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“弯折的光”展览现场图，2020年6月5日至8月14日，佩斯首尔画廊
佩斯首尔画廊隆重推出群展”弯折的光“（Bending Light），汇集了一系列以光为主要媒介的精选作品，探讨了加利福尼亚艺术家彼得·亚历山大（Peter Alexander），罗伯特·欧文（Robert Irwin）和詹姆斯·特瑞尔（James Turrell）与他们在东海岸的极简主义同侪丹·弗拉文（Dan Flavin）之间亲密的艺术同源性。展览通过并置展示，让这三位“光与空间运动"（Light and Space Movement）关键人物的近作与弗拉文的一件装置作品进行空间和感知上的对话。本次展览将于2020年6月5日至8月14日在佩斯位于首尔龙山区梨泰院路262号画廊空间内展出。
为了向1960年代及之后的加利福尼亚与纽约之间鲜为人知的艺术交流致敬，该展览呈现了彼得·亚历山大从2019年起铸造的聚氨酯雕塑以及罗伯特·欧文同年创作的“非光”系列雕塑，与詹姆斯·特瑞尔于2018年的装置共同展出在画廊空间内。这三位具有开创性的“光与空间”艺术家的作品与丹·弗拉文1984年的灯光装置，在进行安排的布局内进行互动。每件作品从字面上和隐喻上都照亮并反射了周围的其它作品，使人们看到了共同的美学关注点，这些关注点在1960年代后的几十年间在东西海岸的艺术家之间传播交流，互相影响。
彼得·亚历山大在1995年的一次采访中曾说：“纽约无疑是我在六十年代中期所熟知的艺术先驱。别的不说，所有的话题都是从纽约而来的，不管价值几何。”亚历山大对语言的怀疑——他对艺术批评权威的挑战——同欧文和特瑞尔的作品产生共鸣，但它同时也具有与像弗拉文这样的极简主义者一致的态度，后者同样关注语言的局限性。欧文的格言“去看就是去忘记你所看见事物的名称”（”seeing is forgetting the name of the thing one sees“）始终为人津津乐道，而特瑞尔经常将他的灯光作品描绘为“走出”或“超越”语言的体验，弗拉文的荧光灯装置产生的感官体验也同样颠覆语言的叙述。
彼得·亚历山大的聚氨酯雕塑折射而并非制造光线，却同样展现出奇异而美妙的视觉效果。他的作品将液体的色彩凝结成坚固的几何形态，在星云状的朦胧内部捕捉并孕育光线，再将其幻影般地重新散发出来，柔和了雕塑原本坚硬的边缘。这些棱柱形的物体从许多方面来说都是艺术家1960年代突破性雕塑的直接延续。艺术评论家注意到，这些早期的树脂作品往往好似捕捉到洛杉矶天空特有的短暂光线——弥漫着迷雾的高饱和日落，或者是更为浅淡而凉爽的沿岸海面上反射的湿气和云层。
“弯折的光”展览现场图，2020年6月5日至8月14日，佩斯首尔画廊
Peter Alexander, Makes Your Mouth Water, 2020, urethane, 5 units, each 77" × 32" × 1-1/2" (195.6 cm × 81.3 cm × 3.8 cm), overall installed © Peter Alexander
在1960年代中期，树脂和塑料被看作是一种令人兴奋的太空时代新材料，它们与南加州的航空和国防工业密切相关，而詹姆斯·特瑞尔由一位曾担任航空工程师的父亲抚养长大，从小受其影响。从1967年开始，特瑞尔开始创作完全由光组成的艺术品，将发光的几何图形投射至整个空间并穿越空间，甚至避开了灯泡或灯管所提供的材料支撑。《亚特兰蒂斯，中型矩形玻璃》（Atlantis, Medium Rectangle Glass，2019）展示了他一生创作中致力于将艺术品非物质化，变为纯光感体验；就像他的其他作品一样，该作拥有独特的结构，并融入了时间的元素：生动鲜艳的不同色彩相互渗透，随着时间的流逝而慢慢变化，程序不断运行一个观众难以察觉的循环，从而激发了一种超然的体验感，创造了身临其境、变化多端的光线充沛的环境，以及一个引发沉思、内省和敬畏的场所。
James Turrell, Atlantis, Medium Rectangle Glass, 2019, L.E.D. light, etched glass and shallow space, 56" × 73" (142.2 cm × 185.4 cm) © James Turrell
自1950年代以来，罗伯特·欧文的作品不断重塑”何为艺术”的界限，通过探索光线转移、扩展或建立人类基本感知的能力。《贝尔蒙特海岸》（Belmont Shore，2018）属于他的近期作品，由未点亮的荧光灯管组成，这些荧光灯安装在固定装置上，并以垂直的形式直接置于墙上，而空墙的交替缝隙则涂上了微妙的灰色阴影，给人一种对触觉和光学上的不确定感。当阴影，油漆和反射的空间在观众的视野中回荡时，墙壁本身进入了构图，使任何人物形象和地面不稳定。因此，遇到欧文的雕塑将使自己陷入平面度与体积，透明性与不透明性，坚固性与氛围之间的不断波动中。
Robert Irwin, Belmont Shore, 2018, Shadow + Reflection + Color, 95-1/4" × 72" × 4-3/4" (241.9 cm × 182.9 cm × 12.1 cm) © Robert Irwin
本次群展中将艺术家联系在一起的共通点便是对光的驾驭和利用——无论是环境光还是作品本身产生的光亮——不仅是刺激视觉的物体，更是引发沉思和感知体验的催化剂。不管是对弗拉文这样的典型东海岸极简主义艺术家，还是对同一时间在加利福尼亚崭露头角的”光与空间“艺术家来说，光的奇妙和其引发的感官体验，是永远都不可能被完全转化为语言的；它代表着一种绝对而纯粹的存在，是远早于语言或概念之前的最基本最简要的视觉元素。
正在展出
Chewing Gum IV
持续展出至2020年7月2日
香港—佩斯画廊精心推出专题群展“Chewing Gum IV”，再次以香港这一文化交汇的独特位置为语境，通过八位来自不同地域和文化背景的艺术家作品呈现对该语境发展的象征性隐喻，其中包括肯尼斯·诺兰德（Kenneth Noland）、托马斯·诺兹科夫斯基（Thomas Nozkowski）、张晓刚、萧昱、名和晃平（Kohei Nawa）、亚当·彭德尔顿（Adam Pendleton）、米歇尔·鲁芙娜（Michal Rovner）以及托尼·史密斯（Tony Smith）。在当下疫情拉开社会距离并延伸时间体验的特殊背景下，我们更需要且能够用“咀嚼”这一动作行为，来进行精神上的消化与品味。
本次佩斯画廊还与K11艺术基金会合作，将“Chewing Gum IV”延伸至画廊空间之外，在位于尖沙咀的K11 MUSEA同时展出美国艺术家乔·夏皮罗（Joel Shapiro）的大型雕塑《无题》（1992），将对艺术的“咀嚼”引入了更为广阔的公共空间语境，自2020年6月2日起，持续展出至7月31日。
乔·夏皮罗大型雕塑《无题》（1992）于K11 MUSEA展出现场
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邮件：hongkong@pacegallery.com
作为全球最知名的当代艺术画廊，佩斯画廊自 1960 年创立以来，始终扮演着艺术界生力军的角色，代理了众多二十至二十一世纪最为重要的艺术家及艺术家基金会，创造了卓越的精神财富。佩斯画廊在全球设立了展览空间及办公室，包括纽约、伦敦、日内瓦、帕罗奥多、北京、香港及首尔，并于 2019 年 9 月在纽约曼哈顿启动了一栋八层高的全新旗舰大厦。在即将步入第七个十年之际，佩斯画廊将继续秉承其使命，为全球最具影响力和创造力的艺术家提供支持，并与全世界的人们共同分享这些具有时代前瞻性的艺术创作。为不断推进这一使命，佩斯画廊将积极开展全球范围内的艺术计划，包括大型展览、艺术家项目、公共装置、机构合作、策展研究及写作等。
作者：佩斯北京
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