fiona Chen 的 《三明治系列》 以其极简主义风格、扁平化色彩、秩序化的食物排列，探索了食物如何在现代社会中成为消费符号。相比于她的丙烯、油画作品所探讨的身份认同与社会压力，这组作品更偏向日常文化的幽默观察，展现了她在不同媒介和主题之间的灵活性。（作者：王丽静）

168x 240mm       

68x96mm

168x240mm