1987年生于马里兰州哥伦比亚市，现于纽约生活和创作。曾考取纽约柯柏联盟学院艺术学士，其后于耶鲁大学考获艺术硕士。2017年被艺术家Lorna Simpson选为首届BALTIC艺术家奖的得奖者，其后在佛罗里达州开普提瓦岛完成劳森伯格驻地项目，以及伦敦Delfina Foundation的驻场艺术家。2 FANS,2015 Folding fans,metal floral armature,dried decorrative grass,ribbons,and newspaper 189.2 x 190 x5 x139.7cm
对我来说，对绘画的质疑不仅仅是存在表面或图片。我会更专注透过非传统物料进行探索，例如它的物理姿态和物料原理的变化。Artist Eric N. Mack's Desert X installation Italic textHalterItalic text (2019) uses the site of a defunct gas station at the edge of the Salton Sea.提到麦克的作品，策展人Jane Panetta和Rujeko Hockley一致认为——Eric Mack的作品非常精彩，精心组合的布料缝合起来，以铁线高悬于半空中，异常炫目，同时向Joe Overstreet和 Eva Hesse致敬。(Easter)The Spring/The Holy Ground,2018 Acrylic,dye,and paper on moving blanket 184 x 203cmThe Endless Seed of Mystery, 2018 Acrylic, dye, ink and paper on moving blanket麦克挖掘移动毯子作为影像平面的可能性——布料缝纫中固有的几何图形、受其功能所支配的耐久性，还有移动毯子的象征——一个能吸收情绪的空间。其中一件作品《We make it easy, you make it home》（ 2020）用上鋥亮的橙色毯子作为至上主义构图的背景，构图由多幅书页以有系统的方式黏附在表层上；一些染有颜色书页和绘画作品贴于白纸之上，一张被涂上颜色和处理过的开普提瓦岛报纸跨页，而另一张则是从平装小说撕下来的发黄书名页，签了前物主的名字。Tent,2015 Dye,acrylic,coffee grounds,reclaimed quilts,oversized grommet,assorted microfiber blankets,and mtal tent armature 272 x 312.5 x 353cm
Domestic Umbrella as Backyard Band, 2016 Canvas umbrella, wooden dowels, Asian folding fan, metallic tartan, corduroy plaid, cotton, dye and acrylic, with grommets and zip ties 299.7 x 269.2 x 238.8 cm艾克·麦克自认是画家，但作品很少遵从传统绘画“画布/画框”的形式，更多为触感十足的组合拼接，用旧织物、旧衣服、搬家垫、破布头，动态结合照片、书和杂志的撕页，拓展并变革了绘画的概念。他把色彩、形式和材料当做构图语汇的元素，把脏污或染色的布料作为主要介质，宣示他的艺术实践源自在扩展领域里对绘画的探索；同时，其作品占据并转换了空间，证明了它们又具有雕塑性质。To Fold,2015 Dye,acrylic,and thread on moving blanket 206 x 162.5 x 25.4cmPain After Heat, 2014 Rope, paper, acrylic paint, dye, ink, dried orange peel, wood, plastic, magazine pages, and grommets on quilted moving blanket 236.2 x 167.6 x 213.4 cm他鼓励观者与作品建立更亲密的关系，透过把作品摺叠、扎紧、悬挂，甚至把画作吊于半空中，让观众于其中自由活动——在其装置艺术的元素中，甚至是在其下游走。例如，他使用工业批量生产的搬家垫，借这个在画廊和博物馆布展时常用的东西反映出辗转行进的感觉，也暗示艺术家流浪不安的生活。组合材料种类繁多，创造出反等级的体系，他拒绝将现成制品凌驾于手工制品之上，拒绝将一种历史凌驾于另一种历史之上。他的绘画模糊了实用与风格的界限，深入吸收了解构与重构的二元性。Bag,2015 Travel bag with acrylic and dye 91.5 x 53.5 x 53.5 cm他使用来自积攒和搜罗来的材料，尽力抗争时尚与艺术之间的分歧。他小时曾在其父的服装折扣店打工，从小对时尚世界着迷。他所用的材料五花八门：有的漂亮，有的实用，大多为丢弃或不再具使用价值的纺织品，借此探寻不同材料如何反映不同身份。
Untitled（dwelling），2015 Acrylic on pegboard with twine，rope，and paper 241.5 x 211 x 160cm他们的身体和衣服之间的关系使这种形式带有一种结构感。与之相似，观看者在观察或消费艺术品或物品中的作用赋予了这一行为价值与光辉时刻，即为艺术品（商品）最神圣，因为它反映出价值体系的变化，尤其是在我们身处的残酷世界当中，观看者在考虑艺术品或服装时，会抽离自身之外展现出一种自我体现的感觉——这是一种转移的行为。Pelle Pelle，2017 Micorofiber blanket,polyester,and silk curtains 254 x 480 x 10cmPeople say that I'm so funny and I'm like no I'm just a hot ass mess and y'all be laughing at me,2017 Aluminum flagpole,acrylic,dye,cotton tarp,crystal decal, cardboard, paper,wooden clothes hanger,and cotton overcoat 330 x 302.5 x 424 cmUntitled (set drape), 2019 Assorted fabric, scarves, cotton, polyester plaid, pins, rope on a metal curtain rod 213.4 x 183 x 289.6 cmQ：首先应该说你是一个画家，尽管你的作品在建筑上引起了越来越大的共鸣，并且一直与其他媒介——雕塑、时装设计、布景设计、版画——进行对话。坚持自己是一名画家对你来说意味着什么?对你来说是一种伦理陈述还是一种方法论?A：我提醒自己，绘画起初是一种易变的媒介。我的任务是不断革新这一不稳定性。我的作品是从一系列关于绘画的问题中具体化的。它在是与不是之间。表面的细微感受，光、颜色、纹理的使用，也承认超越美学的用途。在经历了多次终结之后，我觉得绘画变得更加复杂，这一点是很重要的，因为它与日常生活融合在一起。我感兴趣的是为这段历史增添新的内容。绘画需要一种洞察力，谈论绘画也有表现性的东西——这感觉就像是讨论作品如何识别的政治区别。我研习绘画的方式与解决我对这种媒介的对抗有关。这几乎就像是一套信仰体系。Wales Bonner, Mumbo Jumbo AW19Q：在你与格雷斯·威尔斯·邦纳（Grace Wales Bonner）合作的背景下，见证你作品的可塑性是令人难以置信的——时装秀、表演和装置。你们俩是怎么认识的？A：2016年，我们在伦敦卡姆登艺术中心举办的由杜罗·奥洛乌（Duro Olowu）策划的“Making & Unmaking”群展开幕式上相识。我在Instagram上看过她的作品，在圣马丁中心的毕业展上也看过。Implied Reebok or Desire for the Northeast Groover, 2016Q：你和格雷斯有什么共同点？你们是以相似的方式研究布料，还是仅仅是一种共同的意境？A：我认为这是一个共同的意境。很难对设计师说，你觉得自己是他们理想的穿着者，你认为他们的作品是为你设计的。我记得告诉过她，然后她告诉我她可以在巴黎世家看到我(笑）Q：你最近在蛇形画廊的合作中展示了你的两件作品。其中之一,《A Lesson in Perspective》(2017),以前在英国的波罗的海当代艺术中心在盖茨黑德展出过，它以这样一种方式被安装，它确实消解了空间——它几乎使建筑失去物质化，而你有一个在作品中间和周围的表演者。在蛇形画廊则完全不同，件作品是一个群展和威尔士邦纳时装秀的一部分。你对你的画作的不同展示方式有什么看法?A：我喜欢把《A Lesson in Perspective》放在The Historical Box展览中的这一挑战。延伸，支撑空间，但也在墙壁之间创造自己的空间，创造自己的交互路线。我可以用这个作品实现一定程度的收缩，所以这是一个角度的游戏。作品碎片上的切口最终变成了移动的画框，透过它你可以看到房间的其他部分。那件作品完全是关于透视法的发明，而正交线实际上是一条现实中的绳索，将作品延伸到外围。A Lesson in Perspective, 2017 Wool net curtain, tent cover, acrylic paint, linen, silk, polyester, velour Panel 1 : 315 x 180.3 cm Panel 2: 322.6 x 109.2 x 375.9 cm Panel 3: 215.9 x 487.7 cmQ：是的，非常类似于文艺复兴时期的绘画透视器，比如布鲁内列斯基或丢勒会用这些细线产生平行线消失在消失点。但是你在消失点放了非常不同的物体-远处不是一个长方形会堂，而是一个表演者的身体或大卫·哈蒙斯的作品。A：完全正确。我也在思考关系和交流，沟通和距离。我也这样看待色彩。我考虑的是接近性——浅粉色到饱和的红色之间的距离。一个火红的洋红是非常正面的与米黄色是那么的远，以至于似乎褪色到墙壁。我想到的是强度，热量，是现实中的——光的条件，这些都是以有形的形式物化的绘画游戏。Thin Love, 2020 Acrylic, ribbons, paper, and fabric on moving blanket 213.4 × 175.3 × 137.2 cm
Small Talk, 2018 Acrylic, cotton, crystal decal and paper on moving blanket Panel 1: 61 x 203.2 cm Panel 2: 177.8 x 203.2 cmQ：你的作品最吸引人的地方之一就是让观众意识到博物馆建筑的奇异之处。你在布鲁克林博物馆大厅的展览当然做到了这一点——它让你注意到入口和出口，你可以钻进去和固定的东西，光线的质量以及它如何影响作品的颜色。有时你的作品完全重塑了我们对这个空间的体验——就像你在作品中，而不是在大厅里。A：在那场展览的其中一件作品《Seat Pleasant》（2019年）中，这种织物以一种我想象报纸在被裁之前的那种方式夹在柱子之间——它如何夹在印刷机的滚筒之间，几乎肯定了织物的平整度。织物的长度可以让它在某些地方有绘画的平面感，但在其他地方也可以容纳房间。我以前认为这些作品是抽象的绘画，其中的风景被简化为一条线，但也有一条线作为地平线，一天的标志，身体的痕迹。同样，它也可以只是装饰或美学。
Q：物体在这些作品中扮演什么角色？我知道你可以通过绳索，通过长距离的织物，通过染料和色彩的条纹，或线性运动来探索线条，但是作为作品一部分直观的物体呢？比如作品《The opposite of the pedestal is the grave》（2017）中的梯子和铁丝网。A：因为雕塑本身并没有太多东西阻止它被使用。但它也最终成为了雕塑的基座。而这一块铁丝网是关于破裂，繁荣和关闭，在你的手中把铁丝网卷起来-创造一些颓废和复杂的东西，并将网格覆盖在上面。这件衣服里的床裙是用荷叶边做的，上面有我在佛罗里达买的二手店的标签。然后是牛仔帽，铝杆，叉子，还有残破的栅栏……那只是造型的问题。关于Buffalo风格。Eric N. Mack Lemme walk across the room NSUQ：所以你所描述的本质上并不是真正的组装，而是样式化，试图找到一种方法让看似不同的元素结合在一起。我们如何把这两种颜色放在一起?我们怎么把这块铁丝网和另一块完全不一样的东西匹配呢?A：我们如何使矛盾同时成为和谐呢?矛盾中不可能的和谐。Blue Duet II, 2018 Polyester and silk organza 249 x 274 x 284.5 cmBlue Duet I, 2018 Bleach, polyester and silk organza 249 x 274 x 284.5 cmQ：从室内走到室外，你第一次在室外创作是什么时候？A：我做过一些户外的夏季展览，在那里人们的房子里可以经受住雨水和泥土之类的东西。但我认为我在耶鲁诺福克艺术学院的大部分作品都是在外面完成的。在室外倾倒树脂时，树脂会从画布上掉到泥土里。我在那里做的其中一件作品涉及到给画布的残片染色-我在上面画画，漂白，只是做了这幅作品的一切。它看起来像弗兰肯斯坦的怪物!但我试图为它找到一个完美的结构。我发现最完美的结构其实是混合树脂，然后把它倒在一边，这样碎片就会变硬。它几乎是一个L形。它有点卷曲和变形，很僵硬。但它不是硬扁的。最后变成了这个现场的外壳。边缘仍然存在磨损。
Artist Eric N. Mack's Desert X installation Italic textHalterItalic text (2019) uses the site of a defunct gas station at the edge of the Salton Sea.Q：你有一个令人不可思议的作品，《Halter》在Desert X沙漠艺术展，你用老式米索尼面料包覆一个破旧的加油站，坐落在科切拉山谷的萨尔顿海边缘。如此大规模的户外创作，你是如何看待这项创作及其与景观的关系的？A：有不同的挑战，元素的变化。我会说，我意识到了脱水、风等等问题，这些你在沙漠中联想到的典型事物。但事实是，人们居住在那里，并且已经在那里生活了几代人。这是一个文化空间，而不是一个空荡荡的景观;它有自己的历史和人类的痕迹。我们在离Slab City和Salvation山等地标不远的地方放置了装置。即使在人们生活困难的地方，文化仍然存在。作品以某种方式标记了风景，承认了人的存在，一个人类的标记。Artist Eric N. Mack's Desert X installation Italic textHalterItalic text (2019) uses the site of a defunct gas station at the edge of the Salton Sea.Q：肯定。与许多关于大地艺术的论述相对的是那些传统上被认为是基于消除的，关于“未开发”地域周围的语言，以及那些空无一物的景观的航空照片。A：我的意思是，这个地方已经存在了。我在考虑被遗弃，中产阶级化，等待改造的东西，准备被接管。我在考虑举办一个双年展，为开发商和公司服务，让他们临时以艺术家身份介入、突出或承认建筑空间的某些复杂性的场所，甚至是平凡的建筑空间。我想知道像《Halter》这样的作品如何与当地建筑联系起来，它如何使用之前的语言，并通过融合将其带入当代空间。Floral Expressions of harlem,2017 Acrylic,dye,paper,and pins on moving blanket 207 x 226 cmQ：这让我想起了你在伦敦Simon Lee Gallery的展览Misa Hilton Brim（2018）和那些带有活动毛毯的作品，或者你如何将地毯或织物挂在墙上取暖。当我第一次在哈莱姆的工作室博物馆遇到你的作品时，你已经在处理遮盖的问题了——你有可以包围和穿行作品了。它让我想，“什么样的人或东西会占据这个结构？”你的很多作品都暗示着你的身体，不管是围场的问题还是你真的可以穿这个。观众的身体在你的作品中扮演什么角色?A：我觉得我在想的是一种感觉——一种浪漫的渴望，或一种集体的姿态，试图做出一些在某种基础上能被感知和共情的东西。通常是通过物体的外观来理解它的触感。这就是眼-手的关系，视觉上的接触。这就是为什么手掌对我来说是如此重要的空间手势。我经常思考这些空间，以及它们如何影响观众——就像被包围、被覆盖、被安置一样。一种类似于穿东西的体验。这种滑动对我来说总是很有趣——风衣和尼龙帐篷之间的区别。但这不仅仅是一个特定的身体，它还涉及到一个集体的身体，或者更大程度上理解被包裹或保护意味着什么，以及在某种程度上容易受到伤害和暴露。Misa-Hylton Brimm Installation view at Simon Lee Gallery, London, 2018 Courtesy: artist and Simon Lee Gallery, LondonQ：有时候，一个单一的、意想不到的项目能让你真正感受到创作的规模。在布鲁克林博物馆的展览上，对我来说，是衣架上的衬衫，因为我看着衬衫说，“我可以穿那件衬衫。”相比之下，我觉得这件作品是多么的巨大，包裹着其余的作品，但是因为有一件特别的东西，可以说，就是我的尺寸，我的身体与这件作品有关，对吧？A：是的，在罗斯科的作品中，有一些关于手的测量或身体的转动半径的东西让它变得真正的崇高和不朽。你能感觉到天平的大小。艺术家金允宁(Byron Kim)说，他一开始画的是自己的手臂，那是早期纽约画派的绘画方式——对于个人，那是关于身体和一种舞蹈的编排。Misa-Hylton Brimm installation view at Simon Lee Gallery, London, 2018
Q：我们能谈谈莉儿·金（Lil' Kim）吗?她是你创作的重要灵感来源。A：天哪，我的意思是，莉儿·金对我来说是说唱音乐中超女性的原型的开始，但她也是一个矛盾。随着时间的推移，我逐渐把她视为一个脆弱的偶像，但我想把我认为的脆弱和软弱区分开来。她是女性说唱歌手的典型代表，让我们思考该如何看待她们的创造者。她很遭人厌恶，但还好。她在控制。她宣扬性正面。我记得看到一个视频!她主持的MTV说唱节目就在波道夫餐厅前，当她走进去的时候，你可以看出她很兴奋!就好像她从没上过电视一样。她一边读提词器一边跟Biggie说话，她就像在说"我知道，Big，我在演我自己，但是，你知道的。我要进去看看钻石，都是关于那些闪闪发光的钻石，你知道吗?”(笑)。这太诚实了。她早期的“天真”只是单纯的诚恳，在时尚能够接受她作为它的代表之前，她已经准备好成为时尚的代表。Andre Walker在时装技术学院的一次演讲中说过:“关于‘天真’这个主题，我非常痴迷于某件东西(设计师)。”他谈到了成长，记得读过他妈妈的《W Magazine》杂志，看到一个Chloé上有一位美女的广告，他就想，“哦，Chloé一定是她的名字，”但几个月后意识到每次都是不同的女人。这将是我的一个作品的标题《Chloé只是照片里女孩的名子》——我必须在未来以某种方式使用它!In austerity, stripped from its support and worn as a sarong, 2019 The Power Station Dallas, TXDye Lens, 2019 Scrap Metal Gallery Toronto, CanadaQ：在你现在的作品中，你会在多大程度上回到那个时期——90年代末和21世纪初，那时你还是个青少年?你的Simon Lee 展览甚至是以(造型师)米莎·希尔顿-布里姆(Misa Hylton-Brim)的名字命名的，她当时与莉儿·金(Lil ' Kim)合作过很多次。A：问题是，米莎·希尔顿-布里姆(Misa Hylton-Brim)是幕后工作人员，她做了这些造型，而利尔·金是作品的完美通道。她说了她所有的话，她通过衣服表达了自己——一切都天衣无缝。我还对当时这些意大利家庭时装屋的意义感兴趣，它们象征着什么，然后看到这个来自布鲁克林的黑人女孩以如此奢华的方式穿着这些东西。亮片，毛皮。鉴于最近发生的所有这些blackface事件，比如古驰和普拉达，我一直在想，它传达给我们，传达给非洲裔美国人的是，我们没有预料到。也许我们从未被期待过。你想想当莉儿·金开始穿着香奈儿紧身衣和范思哲的时候，她的出现——这是关于她体现这个品牌并使之成为自己的品牌。但是种族主义和古典主义的区别使这些世界无法相互联系。汤米·希尔菲格花了很长时间才意识到，他们需要把90年代的衣服带回来，才能真正再次出现。Eric N. Mack: Lemme walk across the room, 2019 Brooklyn Museum NY, USAQ：我认为你创作中的一些表面以非常微妙的方式与这些对话进行谈判。我记得2017年去了巴塞尔美术馆，看到了你的《Parade》（2016），这作品构图中心放置王子的形象。感觉非常不同凡响。A：王子的照片对我来说在某种程度上是一种肯定——事实是这是一张梅普尔索普的照片，事实是这是一个十几岁的王子，在一块格子布上的谈判，一种面料的样本。这些是我想挖掘的异常性。Parade, 2016 Tartan fabric, suitcase fragment, newspaper page, fashion magazine page, cardboard, cotton, rope, twine, thread, grommets, aluminum curtain rod, dye, and acrylic paint 198.1 x 175.3 x 5.1 cm
the Abstract, 2017 MASS MoCA North Adams, MAVogue Fabrics, 2017 Albright-Knox Art Gallery Buffalo, NY
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作者：库艺术KUART
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