系列《不寻常之地》（Uncommon Places）由此诞生，创作之初，肖尔就对于用摄影拍新闻这件事不太感兴趣，他想看看更广泛的文化，拍下寻常又典型的美国。开始，肖尔仍按照《美国表面》日记的方式去记录，但从系列最终呈现的面貌中，你能看到肖尔拍了更多的建筑和街道，而较少去拍人和静物。这样的选择与其说是预先设定的，不如说是大画幅的特性和肖尔对媒介形式思考所表现的结果。

大画幅需要更长的设置时间，它可以清晰展现每个细节，并且按快门成本很高，这使肖尔要仔细思考他要拍的内容和所用的形式。肖尔在这段时间里表现出了对平面如何展现空间的兴趣。但他没有通过小景深来呈现空间的前后关系，相反，他用了大景深，让画面每个角落看起来都是清晰的。如此一来，空间感就需要被其他东西塑造。

我们首先觉察到了透视关系。但更进一步的，我们能看到线条、结构和细节形成的空间张力。在《贝弗利大道》（上图）这张照片里，道路从画面下方进入，右侧是加油站，不同的结构——如影子、电线杆、广告牌等互相产生关系，创造出空间的构成。

与此同时，“框取”的动作切断了物体的连续性。因此，我们看到电线杆冲出画面，不完整的标识牌等等。线条和平面在塑造画面内空间的同时，它也引申了对边缘外的空间想象。

“框”限定了画面边缘，而边缘细节在照片里的表现却不同于人眼的观感，人眼可以盯着看一件东西，却对视觉边缘的影像不敏感。而在肖尔照片里，你能看清所有的东西，即使是边缘，相机的机械特性也能尽收下来。此时，大景深的特点又突显出来，你能看清每个角落，当你的眼睛在画面中四处游走时，你既能观看每个细节本身，又能结合它与周边元素的关系，去体验平面里的空间。

“人们总认为摄影是指向，而不是框架。”肖尔曾这样说过（注2）。从某种意义上，他通过《不寻常之地》里的照片，回应了他心中对摄影观看方式的理解。

系列中有一张作品（上图）引起了我的注意。单块拼图是整块拼图的一部分，就好像细节是一张照片的一部分，而一张照片又是更大世界的一部分那样。每块拼图都是一个切片，观众观看细节，又可以通过拼图的边缘和图案的内容建立整个面貌。

这是《不寻常之地》中少数拍室内静物的照片，它好像就是肖尔对自己思考逻辑的一次实体解剖，一次他给出的观看提示。

注1：《美国表面》是斯蒂芬·肖尔拍摄于1972-1973年间的系列，于1999年出版。肖尔用35mm相机碎片化地记录了旅行途中的日常，其中包括汽车旅馆房间、快餐食品、停车场和其他看似难以留下深刻记忆的物体，这些彩色照片就好像一本摄影日记。

注2：https://brooklynrail.org/2005/12/art/n-conversation-stephen-shore-with-noah-s

斯蒂芬·肖尔，生于1947年10月8日，是一位美国摄影师，他以拍美国日常景观和物体和开创性地运用色彩而闻名。作品集包括《不寻常之地》和《美国表面》等，这些照片是他于20世纪70年代的旅行途中所拍摄。1975年，肖尔获得了古根海姆奖学金。他是第一位在MoMA举办摄影个展的在世摄影师。