导读：大家都在带着镣铐跳舞，却总有人还能把舞跳得这么好看，这也许就是绘画的一点意义了。

为什么您钟爱坦培拉这种技法呢?

坦培拉这种技术是油画的前身，在油性调和剂还没有发明出来前，西方人动用了当时现有的技术（鸡蛋黄和水的溶液），把色粉调和在一起。坦培拉没办像油画一样调和颜色，也没办法做出自然的过渡，所以这种材料画起来非常费力。最早的坦培拉绘画都是圣像画，经过层层加工，反复罩染，最后得到严谨，细腻的画面。之后水性的坦培拉慢慢变成油性的坦培拉，最后干脆变成油画。坦培拉和油画之间也并没有明确的分界线，当然我自己的坦培拉技法也并不是完全的古代的技术，而是我自己结合创作有所取舍。至于为何要选择坦培拉这种画法，因为我之前用油画创作，因为手感太熟练，画的太快，所以画面太飘，沉不下去。索性我就难为一下自己，用这种最干涩，最繁复，最难以过渡的技法，一遍一遍的反复叠加，看看自己能把画面做到什么程度。久而久之，技法逐渐变成了创作主题的一部分，坦培拉变成了我的创作想法必然的选择。因为需要反复罩染，所以这种画法不需要所谓的灵感和突然的激情，需要的是在机械劳作中的耐心和对画面效果的预判。这种逆着我的急性子的方式更让我有兴趣。

《冥想》 200X150 布面坦培拉 2015

您的画面中为什么大多采用单色来构建关系？

我一直在寻找单纯的形式感。我钟爱的文艺复兴时期尼德兰的绘画偏偏有这种感觉。一块纯净的颜色足以说明问题。单色并非是一种颜色，而是在色层中有冷暖变化，让他们都含在里面。这和我的性格有关，含蓄的深藏不漏的色彩最打动人。

在您的作品中可以看到波涛汹涌的动感，却又有一种静穆的力量，请问您能阐释一下您的这一系列作品吗？

这一系列的开始，其实我想找到一种形象，让具象和抽象能够统一起来。既能有可辨识的形象，又不能让这种形象限制观者思维。所以我选择了水作为这种元素。随着制作过程的深入，我发现水这个元素随着不断地被重复，被覆盖，变得不像现实中和照片里的水。所以我找到了这个系列的一个内在的线索。当元素不断被重复时，具象和抽象之间的壁垒也在不断的颤动最后打通。繁复的细节容易让人的视觉无法找到焦点，所以有动感，不断覆盖的色层又让画面深邃。

为什么您认为“克制”是艺术创作中最重要的东西？

之前有句话很流行，“喜欢是放肆，而爱是克制”。事后慢慢琢磨发现在艺术创作中同样适用。放肆很容易，但克制很难。不拿绘画举例子，用表演艺术打比方，卓别林和周星驰都是喜剧大师，他们最精彩的表演不会是在荧幕中装疯卖傻的失控，而是表演到最适当的程度。现在的喜剧大多不好笑，而且让观众看了后会有尴尬症，原因就是导演不懂得克制，根本把握不到表演那个最恰当的程度。放肆的发泄谁都会做，但真正的艺术家不是毫无责任，毫无水平的发泄，而是克制自己的动物性，把这种能量表达的恰到好处。

您认为绘画的意义是什么？

一个事物的意义是指他无可取代的地方。绘画的功能性早就被取代了，绘画在当代艺术中的地位也早就被边缘化了，绘画作为一个非常狭窄的方向，如果非要说一点意义，那么他的意义就是还有这么多坚持用绘画来创作作品的艺术家，用这么“落后”的媒介，在这么窄小的领域里非要弄出点名堂，看似不可能却始终还有人做出挑战视觉经验和打破绘画方式的作品。大家都在带着镣铐跳舞，却总有人还能把舞跳得这么好看，这也许就是绘画的一点意义了。