按：2020年11月12日，松山智一在中国内地的首次个展“自然可解”于龙美术馆（西岸馆）开幕，展出了28组绘画、雕塑作品，受到众多潮流年轻人的喜爱。展览将于本周日17:30闭幕，小伙伴们还有最后3天时间观展，没有来得及看的抓紧咯！龙小编今天将分享一篇NOWNESS对松山智一的采访文章，让大家更多的了解艺术家本人及其创作经历。
松山智一的画有点像“浮世绘”的21世纪版本，里面的人物长着梯形的漫画式的眼睛，瞳孔深邃，穿着印有“Hello Kitty”的潮服、喝着星巴克、用着苹果电脑、抽着卷烟、开着摩托、养着狗，在遍布着鲜花、飞舞着雪花的画面中兀自出神——绮丽、迷幻，繁复、反差。
“美丽与丑陋、简洁与复杂、清纯与猥琐、空虚与集成、节庆与日常”，用策展人、东京艺术大学美术馆馆长的话来说，这些对立的词语并存在松山所画的意象之中。艺术界还曾说松山智一可能成为“下一个村上隆”。2020是一个需要希望的年份。今年，松山与日本旅客铁路株式会社(JR) 合作，在东京JR新宿站创作了一个大型永久公共艺术项目“Shinjuku East Square”。新宿站被吉尼斯世界纪录认证为世界上使用人次最多的车站，被众多摩天大楼、霓虹灯、商店标志和来来往往的人群围绕。在松山看来新宿既有阴暗的一面又有美好的一面，阴暗的一面是那里像北野武的电影一样存在着日本黑帮，但这种城市的真实面貌也因此吸引了人们。而JR公司也是希望重新组织新宿周边，让社区更加“中产阶级化”，所以便提议引进艺术看看能做点什么。于是松山在繁华的新宿设计了一个高8米的巨型镜面雕塑《Hanao-San》(日文名：《花尾君》)——一个在花园之中的手持鲜花的男孩，环绕男孩的地面上铺满了融合自然、四季和传统日本文化元素的绚丽花卉图案，男孩本身却映照出周遭的车水马龙和人来人往，他希望借此鼓励大家实地观看作品，鼓励人们在一个彼此分离的时代进行沟通和联系。他新造了一个词来表达自己的创作理念：“Metro-Bewilder”，认为它囊括三重含义:都市（metro）、自然（wild）和迷惑（bewilder）。他希望创造出一个非正统的社区艺术空间，同时包含两个看似矛盾的关键词：“都市”和“自然”，在这日以继夜高度活跃的地区，结合两者特质，令人“迷惑”。很难一句话简单介绍松山智一，他出生在日本，学习、工作、生活在美国。他不愿意被直接归类为日本艺术家，也不认为自己是一个美国艺术家。他觉得自己的画作受到葛饰北斋的影响，也受毕加索、杰克逊·波洛克等的启发、不时还会从纽约街头报摊的时装杂志和广告单张中取得灵感。浮世绘图式、动漫影像、艺术史典故、现代商业品牌标志……这些来自不同时空的图像被松山智一挪用、剪辑、组合、混搭到一个平面之中，同时调入了大量现代化的耀眼的荧光色。松山智一出生于日本东京，小学时随家人移居美国西海岸。跟很多艺术家相比，他起步很晚，25岁才开始画画。为了像亚洲父母会说的那样“找一份好工作”，他本科读的是商科，但课余时间一直坚持做一些“创意”的事情。青春期时他深受80年代洛杉矶的滑板文化影响，所以当时对他来说“创意的表达” 便是滑雪。后来他成为了半职业的滑雪运动员，并得到了多家公司的赞助。在最高峰的时期，他一年有超过4个月都在坡上，会去任何有雪的地方，享受极限运动。22岁的时候，他不幸摔断了脚踝，有十个月不能走路。对他来说，这让他丧失了创意的活动和社群连接感的来源。“所以这就是我开始乱画画的契机了”，松山智一在这次的专访中说。25岁时他前往美国普拉特学院学习设计。一开始学的是商业设计而不是艺术，是因为最初他依然抱着一些现实的想法，虽然他后来觉得这样的想法有点愚蠢，如果能回到25岁，他可能会一开始就走上纯艺的路而不是追求平面设计。不过他同时也觉得一切都是相关联的，如果自己没有学设计，可能也永远无法展现自己的图形质量。Foresight Hindsight（2015）至今，松山智一的作品已经在香港当代艺术基金会、悉尼当代艺术博物馆、洛杉矶郡立艺术馆、哈佛大学美术馆和金泽市21世纪美术馆等地展出过。2014年，松山智一在香港海港城举办个展，之前在这里办过个展的艺术家还包括Kaws、岳敏君等国际知名艺术家。这次，松山智一在龙美术馆（西岸馆）举行首次中国大陆地区个展，名为“松山智一：自然可解”，展出了他标志性的异形绘画和雕塑共计28件。这是艺术家对于大自然与人类的关系的探讨，也是他对于人们身处不稳定时期的观察。值得一提的是在展览中有一件高约5米的巨型雕塑《热带天堂》，这是开幕前一天正式完成的最新作品。与JR新宿站的雕塑相同，它也是个镜面雕塑，“平面化”的树叶被立体地重新组织在空间中。这件作品反映了他对待疫情的态度。在疫情期间，美国同时发生了很大的风暴，艺术家观察到如果是平常的美国大家早就崩溃了，但这次大家面对风暴却很轻松。风暴后还有人在公园里，坐在倒下的树干上办公和读书。这对艺术家有了很大的启发，他认为人类的承受能力和韧性是会不断变强的。因此雕塑用了一些自然的元素同时加入了人的肢体，来反映在大灾难面前，人类总能不断地适应、前行。NN：你主要的风格是将传统的东西方元素融合在一起，很多画作都反映了这一点，而且你还喜欢加入星巴克、Hello Kitty等西方的商业图像。这是一个慢慢发展的创作过程吗？还是一开始就在你的脑海中？MT ：不是一开始就有，是非常缓慢的。因为将星巴克、Hello Kitty放入艺术品中是一个比较大胆的挑战，尤其是被美术馆、博物馆收藏时。从某种意义上讲，它是个稍稍危险的元素。因为如果它展示得很好当然可以，他就像安迪·沃霍尔画的那些商标。但我没他那么厉害。所以我想找到一种方式让它们自然地与我们所处的时代联系起来：比如在画个星巴克，喝点咖啡，好像它非常自然地就在那里。我认为这是有效的。另外，我总是会在绘画中设计小测试、挑战观众对视觉元素、幽默感的敏感度。NN：我注意到你很多作品中都有很多动物，比如狗、螃蟹、麻雀，鹅等等。你在作品《桌面上的乌托邦》中提到了一点，说这些动物的设计是有目的。在画中，它们没有看着对方，这反映了疫情当下跟家人住在一起时也想注重自己的隐私。你在每幅有动物的作品中都有类似的设计吗？MT ：当你看亚洲绘画时，一朵花往往就隐藏了花语。动物就往往反应了十二生肖的含义。这是亚洲画的传统，一般来说都有这种用动物来象征的隐藏代码。而且最终，这些动物对特定的人来说也在传递信息。在许多情况下，这些信息超越人性，对抗灵性。You Should Know Where I am Coming From 局部细节（2018）但是在另一方面，在西方，人们看到一只狗就觉得是只宠物。我很喜欢这种差异。再回来看《桌面上的乌托邦》这部作品，它其实融合了灵性或人文主义的信息，也是所有中国传统绘画或日本绘画喜欢引入的概念。我找到了为什么这些动物会入画的历史，也觉得这很有趣。Uh Oh Together Again（2018）NN：你对展览名“自然可解”做了一些解释。显然，这与现在的大流行有关。我很想知道你是如何与策展人一起工作的？你认为这28组精选作品反映了展览的标题吗？MT：其实挑选的过程很自然。这些雕塑，包括金属雕塑实际上都是为这次展览制作的。比较特别的是，其中的一个雕塑《命运之轮》是明治神宫里展出的升级版本。概念是关于灵性和物质主义的。我认为过去几年中我所做的很多项目都很有意义，它迫使我质疑自己是谁，并讨论身份以及自然之间的连接。这是我喜欢处理的核心问题。NN：最后如果让你给想要成为艺术家的学生一个建议，那会是什么？
MT：我的事业25岁才开始，在那之前我从未认真画过画，25岁才买了第一块画布。我认识很多比我小的艺术家。我虽然起步很晚，但是我现在仍然站在了这里，所以一句话就是坚持不放弃吧。本文经授权转载至NOWNESS，撰文/刀娘，编辑/Coco
“松山智一：自然可解”展厅现场，龙美术馆（西岸馆），2020，摄影：洪晓乐
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作者：龙美术馆
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