近日，《书之肖像》郁涛个展在北京798艺术区桥艺术空间开幕，展期为2025年4月27日至5月25日。展览由桥艺术空间主办，夏可君担任策展人，展出了艺术家郁涛近十年的19件代表作品。

展览现场

本次展览以“书之肖像”为主题，探索书本在人为与自然作用下的新形态，呈现其作为时间与生命载体的另一面。郁涛的创作让我们重新审视书本的“本来面目”。

艺术家郁涛

展览现场，小编采访了艺术家郁涛先生。他从创作历程、材料选择以及作品解读等多个角度，分享了对“书之肖像”系列作品的深刻思考与独特感悟。

十年探索从裁一本书开始 反思“为什么要做艺术”

本次艺术家郁涛展出的作品跨度时间比较长，从2015年到2025年整整跨越了十年。郁涛表示，这十年来，他发现所有的创作缘起都是从裁切一本书开始的。从2015年的“画书”，到如今的“书之肖像”，这十年里，他一直在探索两个核心问题。

第一、是对绘画、对艺术本质的追问。2015年，他写过一篇文章《画、绘画与物品》，探讨了一个很本体的问题：什么样的物品，当它挂在墙上时，才能被称为“画”？这种对绘画和艺术本质的思考，一直延续到现在。

第二、从2010年开始，他一直在反思“为什么要做艺术”。这十年里，他通过创作作品来寻找答案。他给自己做艺术的定位是“造器证道”，把艺术对象当作物品、当作器物来看待。他把“画”当作一个可“看”的器物，它可以上手把玩，但又不一定非得实用。这种对艺术的思考和实践，贯穿了郁涛这十年的整个创作历程。

时间与生命的既视感 时间与物质的交织

站在艺术家郁涛的作品前，仿佛被一股无形的力量吸引。每件作品都像是时间的容器，承载着岁月的痕迹与生命的密码。它们不仅仅是静止的画面，更像是一个个生动的故事，通过独特的视觉语言，向我们诉说着它们背后那些隐秘而深刻的故事。这种直观的时间痕迹，让小编不禁思考：艺术家是如何捕捉并表达时间的？

郁涛解释道，他的作品确实与时间紧密相连。时间不仅是物质存在的一种方式，更是物质存在的一种本质属性。当我们度量物质时，时间是一个非常重要的刻度。物质的自然变化，正是时间赋予其意义的关键，而他的创作也在这一过程中实现“再生长”。世界在不断变化，物质也在不断衰变，但衰变只是另一种形式的转化。在这个过程中，不同的环境、文化背景和观念赋予了物质不同的解读。

郁涛进一步讲述：“我所做的，就是将生活中与我有关联的元素，以作品或其他的形式保存下来。艺术与生活的边界并不是绝对的。我们在不同的系统中观察和理解这些物品，也可以将不同系统中的元素进行重构。这个过程本身就是一种理念的体现。”

这些作品不仅是视觉上的呈现，更是时间与生命的见证。它们让我们看到了自然的力量，也让我们重新思考艺术与生活的边界。通过这些作品，郁涛不仅捕捉了时间的痕迹，更让我们感受到了生命的温度。

《书之肖像》：书本选择背后的深意

在本次《书之肖像》郁涛个展中，几乎每一幅作品都以书本为核心元素。在创作初期，郁涛在书本选择方面到底有怎么样的标准和独特的考量？他提到，选书主要基于两个方面：

一是书的内容性质。郁涛偏好具有规则性或权威性的书籍，如大学生手册、新华字典和经典著作，这些书象征着权威与标准，借此引发观众对知识与权威的重新审视。

二是书的使用痕迹。他多选用旧书，这些书带着使用者的气息与历史感，“一本书，从它出生到我遇上它，它有过什么跌宕起伏的过往，它的变化与省耗，容颜变迁，都会让我着迷，我做的是书的‘肖像’”。

《民法学》 56cm×78cm 木质框、铝塑板、书册、矿物质颜料、灰尘 2015年

阳光、木屑与灰尘：艺术的偶然与必然

展览现场展出的几件作品中，都有一层毛茸茸的颗粒感的肌理，还有一些其他的材料，让这些作品充满了质感和层次感。

郁涛介绍，这件《民法学》作品是从2015年开始创作的。这件作品上面呈现的颗粒感，是在创作过程中偶然发现的。他将工作室旁木工车间的木屑以及灰尘加入作品中，这些材料触手可及，他觉得它们很适合这件作品，能自然融入其中。同时，他为这本书搭建了一个“基底”。这不仅仅是一个简单的支撑，更是为这本书开辟了一个专属的空间，让书本与自然环境产生对话，共同生长。

《西方现代舞史纲》 56cm×78cm 木质框、铝塑板、书册、矿物质颜料、灰尘 2015年

彩色的探索与画框的意义

展厅中，几件色彩鲜艳的作品在灰暗色调的空间中格外突出。郁涛介绍，这些作品创作于2017年至2019年，历时近三年完成。当时，他发现自己以前的作品大多色调灰暗，于是决定尝试创作一些明亮、生动的彩色作品。这批作品约有二三十件，他依然使用矿物质颜料，通过筛子将颜料筛在作品表面，再用胶固定，形成颗粒感的视觉效果。这种颗粒与光源的折射效果，让作品在不同光线下展现出丰富的质感和微妙的变化。

同时，郁涛希望通过加上外框，让作品更像一幅画。他选择了油画常用的西式画框，虽然画框在美术史中有丰富意义，但他只是想将实物与“基底”整合成一个整体，增强作品的完整性，让它看起来更像一幅画。

《大会文件汇编》 62×72cm 木质画框、PVC板、书册、书页、矿物质颜料 2017-2019年

自然的重塑与平等的对话

小编发现展览现场一件名为《大会文件汇编》的作品，与其他灰色调的作品不同，这件作品整体呈现出一种独特的孔雀石色，仿佛青铜器上的蓝绿色锈迹，既美丽又透出一丝颓废感。作品的正中心是一本被裁切后略带破碎且有凹陷的书本，宛如岁月的痕迹，诉说着它所经历的风雨和阳光。这种独特的美感是如何形成的？这件作品在创作过程中又经历了什么？

郁涛说：“这件《大会文件汇编》作品是2017到2019年创作的，我将这件作品放置在户外一年多，经历了南方频繁的雨水冲刷。书本中间的凹陷，正是屋檐下的雨滴长期砸落形成的坑洼效果。这种自然的塑形过程是无法预设的，但我相信，把作品交给大自然时，它会与自然找到一种独特的默契。早在2015年，我就意识到将作品交给自然的过程非常有趣，这对我的创作至关重要。当我不再控制作品，而是让它与环境自然互动时，它会生长出独特的形态。这种平等的关系让我反思我们对待人、事、物的态度。学会了以非人类中心的态度去面对外物，让作品与自然进行对话，而不是单方面地塑造它。这种自然、非刻意的过程，让我觉得非常有意思”。

纸与自然的对话：从户外到艺术的蜕变

材料是艺术创作的基础，是艺术家表达思想和情感的载体。它不仅决定了作品的物理形态，更深刻影响着作品的视觉效果、情感传达和文化内涵。

在谈到艺术创作中的材料选择和运用时，郁涛表示，他最着迷于纸与水接触后的变化。大学学习国画的经历让他深知宣纸遇水后的独特性，这种纸与水的关系成为他将书本置于户外接受自然洗礼的起点。他认为，纸在自然条件下的变化是一种“重新生长”。

最初，他尝试自己用喷壶进行喷水，但后来觉得应该让大自然去“加工”，于是开始以月为单位创作，让时间去塑造。当作品初具形态后，他发现自己介入过多，于是尝试将作品放入水塘、埋进土里，让大自然去塑造。他希望减少自己的介入，让作品自然生长，最终赋予作品自己的生命，与作品保持平等的关系。

这一过程也与他的生活经历有关。他的创作跨越了十年，从2015年开始，经历了陪孩子读书、疫情暴发等。这些经历让他学会如何与面对的对象保持相对独立的关系，这也是他从创作中学到的道理。

《必修课》 67×57cm 木质画框、PVC板、书册、书页、马赛克镶嵌、植物根茎、自然风化物 2020-2024年

大自然的鬼斧神工：作品的共生与生长

郁涛将部分作品埋在土里、泡在水里，让大自然改变它们的形态。其中，《必修课》这件作品表面长满了藤蔓，夹杂着泥土，宛如刚从土里钻出的“活物”一样，正在注视我们。

郁涛说：“我把作品交给大自然，就像是把作品送进了一个巨大的实验室。它们在土里、水里等不同的环境下经历了四季的更替，被雨水冲刷，被虫子啃食，甚至被植物缠绕。每一次的变化都是不可预知的，每一次结果也都是独一无二的。”

以2020-2024年创作的《必修课》为例，郁涛将其埋在岳麓山的土里一年多。一年后，作品上方长出了喜阴的小藤，为作品增加了新的空间层次。这种自然塑造过程无法预设，也无法人为制造，大自然的鬼斧神工令人惊叹。

《学习纲要》 66×56cm 木质画框、PVC板、书册、书页、马赛克镶嵌、植物根茎、自然风化物 2020-2024年

郁涛进一步解释：“这件作品中的书本和画框是现代工业的产物，让它们与大自然结合，重新生长。这让我思考，所有工业品最终都会回归自然，我只是让它们提前回到最初的状态。在这件作品中，不仅是植物在发挥作用，像蚯蚓、其他虫子也参与其中。这种现象让我意识到，作品与环境之间形成了共生关系。作品本身不仅滋养了周围的生物，这些生物也赋予了作品新的形态，改变了它原有的样貌。这种改变的过程，也是作品本身的一种‘再生长’的体现。”

《无名书9号》 65×52cm 书册、石膏混合物 2020-2024年

石膏与自然的共生：艺术的觉醒与自愈

展览现场的其中一个展厅里，有几件被放置在展台上的作品，铁锈色的书本与乳白色的画框相互映衬，形成了一种强烈的视觉对比。作品的整体表面呈现出类似石头的质感，仿佛是刚刚从土里挖出的“化石”，坚硬又残破。这种独特的质感和色彩搭配，让整个作品散发出一种古老而神秘的气息。它们到底是什么材质？又是在怎么样的环境中被塑造出的？

郁涛表示，2020年创作这批作品时，他受到隔壁雕塑工作室常用材料——石膏的启发。石膏粉末由石膏矿石磨制而成，加水后又能重新凝结成石头，这种可循环的特性让它成为一种“活的材料”。它既不特别坚韧，也不松散，表面处理后有一种独特的温度。这种材料的特性让郁涛产生了浓厚的兴趣。

在创作过程中，郁涛将画框翻制成石膏画框，并把裁好的书直接镶嵌进湿的石膏里。工作室里随手可得的杂物，如铁钉、马赛克残片，也被他放进去。他没有刻意设计，他认为所有东西的意义都是我们此时此刻赋予的，意义是会变化的。他放弃了对意义的追寻，只是把它们当作生长在自己环境里的东西，偶然地放在一起，形成了新的关联。

《无名书11号》 69×57cm 书册、石膏混合物 2020-2024年

《无名书17号》 65×52cm 书册、石膏混合物 2020-2024年

最后，他将这些作品放入南方的小水塘中，经过一年多的风雨冲刷，原本规整的画框变得坑坑洼洼。这种变化是作品与环境互动的结果，让郁涛感受到一种历史感。疫情期间，他每周都会去查看这些作品，四季更替中，作品也在悄然变化。这种变化让他在创作过程中觉醒，艺术不再是为了表达某种意义，而是通过作品发现自我，实现内心的安定。

郁涛说：“艺术对我而言是一种觉醒的方式，每一批作品都带来新奇与惊喜，让我感受到创作的快乐。这种过程本身就是一种自愈，让我内心充盈。艺术的意义或许就在于它与个人之间的紧密联系，让身心得以安定，回归本源。”

艺术家郁涛利用身边“物体”与大自然的互动，让我对艺术有了新的理解。郁涛的作品不再是单纯的创作，而是与大自然共生的一个过程。艺术作品也不再是一个人的产物，而是大自然和艺术家共同完成的一个再生长、再塑造的过程。这种共生关系，让我们看到了艺术的无限可能性，也让我们更加敬畏自然的力量。（作者/罗丽娟）