艺术十二问与答？

                          沈其斌、仇德树

 1. 你如何评价中国当下所谓的“当代绘画”？你认为它存在的问题是什么？你是如何保持警惕的？

 

仇：据说这是某些西方人士用西方当代艺术的价值标准在中国培育出来的样板图式，我不是太清楚。目前我只感觉有过度炒作的问题，其它的我不知道，也许我关注不够，时间太短。时间会做出评介。

 

2．你认为你的绘画有些什么个人特色？你如何评价自己的绘画语言和样式？

 

仇：宣纸被我撕裂、重组、裱托，这是我创作每幅作品的开始阶段。用以表达“裂变”的理念。事实上在创作中，因没有前例，我只能独创新的技法或使用发现新的材料才能完成它们的表达。我放弃了传统的笔墨规范，也不受西方当代艺术框架束缚。

裂变——万事万物永远都在分裂与聚合之间演变，细胞分裂产生生命，能量大爆裂产生宇宙。在创作中撕裂宣纸的行动和留下的裂痕是表现人和自然的创伤与本质。

悲痛，屈辱，磨难，撕心裂肺的创伤会激发超常的能量，就像战争和灾难，锻炼和增强了人类文明建设和复兴。裂作为一种艺术理念有独特性和时代性。因为我们生活在裂变时代。当原子能、核能在裂变的时候，我们特别需要体验伤裂启示的反省。

裂是悲伤的、平凡的、非凡的，变化的、审美的，它能激发起无限的想象力和精神力量。是我的哲学，它昭示人性中最可贵的东西。而且我发现它可以被创造成为新的艺术形式，有视觉性。 

我的每一件作品都是我的理念储存，居住的建筑。建筑当然要经得起千秋万代的考验，在此，材料、技术、形式、结构、空间自成体系。独创性和长期努力的连续性决定它们不时尚，不跟风，但它们是这个时代思考后留下来的东西。

我喜欢山水画的符号和传统绘画的阅读方法作为“裂变”的载体。我希望我的山水画有新时代的精神面貌。在创作过程中，我充分挖掘宣纸的材质特性。通过对宣纸的多次、多层的撕、裱、磨、雕的技法，结合丙烯颜料的特性，丙烯颜料在性能上比传统国画颜料有不少优点。偶然性与可控性达到新的视觉冲击力。   

客观的讲，“裂变”，这是当代新画种，是我的绘画语言。从1982年开始，我一直在此独自奋斗。它既不同于古人，也不同于洋人，与众不同。只有我这么做，这就是我的特色——唯一性。我的艺术是面对现实，表现当代人性的艺术。 

 

3．你在你的绘画中主要想表达什么？为什么一定要用这样的方式？它具有可替代性吗？

 

仇：我要表达“裂变”。我用自己创造的方式是因为没有现成的更好的方式可以表达我的理念。它没有替代性。但我已在酝酿让理念从平面绘画走向空间。当然相关材料，技法和方式也要改变，这是延伸、拓展、深发和自我超越，不是替代。

 

4．你的绘画是否充分表达了你的观念？你认为那些方面有待改进或有空间？

 

仇：我的绘画是充分表达了我的理念。“裂变”理念可以是用抽象形式直接表达，也可以用意象的山水、人物、花卉、建筑等等含蓄表达。在色彩上，材料上也没有局限。在空间上可以从平面绘画向雕塑、装置扩展。自我挑战和改进的余地还真不少呢。

 

5．你和绘画是一种什么样的关系？你为什么用绘画来创作？你有可能放弃绘画吗？为什么？

 

仇：绘画是我生活的重要部分。从幼儿开始就喜欢用笔涂鸦，从那时起从未间断。在任何情况下我都不会放弃绘画。

 

6．绘画在你艺术创作中占什么样的比重？有什么样的关系？

 

仇：因为绘画已是我的生活常态，是我的精神支柱。我活着最有意义的就是不断有新作产生。 

 

7．你认为未来的绘画会怎样发展？你理想中的中国新绘画会是什么？

 

仇：要客观和尽可能完整的研究西方现当代艺术史。关键是去粗取精。这是找准中国新绘画方位的主要依据。在此我重申“独立精神，独特技法，独创风格”仍然具有积极的价值和意义（这是我在1979年发起组织草草社时提出的结社宗旨）。我重申，“独立精神”的意义，现在比30年前更需要“独立精神”，在金钱和市场经济横行的时代，似乎普遍认为价格就是当代艺术品标准、价值和努力方向。艺术本身的魅力被拜金主义者轻视了，艺术本质是比较复杂的，中国新绘画离不开独立思考，离不开当代中国艺术家个体性的特色，离不开人类能够理解共通的艺术语言。

 

8．你如何看待中国的传统绘画？你的绘画和传统有什么联系？为什么？

 

仇：在中国传统绘画中有不少值得我们敬佩和自豪的经典作品，它们构筑成古代东方文化的巅峰。它是在非常漫长的历史长河里逐步完善、沉积和深入中国人内心的绘画艺术。特别是传统的山水画几乎可以称为我们精神家园。但是现在我们面对全球化的经济、科技、文化的大发展，大交流，大竞争。一切都在发生裂变。传统绘画也面临必须裂变与创新，只有创新才有生命力。下面重点谈谈我的四点创新。

   首先我发展出一种绘画方法。我在宣纸半干半湿时，在撕裂宣纸的同时和绘画一起操作。当画面形成后，用传统书画的裱托方法把它们整体地裱托起来，显然这比西方的拼贴方法有效。我把传统绘画装裱工艺发展成绘画创作的新技法。

   其次我创造一种新的绘画线条“裂”。因为宣纸在半干半湿时被撕裂，在边沿会留下“毛口”，它们像海岸线，天趣自然。“裂痕”具有强大的表现力。粗、细、长、短，可以自由组合。黑底色衬托白裂线，白底色衬托黑裂线……。它们可以接纳各种颜色。在传统绘画中，笔墨的最高境界就是天趣自然，此为天意，天人合一。现在我们可以在绘画中看到天趣自然的本身就是“裂”。它的源头在东方文明初创期，在甲骨文的龟壳上，古人就根据天意“裂”算命占卜。上千年来，中国宣纸是我国传统绘画的主要材料，是水墨画载体。现在它的功能被改变了，它撕成各种裂线，组成艺术的形式之美，它的材料个性被重新发现，被提升为绘画本身，直接成为审美主体。

   第三点，我发现宣纸有可雕塑的特性，对于这一点，没有看到我作品原作的人，我很难用文字表述清楚。就像“气韵生动”只能和悟性产生联想。是的，这只能是超薄型的雕塑，它的微妙变化恰恰是我作品的一大亮点。我通过擦、磨、雕、挖等新技法，使作品产生灵气和激情。并且进一步发挥宣纸的材料个性，丰富扩展了宣纸所特有的表现力。

   第四：为了让颜色产生“可控制的偶然性”，也为了让颜色与撕裂宣纸的画法和宣纸材料的个性美充分地结合。我使用颜色的方法都是先涂在其他宣纸上，再通过裱托，埋藏在下层或下下层。上层宣纸因经过撕裂，再经过擦、磨、雕、挖，一部分原先埋藏的颜色就透出来，或者局部透出来。另一部分就永久埋藏在下层，被上层洁白的宣纸遮蔽掉，或者局部遮蔽掉。可控制的偶然性颜色效果就这样产生了。对所有（包括西方）使用颜色的绘画来说，这是颠覆性的，独创性的结构调整。这种颜色技法的独特效果是整体性的艺术创新的需要，没有先例。

   以上四点创新是我的艺术和传统的联系，对传统的贡献。因为我是当代的中国人，我要用艺术表达我的主见，爱护自己文化的根。

 

9．你的绘画在美术史上下文中是一种什么样的关系？你觉得哪一点你有所收获或有所突破？还需要在那些方面进一步实践和探索？ 

 

   仇：1979年我发起并组织了“草草社”。在草草社的宗旨里明确提出了“独立精神，独特技法，独创风格”为艺术纲领。它在中国改革开放的元年就已经意识到艺术必须特立独行。这是中国新时期绘画走自主创新道路必须跨越的难题。在中国新时期的美术史，“草草社”及其“三独”特性具有敏锐性和针对性。对于当时普遍存在的保守跟风、不作为等社会上流行的不良习气，敢说敢做，它的批判精神和深远意义必将名垂艺术史。从1979年到1983年，我在艺术实验中先后创造了一些新技法新形式。例如：流动泼墨法，印章归朴法，力透纸背法，书法抽象法和灵异符号法等等，这些作品已进入机场收藏，编入美术史册。“三独”艺术特性一直在我创作中发挥指导作用。1982年某天，我发现“裂”的意义。这些裂痕具有人类能够感悟到的历史沉淀与创伤。具有大自然天工开物的美感，非常平凡，非常不平凡。有了“裂变”的艺术哲学。一个独特的理念，四个与此相应的技法材质的创新，组成了全新的图式语言，它们是一个整体，综合了思想观念、材料技法、形式语言创新，是经过独立思考，经过整整30多年努力逐步趋向完美的艺术，也是“草草社”三独特性的结晶。毫无疑问在我的有生之年，这就是最值得我奋斗，超越，发展的东西。

 

10．你怎样看今天的绘画市场？你对艺术金融化的趋势有怎样的反应？你有些什么样的准备？

 

仇：我是一个职业画家，但对艺术市场整体情况一直不太了解。当然我希望艺术市场少一些急功近利，多一点人文关怀，艺术金融化的趋势，对艺术的推广对艺术产品的生产和艺术家会产生重大影响。对艺术家是一种机会，更是考验和挑战。我认为艺术家应牢牢扎根在自己的岗位上，促进和激发自己内在的创造力，好的艺术家一定要有“定力”，尽量减少外界对自己艺术发展不利的负面影响。

 

11．作为一名艺术家，你觉得最重要的是什么？对你所认为的重要性你是如何把握的？

 

仇：艺术家最重要的是对艺术创作有特别浓厚的兴趣和好奇心，所以他总是会非常自觉一门心思投入在创作之中，不太关心结果会如何。不太在意外面如何变化。我就是这么做的。我没有刻意的去把握它，喜欢画画是我生来就有的习性。其中的乐趣变成了我的生活核心。

 

12．你如何看待艺术中的批判性？你的自我批判表现在哪里？

 

   仇：我看艺术家的批判性是在其作品中流露的，譬如在作品中有独特的表现而突破常规，就是对跟风、守旧的批判。在作品中一目了然，与众不同，挑战自我，超越自我，不断创新，敢冒风险，是切实的自我批判。它们都反映在我的作品中。批判性不一定是教导式的批评或赞扬，坚守、沉默或者行动，都可以有批判性。批判性的关键是有主见。

 

 

 

12 Q&As About Art

Shen Qibin & Qiu Deshu

 

1. What do you think of so-called “contemporary painting” in today’s China? What kind of problems do you perceive in it? How to keep alert to that?

 

Qiu: It is said it’s a kind of pattern fostered in China by westerners and evaluated based on the value criteria of western contemporary art. I’m no expert of that. But I do feel the problem of excessive speculation. Anyway, I believe time will give us an answer eventually. 

 

2．What do you think are the features of your painting? How will you evaluate your own painting language and style? 

 

Qiu: Rice paper is torn, rearranged and mounted by me. It represents the beginning of the creation of each of my work, highlighting the concept of “fission”. As there’s no precedent to follow, I have to resort to new and original techniques and materials to fulfill the expression. I give up rules of traditional ink art and break away from the framework of western contemporary art. 

Fission – Things are constantly splitting and aggregating. Cell division gives rise to life; and energy explosion, the universe. The action of tearing rice papers and the cracks hereby created embody the trauma of men and nature. 

Grief, humiliation, hardship and heartbroken trauma will inspire drastic energy, just like wars and disasters tend to be an opportunity to enhance the construction and revival of civilization. Fission, as a concept of art, features a distinct sense of time. We’re living in the era of fission. When atomic energy and nuclear energy are in the process of fission and fusion, we particularly need to ponder and reflect on the enlightenment brought about by the trauma of fission. 

The ordinary, the extraordinary, the grievous, the changing and the aesthetic are all contained in fission. It has the potential to inspire boundless imagination and spiritual power. It’s my philosophy, highlighting some of the most precious things in humanity. And I also find that it can be further developed into new art forms with visual power. 

Each piece of my work embodies a dwelling for my ideas. Since it’s a dwelling, it needs to withstand the test of time. In my case, the materials, techniques, forms, structures and space have a system of their own. Originality and unremitting efforts prevent my works from being seen as popular and “in”. But they are the results of my reflection upon the era. 

I like to use symbols of landscape painting and the reading methodology of traditional painting as a way to realize “fission”. I hope that my landscape painting can cast some light on the spirit of the new era. During the creation process, I try to explore the character of rice paper as much as possible. Combining the characters of acrylic with repetitive tearing, mounting, grinding and carving of rice paper, the advantages of acrylic comparing to traditional Chinese pigments are hereby highlighted. The contrast between contingency and controllability gives rise to a kind of fresh and impressive visual impact. 

Objectively speaking, “fission”, a new perspective of contemporary painting, is my painting language. I’ve set out on the journey alone since 1982. It’s different from both the past and the west. I am the only one who deal with art in this way. It’s my signature. My art is to confront the reality and manifest the art of contemporary humanity. 

 

3．What do you want to express in your painting? Why does it have to be expressed in this way? Is the methodology replaceable? 

 

Qiu: I want to manifest the idea of “fission”. There’re no existing methodologies that can well fulfill the goal, so I invented a way of my own. It’s irreplaceable. I’m also thinking about to make two-dimensional painting into three-dimensional. Certainly, if that’s the case, materials, techniques and methodologies also need to be adjusted accordingly. It’s a kind of expansion, furthering and self-transcendence, and is also irreplaceable. 

 

4．Have your paintings expressed your ideas fully? Do you think there’s room for further improvement? 

 

Qiu: My paintings express my ideas fully. “Fission” can either be directly expressed in the form of abstraction or by means of subtle and non-figurative images such as landscape, human figures, flowers and architecture. There’re no limits in terms of colors and materials. And two-dimensional painting can be further developed into sculpture and installation. There’s plenty of room for further improvement and development. 

 

5．What’s the relationship between you and your painting? Why do you choose to express yourself in the form of painting? Will you quit painting some day? Why? 

 

Qiu: Painting is an important part of my life. My passion for it can be traced back to when I was very young and it never decreases. I will never quit painting. 

 

6．What role does painting play in your art practice? 

 

Qiu: Painting has already become an indispensable part of my life. It provides me with spiritual support. The meaning of my life lies in the fact that I continuously create new work. 

 

7．What do you think is the future trend for painting? What’s the ideal state of  Chinese new painting in your mind?

 

Qiu: A key for the future direction of Chinese new painting depends on the ability to separate the wheat from the chaff and to study the history of modern western art as objectively and comprehensively as possible. I need to reiterate that “independent spirit, unique techniques and original style” is still of great value and significance. (It was the mission statement of Grass Grass Group, an art club I initiated in 1979.) Faced with an era in which market economy prevails and money is an important driving force, the importance of “independent spirit” is even more prominent. Nowadays more and more people tend to deem price as a key criterion to evaluate the value and development direction of contemporary artwork. The glamour of art per se is diluted by mammonism. The nature of art is highly complicated. Chinese new painting cannot develop well without independent thinking, distinct characters of contemporary Chinese artists and an art language that can be commonly accepted and understood. 

 

8．What do you think of Chinese traditional painting? What’s the connection between your painting and traditional painting? Why? 

 

Qiu: There were many masterpieces in the history of Chinese traditional painting that I admire greatly and feel proud of. They formed the peak of ancient eastern culture. Chinese traditional painting, as a marvelous achievement of the development of China’s long and brilliant history, touched upon the heartstrings of Chinese people. Traditional landscape painting, in particular, could be seen as the spiritual homeland of Chinese people. However, nowadays we’re faced with increasingly globalized economy, culture, science and technology, which lead to not only more communication but also more competition. Everything is experiencing the process of fission. Traditional painting must also face fission and innovation. Only through these can it gain new verve. Now I’ll talk about the four innovations I’ve made. 

   Firstly I develop a new painting method. When the rice paper is half wet half dry, I tear and paint on it at the same time. When the painting is done, it would be mounted in the way how traditional painting and calligraphy were mounted. Evidently, it’s more effective than the western way of collage. I develop traditional mounting process into a kind of new painting technique. 

    Secondly, I create a kind of new lines of painting – “fission”. As the rice paper is torn when it’s half wet half dry, the edge would be rough instead of smooth, making it look like natural coastline. “Traces of fission” are highly expressive. Whether they are thick or thin, long or short, they all can be combined freely. White fission traces are highlighted by black background, and vice versa. All colors can be embraced and integrated together. In traditional painting, the ideal state of brushwork is to harmoniously integrate man with nature. Today viewers see that what’s natural in painting is “fission”. The origin of “fission” can be traced back to the beginning of eastern civilization. The ancient people tried to tell fortune according to the natural “traces of fission” on turtle shells. For thousands of years, rice paper has always been a major stage for Chinese traditional painting. But now its function has changed. Rice paper is torn into pieces, giving out a sense of beauty of formalism. As the character of such material is re-discovered, rice paper is advanced to the position of painting per se, the subject of aesthetics. 

    Thirdly, I notice that rice paper can be sculptured. To those who never see my work in its original form, it’s hard for me to describe. In a way, it’s similar to vivid charm, a key principle of Chinese aesthetics which usually takes some sudden inspiration to apprehend. My work has to be in the form of ultra-thin sculpture, and the subtle sense of changes revealed in it is a highlight of my art. Through scraping, grinding, carving and digging, I try to imbue the work with passion and a sense of fluidity. Moreover, the character of rice paper is also magnified, further enhancing the unique expressive power of this very traditional material. 

    Fourthly, in order to let the colors give rise to a sense of “controllable contingency” and to perfectly combine the colors with the “traces of fission” and the character of rice paper, I often paint the colors on a piece of rice paper in the first place, and then put that underneath another piece of rice paper through mounting. As the rice paper on top would be torn, scraped, ground, carved and dug, during the process some of the colors underneath would infiltrate to the surface. In the meantime, some of the colors would be prevented from emerging by the rice paper on the top. Such a process gives rise to the effect of controllable contingency. It can be seen as a somewhat subversively innovative structural adjustment of painting featuring colors. The unique effect caused by the new techniques dealing with colors is so innovative that there is no precedent to follow. 

    The above-mentioned four innovations are the connection and contribution of my art to the traditional. As a contemporary Chinese man, I want to express myself and to show my sincere passion for the root of our culture by the means of art. 

 

9．How will you describe your painting in the context of art history? What breakthrough did you make? Where do you think need to be explored further? 

 

   Qiu: I initiated Grass Grass Society in 1979. In its mission statement, “independent spirit, unique skills and original style” was put forward and emphasized. In the very beginning of China’s opening up, the society had already realized the importance of independence to art. Now it’s a tough problem that Chinese new painting has to face. If we look back upon the history of Chinese modern art, we see that Grass Grass Society and its mission statement showed both vision and keen power of observation. Given the prevailing conservative ambience back then, the boldness and critical spirit shown by the society earned it a place in the history of art. From 1979 to 1983, I invented and tried some new techniques and forms in my art experiments, including fluid ink splash, seal-centered technique, repetitive scraping of rice paper, calligraphy abstraction and supernatural symbols. Those works were collected by the airport and complied into art annals. The influence of “independent spirit, unique techniques and original style” always plays a leading role in my art practice. It was in 1982 that one day the meaning of “fission” suddenly occurred to me. The traces of fission, in a sense, represent the passing of history and the evidence of trauma. They look ordinary and extraordinary at the same time, embodying a sense of grand natural beauty and giving rise to the art philosophy featuring “fission”. A unique concept, together with four corresponding innovations in terms of techniques and materials, composes a brand new painting language. They are parts of a whole, integrating innovations of concepts, materials, techniques and forms together. Developed from the mission statement of Grass Grass Society, they epitomize a higher level of art after over 30 years of exploration. Undoubtedly, it’s the one thing in life that is worthy of my efforts to working on. 

 

10．How do you think of today’s painting market? How will you respond to the financialization of art? What kind of preparation will you make? 

 

Qiu: I’m a professional painter and don’t know much about the overview of the art market. Certainly I hope the art market will be less driven by quick success and focus more on humanity. The tendency of financialization of art will have significant influence on artists as well as the production and promotion of art. It’s both an opportunity and a challenge. As far as I’m concerned, to become a good artist takes “patience and faith”. One needs to stick to his role as a pure artist and try to inspire his creativity without being distracted too much by the negative external influence. 

 

11．As an artist, what do you think is the most important thing? How will you deal with that? 

 

Qiu: To an artist, a pair of fresh eyes and a keen sense of curiosity are of paramount importance. He shall devote all his efforts to his creation without caring too much about the result or the external changes. That’s what I do. I don’t do anything intentionally. I love painting. It’s like I was born that way. The pleasure I gain from it turns to be a core of my life.

 

12．What do you think of the critical nature of art? How do you show self-criticism in your work? 

 

   Qiu: The critical nature of artists is naturally revealed in their work. For instance, unique expression that is beyond the conventional is a kind of critique of routinism. The courage and determination to make a difference, to challenge oneself, to transcend the old self, to innovate and to adventure are practical self-criticism. Such have all been shown in my work. Criticism doesn’t have to be in the form of put-down or compliment. Insistence, silence and action can all be considered criticism. The key is to make a stance. 

 

 

 

 

“法度与自由”的随想

 

新时代创作水墨画，这里的“法度与自由”由谁制订？艺术家的个性不同，追求不同，时代也和过去不同，有时这个“法度”就是“自由”的对手，互相牵制束缚。

你感到水墨媒材和传统的法度给于你的艺术表现的“自由”充分吗？假如当你感到水墨给于你的“法度与自由”和你的新思想发生冲突，或者不合适你的艺术表达所需时，你能不能开辟新画道，创造新画种？使用新技法、新材料？自然就要设立新的“法度与自由”。

我确信，这样的“法度与自由”才真正具有价值。因为水墨毕竟是先贤所创，我们只不过在先贤造就的框架范围内享受“自由”的乐趣。同时不知不觉接受先贤制订的“法度”，而不是自己的，也不是当代的。

艺术家理当在自己的艺术天地里独来独往，称王称霸，为了使自己的作品勇攀高峰，必须自己为自己的艺术确立“法度与自由”。甚至这“法度与自由”需要延伸到“画外”，即艺术家的人生观。

米开朗琪罗的艺术让众人敬佩、心服。我看到的主要亮点不是他的艺术语言，而是他作品中表现出来的不可战胜的精神力量。这位忘命之徒艺术英雄，绝不会放弃“法度与自由”的制订权，因为这是他超越一切的手段和利器。

当代水墨文化需要这种精神力量，每个艺术家都有权为自己的艺术制订“法度与自由”。重视“法度”的自主性是必要的。因为没有自己的“法度”就不会有真正的“自由”。

1979年，我在上海卢湾区文化馆任美工，时值改革开放的春风吹遍神州大地。我发起和组织了“草草社”，“独立精神，独特技法，独创风格”为结社的艺术宗旨。其实这就是一群有活力的中、青年画家在新时期为自己制订的“法度与自由”。为此我险遭牢狱之灾。想不到30年过去了，我们又重谈“方向”问题，真是悲喜交加。

达芬奇用科学精神支配自己的绘画艺术，他的“法度与自由”和波洛克有天壤之别，后者为了释放生命的活力，使“法度与自由”走到了另一个极端。宋徽宗的书法瘦金体与工笔画让观众感受到“法度与自由”是充分的严谨而优雅，八大的书法和写意画则让人感受到他的真诚和潜藏的悲伤。他们都掌握并应用了属于自己的“法度”，才获得了真正属于他们个人的“自由”。这就是个性鲜明的艺术语言。

也可以这样说：人类的艺术发展史是艺术家创作的理念、技法、媒材和趣味不断调整；发现新的“法度与自由”的结果而形成的。水墨画作为一种民族精神的象徵也好，作为艺术的一种媒材、品种也好，我看不出现在的水墨画和其他绘画在“法度与自由”的规律方面有什么根本性的不同。我只是觉得相对传统油画而言，我国传统水墨画的外围可能存在较大的发展空间。我们也需要开拓新的艺术空间，这就  需要我们在水墨文化自身内部发生裂变、重生。对于当代水墨画家来说，如果想让自己的创作有贡献性、建树性、历史性，那么只有两种可能：一、在传统水墨画领域里开疆扩土，突破。二、让传统水墨画升级换代，质变。

                                              仇德树

                                             2012.10.1 

 

Something about Principle and Freedom

 

Who should be entitled to draw up the “principle and freedom” for ink painting in the contemporary context? Artists’ personalities vary. So do their pursuits. And the context of today is different from the past. “Principle” and “freedom” can sometimes turn out to be opponents, restraining each other. 

Do you feel the “freedom” of artistic expression granted to you by ink, water and conventional principle sufficient? When you feel there’s a conflict between the “principle and freedom” of ink art and the new ideas you may have, or when you feel they cannot fully convey what you want to express, can you manage to carve out a new path or create a new category of painting? How will you do that? Through new techniques and new materials? Probably not enough. We need new “principle and freedom”. 

I believe in the value of such “principle and freedom”. After all, Chinese ink art is a brilliant invention of our brilliant predecessors, and most of the time the “freedom” we take pleasure in is within the frame laid down by those great predecessors. In the meantime, the “principle” we take for granted was also formulated by predecessors, rather than by ourselves or by the contemporary context.

Artist ought to have the right to be the king of his art territory and to proceed the way he wishes. He must establish his own “principle and freedom” of art to lift his practice into a new height. And an extension is also to be expected, meaning that the “principle and freedom” should be applied to not only the practice but also the inner world of the artist. 

The art of Michelangelo is a gem on the crown of the history of art. What impresses me the most, besides his language of art, is the invincible and unyielding spirit revealed in his work. The daring artist-slash-hero never waived his right to redefine “principle and freedom”, for that was the key for him to transcend. 

Such a spirit is exactly what contemporary ink culture needs. Every artist should be entitled to formulate the “principle and freedom” for his art. Remember, respect to and an emphasis on “principle” is highly necessary. Without it, there won’t be true “freedom”. 

I started working at Luwan District Cultural Center as a designer in 1979, when the opening-up policy brought a new breeze to China. I initiated an art collective named “Grass Grass Society” (cao cao she) and put forward “independent spirit, unique techniques and original style” as our mission statement. In nature, it was a group of middle-aged and young artists gathering together and trying to figure out the “principle and freedom” of their own in the wake of the emergence of a new Zeitgeist. I was exposed to substantial criticism and only narrowly escaped jail time due to the establishment of this society. It is quite unexpected that some thirty years later we pick up the discussion about “direction” again. It is really a moment when joy and sorrow mingle. 

A trace of dominance of scientific spirit can be perceived from Da Vinci’s painting. His idea of “principle and freedom” was completely different from that of Pollock, whose emphasis on setting free the dynamism of life pushed the “principle and freedom” to go to another extreme. From the “Slender Gold” style of calligraphy (shou jin ti) and meticulous brush painting by Emperor Huizong of Song Dynasty, people sense elegance and attentiveness; while from the calligraphy and freehand style painting by Bada Shanren, sincerity and a sense of hidden grief. From both examples, we see that true “freedom” needed to be realized through mastery of the “principle” of their own. This is what we call the language of art with distinctive individuality. 

To put it in another way, the development of art history is a result of constant evolution of ideas, techniques, media and tastes of artists and redefinition of “principle and freedom”. Whether as a symbol of national spirit, or as a medium/category of art, I don’t see any fundamental difference between ink painting and other types of painting in terms of the development pattern of “principle and freedom”. I just feel that compared to traditional oil painting, traditional Chinese painting may have more room for further development. We need to explore new space for art, which requires us to inspire evolution and rebirth from within ink art. To contemporary ink painters, if you want to make your work contributive, constructive and make a name in history, there are only two possible solutions: 1. to explore and break through from within the realm of traditional ink painting; and 2. to lead traditional ink painting to embrace some substantial changes and upgrades. 

 

                                             Qiu Deshu

                                              2012.10.1

作者：艺术家自助官网