画画临摹写生都没问题，创作时头脑一片空白怎么办？

我想，这是每一个画画的人都会经历过的问题。这也就是平常人们常常说起在绘画过程中的某一种“瓶颈”。当然，所谓绘画上的“瓶颈”有很多种。但这个在“创作时头脑一片空白”的瓶颈现象，是非常常见且不易弄明白的。如何去突破这个瓶颈，从而进入一种自由的创作状态确实是比较难的。有的人可能耗尽平生之力也没有办法突破这个“瓶颈”，最终无缘进入“绘画创作的艺术之门”。
临摹、写生是每一个绘画者的必经之路。这是学习和锻炼前人技法、色彩、构图、风格的简便易行的途径。“临摹”比较好理解，然而“写生”是什么？它与“临摹”的关系又是什么？通俗的一点说： “临摹”是指对他人画作或书法作品直接对照着摹写与摹绘。通过“临摹”的办法去学习他人如何用笔、如何设色、如何构图和如何建立其风格（这种方法在古今中外广为流行）。“写生”则指绘画者对真实的事物（包括景物、人物、静物等）的直接摹绘。通过“写生”的方法去观察、分析、理解真实事物的色彩、光线、透视、结构、质地等并真实地描绘出来。这种方法，以描绘真实的事物为前提、表现真实的事物为手段来锻炼自己对真实事物的摹绘本领。从某种意义上来说这种“对真实事物的摹绘锻炼”本质上与“临摹”没有太多的差异。只不过“临摹”临摹的是他人画作，而写生“临摹”的则是真实的事物。两者就其本质上讲均是练习和学习，不是创作。
有人说：莫奈、梵高等大师画的风景画难道不是创作吗？我的回答：他们的写生（也包括其他那些优秀的画家）是真正的创作！然而，同样是“写生”，它们之间的区别是什么呢？这是一个根本性的问题。
一般的绘画者，他们写生时，关注的是事物“真实”的部分（色彩、质地、透视、光线等等），作品以描绘其“真实”为根本。而这种“真实”只是绘画者肉眼看到的真实。这一类的画作以“像”“真实”“足以乱真”为最终目标。这一类的作品仅仅描绘了事物的外在，与该事物的内在无关。而像梵高、莫奈、塞尚等绘画大师，他们在写生时，虽然看到的也是真实的事物，而感受到的却是：该事物“内在的本质”；与“该本质”契合的色彩；“该事物本质”赋予绘画者的情感；与绘画者应该如何处理这些因素时所需要的自我把控能力。正是这些要素，令绘画大师们有了与众不同的感觉、理解和认知。这时他们笔下的“写生作品”便有了与他人的写生作品“本质上的不同”而“进入了创作领域”。用形象一点的话说：艺术家看到的“真实”是“经过自身感受消化过后的真实”，是情感和内心里的“真实”。这种“真实”是远远地高于事物本身表现的真实，是真正创作上的真实。
说到“创作”就不得不说“创作的类别”。这又是指什么呢？因为在绘画创作中，经常会碰到这样的问题：到底什么样的创作才算创作？我认为创作分两类：“写生类创作”和“非写生类创作”。上文中所提到的内容已经简单地讲了“写生类创作”，下面就“非写生类创作”谈一谈我的见解。
“非写生类创作”是指不依靠对照真实的实物和对照实物的写生过程，而是由艺术家自己内心中产生的对一切事物的感受、思考、爱恨和认知后以绘画的形式抒发出来的绘画作品。这种作品的特征是：一切源于内心（不论是历史故事、人物事件、哲理思考等等）；一切是理解后的主观认知（包括富有情感的色彩、合乎情理的构图、叩击人心的人物刻画等等）；一切是基于哲理的思考（包括深邃的内涵、动人的情趣和令人深思的道理等等）；以及丰富的画面之外的“画外之画”给人留下的经久不衰的遐思……这样的创作就是“非写生类创作”。而这种创作就是绘画创作中至高无上的艺术高峰！
怎么解决“创作时头脑一片空白”呢？说实在话，这不是一个简单的技术层面的问题。不可能有一个明确的答案能使之一蹴而就。若想在创作时不再头脑一片空白，就去学习、去观察、去博览群书吧。开拓自己的眼界，丰富自己的学养，提振自己对事物的敏锐感觉和升华自己的修行造诣，你就会发现你的思想活跃了，观察透彻了，理解深刻了，思考有了深层次，自然而然地就会产生出创作的灵感。
2021.2.10