对于马里奥、莫瑞希欧和洛伦佐来说，“文化相遇的意义，在于让差异成为创造力与美的源泉，绽放出团结与爱的光芒”。

　　秉持这一观念，常青画廊用艺术的语言将其在世界范围内传播，尽管过程充满艰辛，但艺术始终常青，常青画廊在北京的第二十年头，画廊特别呈现15位艺术家的大型群展——“时间知道艺术的答案”常青二十周年特展。

展览现场

“时间知道艺术的答案”常青二十周年特展 展览现场

　　常青画廊作为一家国际领先的当代艺术画廊，由马里奥·克里斯蒂阿尼(Mario Cristiani)、洛伦佐·飞亚斯其(Lorenzo Fiaschi)和莫瑞希欧·瑞哥罗(Maurizio Rigillo)三位好友于1990年在意大利圣吉米那诺创立;2004年，常青画廊成为最早在中国北京开设空间举办国际艺术展的国外画廊之一;并于2007年在巴黎郊区穆琳设立新空间，专为展出大型艺术创作;2015年，常青画廊开辟了新的道路，在古巴哈瓦那开创空间，特别为那些具有跨界创造性的文化项目而设;2020年，常青在意大利罗马的瑞吉酒店开辟了一个室内空间;同年在巴西圣保罗帕卡恩布足球场观众席下方设立空间，大胆地将艺术品带出室内展厅，与足球场上的运动员和游客们共享开阔的土地。2021年，常青在巴黎市中心玛莱区新开了一处集观展、休闲、购物为一体的展览空间;同年又在迪拜地标——阿拉伯塔帆船酒店内开辟了一处快闪空间。2024年，常青画廊又于巴黎马提尼翁的中心地带开设在法国的第三处空间。2025年，常青画廊在巴西的发展迈出了关键一步，正式入驻圣保罗黑根诺波利斯街区的圣德肋撒教区内。该教区始建于1925年，具有悠久的历史。

　　在30多年的历程中，常青创造了一种独特而强大的标志：始终保持演进之精神，以及基于慷慨主义与利他主义两大核心价值观，持续致力于提升公众对当代艺术的兴趣。这样的价值观引领着常青成为首个进驻中国的重要国外画廊，这更基于画廊与艺术家陈箴及其妻子徐敏之间的深厚友情。北京画廊所在的区域曾是一座保留了50年代包豪斯风格的原始建筑，现今已成为著名的798艺术区。

　　2004年4月，常青画廊参加了在北京举行的中国首届国际画廊博览会，并于同年11月组织了其在国内首个国际艺术项目。随后于2005年5月，常青画廊举办了在中国的第一个展览，涵盖了来自五大洲的16位艺术家。自那时起，北京空间相继迎来了诸多重要国际艺术家在中国的首次展出。

　　如今常青在中国的旅程已抵达二十周年这一值得纪念的里程碑，为了庆祝这一特殊时刻，并展望未来，画廊将特别呈现一场群展，荟萃15位中外艺术家的作品。这些艺术家与我们共同参与了这一段历程，也见证了我们的空间在中国首次举办的一系列重要展览，他们包括：丹尼尔·布伦、劳瑞斯·切克尼、陈箴、安东尼·葛姆雷、顾德新、阚萱、安尼施·卡普尔、汉斯·欧普·德·贝克、乔瓦尼·欧祖拉、米开朗基罗·皮斯特莱托、邱志杰、托比亚斯·雷贝格、塞尔斯、孙原&彭禹和庄辉。

　　更重要的是，这次展览呈现并巩固了三位创始人有关“差异产生美”的思想，这一理念自始至终构成了常青画廊与其所处世界之间关系发展的基础，也正是常青画廊核心价值的体现。

|艺术家与作品|

丹尼尔·布伦(Daniel Buren)1938

　　丹尼尔·布伦(Daniel Buren)1938年出生于布洛涅-比兰库尔(巴黎)，如今仍在巴黎工作生活。

　　1960年代中期，布伦开始创作极具探索性的绘画作品，这些作品从根本上质疑并探索了他作品中使用的媒介经济学以及背景(支持介质)与形式(绘画)之间的关系。

　　1965年，当他创作结合了圆形形式和不同比例、颜色条纹的画作时，他选择了使用一种带有固定垂直8.7厘米宽条纹的工业面料，这些条纹交替出现白色和其他颜色。基于这一极为简单和平凡的视觉语言，布伦通过系统地重复这一设计，进一步简化了其作品，达到了零绘画的境地。这种思考使观察者的注意力从作品转移到艺术家介入的物理和社会环境中。

　　最终，他在1967年放弃了工作室，转而偏好现场创作，从街道开始，然后是画廊、博物馆、风景或建筑物。

　　他的“视觉工具”基于交替条纹的使用，这使他能够通过在特定且有时复杂的结构中运用这些条纹，揭示工作场所的显著细节，这些结构介于绘画、雕塑和建筑之间。

　　他的现场作品通过视角、空间、颜色、光线、运动、周围环境、角度或投影进行互动，通过彻底改变场地来获得装饰性力量。

　　布伦的作品尖锐、批判且具有参与感，一直在不断发展和多样化，始终引发评论、赞赏和争议。1986年，他完成了最具争议的公共委托作品《双平台》(Les Deux Plateaux)，该作品如今被列为“历史纪念碑”，位于巴黎的皇家宫殿庭院。同年，他代表法国参加威尼斯双年展，并获得了最佳展馆金狮奖。

　　布伦是当今国际艺术界最活跃和最受赞誉的艺术家之一，他的作品在全球各大画廊和博物馆展出，并在各种场所展出。

　　2007年，丹尼尔·布伦获得了由日本颁发的普拉埃米乌斯·英佩里亚莱奖(Praemium Imperiale)，这一奖项被广泛认为是视觉艺术界的“诺贝尔奖”。

　　他近期的个展包括：“制作、拆除、重做：特定场域作品”，布翁塔伦蒂宫，皮斯托亚，意大利(2025);“无论如何，特定场域作品”，意大利艺术博物馆，利马(2019)，“如同儿戏”，马车创意空间，悉尼，澳大利亚(2018);“当织物亮起时：编织的光学纤维，特定场域作品2013-2014”，开姆尼茨美术馆，德国(2018);“丹尼尔·布伦–从半圈到一圈：彩色之旅，特定场域作品”，波哥大现代艺术博物馆(2017);“预测/回顾，特定场域作品”，马拉加蓬皮杜中心，西班牙(2017);“光的观测台，特定场域作品”，路易威登基金会，巴黎(2016);“丹尼尔·布伦：一幅壁画”，布鲁塞尔美术宫，布鲁塞尔(2016);“中心/偏移，特定场域作品”，多纳雷吉纳当代美术馆，那不勒斯，意大利(2015);“丹尼尔·布伦：雷克林豪森的两座工厂”，雷克林豪森，剧院和艺术馆，德国(2015);“另一个天井：迷宫，特定场域作品”，卡瓦尼亚斯救济所，瓜达拉哈拉，墨西哥(2014);“尽其所能：特定场域作品”，波罗的海当代艺术中心，盖茨黑德，英国(2014)。同年，他在巴黎巴斯蒂尔歌剧院签订了拉威尔/米派德的芭蕾舞剧《达芙妮与克罗埃》的舞台设计。

陈箴

　　陈箴生前是一位视觉艺术家。他于1955年出生于上海，在1966至1976年间成长于原法租界的一个讲法语的医生家庭里。在陈箴非常年轻的时候，他就已经对中国传统哲学思想和西方文化间的关联产生兴趣。他在1973年进入上海市工艺美术学校学习，1976年在该校任职教书;随后在1978年考入上海戏剧学院，学习舞台美术设计专业，1982年成为学院教授。

　　在25岁那年，陈箴被诊断出患有溶血性贫血——一种不治之症。生病的经历使他以严谨的解析手法对时间和空间的价值获得了深刻的认知。

　　1986年，陈箴到了法国。他继续艺术上的深造，同时也感受到了中西方文化的碰撞。因此，他把绘画暂置一边，全身心地投入到装置艺术的创作中。1986年至1989年，陈箴相继在巴黎国立高等美术学院和巴黎造型艺术高级研究院进修，并于1993年在后者担任助理教授。彼时，他的作品在“跨文化”学派的影响下进一步发展——该理念以人类、消费社会和自然之间关系作为出发点，陈箴称之为“融超经验”。

　　陈箴于1990年代早期创作的作品通常呈现多文化对话的乌托邦景象，诗意的景观中充满非同寻常的材料间的关联与混合。在此，东方传统和西方美学语汇构成全新的关联。在陈箴去世前的两年间，他决定研究传统中医，并认为中医思想里蕴涵的思维方式与事物原理与他的艺术观十分相近。他将这一知识进行转化、提炼，并在人生最后的作品中展现出一场人体与精神、人类与宇宙的对话。

　　陈箴于2000年12月13日去世。他面对艺术所秉承的开放观念与他的作品质量，为他赢得了世界性的认可与赞誉。陈箴的作品在世界多个国家和地区进行展出，并于多个重要的博物馆和艺术机构中举行个人回顾展览，包括：伦敦蛇形美术馆(2001);雅典国家当代艺术博物馆(2002);波士顿ICA当代艺术学会(2002);纽约P.S.1当代艺术中心(2003);巴黎东京宫(2003);维也纳艺术馆(2007);特伦托和罗韦雷托MART现代和当代艺术博物馆(2008);上海外滩美术馆(2015);米兰倍耐力HangarBicocca当代艺术中心(2020)。

　　1990年至2000年期间，他六度斩获法国和美国艺术机构的创作奖金，还参加了诸多重要的展览项目，包括：“陈箴在Magasin”，Le Magasin国家当代艺术中心，格勒诺布尔，(1992);“废弃之地”，当代新艺术博物馆，纽约，(1994);“和平对话”，联合国欧洲总部万国宫，日内瓦，(1995);“大地的宁静：日常生活、当代艺术和撼动者”，ICA当代艺术学院，波士顿，(1997);“艺术家项目，P.S.1艺术中心重开展”，P.S.1当代艺术中心，纽约，(1997);“绝唱 - 各打五十大板”，特拉维夫博物馆(1998);“移动中的城市”，路易斯安那当代艺术博物馆，胡姆勒贝克，(1999);“陈箴：黑魔法的赞美”，GAM现当代艺术博物馆，都灵，(2000)。

　　他曾参加多个国际双年展，包括：1997年的里昂双年展、约翰内斯堡 双年展和光州双年展;1998年的蒙特利尔双年展;1999年、2007年和2009年的威尼斯双年展。

安东尼·葛姆雷(Antony Gormley)

安东尼·葛姆雷，摄影：John O’Rourke，©️艺术家

　　安东尼·葛姆雷(Antony Gormley)，1950年出生于英国伦敦。他以雕塑、装置和公共艺术作品而享誉全球，并持续检视人体与空间的关系，直面自然和宇宙中人类存在的基本问题，在十九世纪六十年代为雕塑打开了新的可能性。葛姆雷不断尝试让艺术空间成为一个可以呈现新的行为、思想和感情的地方。

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　　葛姆雷的作品在英国和国际上进行过广泛地展览，分别在：捷克布拉格的鲁道夫画廊(2024);法国巴黎的罗丹美术馆(2023);中国青岛的西海美术馆(2023);德国杜伊斯堡的莱姆布鲁克博物馆(2022);荷兰瓦瑟纳尔的福尔林登博物馆(2022);新加坡国家美术馆(2021);德国辛德尔芬根的Schauwerk Sindelfingen美术馆(2021);英国伦敦的皇家艺术学院(2019);希腊的提洛岛(2019);意大利佛罗伦萨的乌菲齐美术馆(2019); 美国的费城艺术博物馆(2019);中国上海的龙美术馆(2017);伦敦的英国国家肖像画廊(2016);意大利佛罗伦萨的美景堡(2015);瑞士伯尔尼的保罗克利中心(2014);巴西里约热内卢、巴西利亚和圣保罗的银行文化中心(2012);德国汉堡的堤坝之门美术馆(2012);俄罗斯圣彼得堡的埃尔米塔什博物馆(2011);奥地利布雷根茨美术馆(2010);伦敦海沃德画廊(2007);瑞典马尔莫美术馆(1993);丹麦路易斯安娜现代美术馆(1989)。永久公共艺术作品包括位于英国盖茨黑德的《北方天使》;克罗斯比海滩的大型装置作品《别处》;位于西澳大利亚巴拉德湖的装置《澳大利亚腹地》;位于荷兰莱利斯塔德《暴露》;位于美国马萨诸塞州麻省理工学院的《和弦》和位于英国伦敦帝国理工学院的《警戒》。

　　葛姆雷曾荣获1994年的英国透纳奖，1999年的南岸视觉艺术奖，2007年的伯恩哈德·海里格尔雕塑奖，2012年的大林奖以及2013年的高松宫殿下纪念世界文化奖。他曾被授予大英帝国勋章(1997)和爵士封号(2014)。他还是英国皇家建筑师学会荣誉会员、剑桥大学荣誉博士、剑桥大学三一学院成员。此外, 葛姆雷自2003年起成为英国皇家艺术学会会员。

顾德新

图片提供：艺术家与常青画廊

　　1962年出生于中国北京。他是中国最重要的自学成才的艺术家之一。顾德新是中国最早尝试探索材料不同性质的艺术家之一，这些材料既包括有机的，也包括无机的，既令人着迷，又令人厌恶。顾德新的视觉语言充满了想象力。他的作品自由地表达出其无法抑制的、充满玩味和无限生机的意愿，这些作品表面上似乎表现了一个天真无邪的世界，但实际上它们代表了现实生活中的哲学和实际主题。

　　2006-09-02 2006 大理石、金属器皿、9张带框相片、水果相片：73 x 73 cm 基座：50 x 50 x 85(高)cm

　　尽管顾德新在70年代后期开始业余画画，但在1986年他便举办了他的第一个个展。自1980年代末，他开始使用不同的媒介材料表达自己的作品。废弃的塑料被溶解，融合成有机结构。多年来，他在选择材料上变得更加激进。他一般不会对作品理念深入阐释，而是通过作品本身传达。他的装置作品通常具有很大的体量，并且根据场景特制，第一眼就能吸引观众，与观众形成交流，进而深入到艺术家的想法中。他的作品选择不使用标题，他只是采用安装完成的时间，和其作品开始腐烂和转换过程作为一种称号，以强调作品的短暂性。

　　对于顾德新来说，艺术作为一种媒介，从来不是一种强加的想法，也不是任何一种行使权利的方式。另一方面，艺术从未在他生命中占有不可或缺的意义或位置;完美的平衡一直是被寻求和深入思考的。作为一个“艺术家”的生涯，或者说，他可能更愿意说成，作为“一个喜欢玩的人”，跨越三十多年，顾德新一直保持着坚定且谦卑的位置。

　　起初，他努力通过与年轻的伙伴一起展览、做行为和装置来表达自己的想法，直到70年代末期，愈发普遍。之后，他又以一种“低姿态”保持一种简单的生活方式，进而得到了更广泛的认可。他强烈的感觉到，要从控制他的思想到防止狂热的艺术世界，最重要的是，他的生命。

　　在2009年北京常青画廊的展览“被看到的是死气沉沉的”展览上，他毅然做出决定，退出艺术界，顾德新决定不再参加展览，一个空的空间代表了他的缺席。三十年过去了，顾德新在中国乃至全世界得到广泛的展现，为中国的当代艺术做出巨大的贡献。

安尼施·卡普尔

　　安尼施·卡普尔1954年出生于印度孟买，是我们这个时代最具影响力的艺术家之一。自上世纪七十年代中期以来，他一直在伦敦生活和工作，如今在伦敦和威尼斯之间的家和工作室中度过时光。他自2003年以来一直由常青画廊代理。在其整个职业生涯中，这位当代艺术家对形状与虚空、视角、光与光的缺失等概念深感兴趣。卡普尔的创作横跨多个尺度，使用多种材料，如镜子、石头、蜡或PVC，不断探索几何和生物形态，同时对负空间表现出独特的兴趣。他解释道：“这正是我感兴趣的：虚空，那一刻它不是一个洞，而是充满了不存在的东西的空间。”

　　他的作品永久展出于世界各地最重要的收藏和博物馆中，从纽约的现代艺术博物馆到伦敦的泰特美术馆;从米兰的普拉达基金会到威尼斯、毕尔巴鄂和阿布扎比的古根海姆博物馆。最近的个展包括：佛罗伦萨的斯特罗齐宫，意大利(2023年);威尼斯学院美术馆和曼弗林宫，威尼斯，意大利(2022年);英国牛津现代艺术馆(2021年);英国诺福克的霍顿庄园(2020年);德国慕尼黑现代艺术陈列馆(2020年);北京中央美术学院美术馆和太庙艺术馆(2019年);布宜诺斯艾利斯的普罗阿基金会(2019年);葡萄牙波尔图的塞拉尔维斯当代艺术博物馆(2018年);墨西哥城的大学当代艺术博物馆(MUAC)(2016年);法国凡尔赛宫(2015年);莫斯科的犹太博物馆与宽容中心(2015年);柏林的格罗皮乌斯博物馆(2013年);伊斯坦布尔的萨基普·萨班哲博物馆(2013年);悉尼当代艺术博物馆(2012年)。

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　　安尼施·卡普尔在1990年第44届威尼斯双年展上代表英国参展，并获得了Premio Duemila奖。1991年，他赢得了特纳奖，并继续获得众多国际奖项和荣誉。2022年4月，安尼施·卡普尔成为首位在意大利威尼斯学院美术馆举办大型展览的英国艺术家。

阚萱

©️艺术家

　　阚萱的录像和装置作品经常结合静态物体和持久的风景。她有兴趣探索个人主体性与外部世界之间的关系，这些关系是如何形成和化解的，以及艺术创作是否可以提供创造新关系的方法。她的艺术语言简单而深刻，智慧而感性，寻求叙事和诗学之间的张力和平衡。阚萱将真诚和好奇的自我应用于她的实践中，无论是通过研究日常生活的平淡细节还是参与复杂的历史主题，她都会花很长时间与她的主题在一起，这种方法使她的作品在不断加速的当代生活中具有独特而专注的节奏。

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托⽐亚斯·雷⻉格

图片提供：艺术家与常青画廊

　　托⽐亚斯·雷⻉格是同时代德国艺术家中最为重要的艺术家之⼀。

　　雷⻉格 1966 年出⽣于德国埃斯林根，在 90 年代初开始从事艺术家⼯作之前，曾就读于法兰克福的史泰德艺术学院。 艺术家凭借多维度的创作⼿法将雕塑的可能性延伸⾄其他领域中:雕塑、⼯业制成品和⼿⼯艺品。他⼴泛的探索了设计与建筑领域，并在与这些领域的不期⽽遇间蓬勃发展。

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　　转变的概念是他艺术的中⼼主题。雷⻉格将他的实验聚焦于过程：感知和意识、时间性和瞬间性、间断性和暧昧性、变化和关系，以及客观对象所在现实环境之间的联系。他的装置作品曾在第 50 届和第 53 届威尼斯 双年展展出，并在伦敦⽩教堂画廊、巴塞尔⻉耶勒基⾦会、⽶兰普拉达基⾦会、阿姆斯特丹市⽴博物馆、科隆路德维希博物馆和斯图加特艺术博物馆举办展览。托⽐亚斯·雷⻉格将于 2023 年在重庆悦来美术馆举办个展。2009 年，他凭借威尼斯双年展呈现的⾃助餐厅雕塑装置获得最佳艺术家——⾦狮奖。

　　他在法兰克福史泰德艺术学院任教，⽬前⼯作和⽣活于法兰克福。

汉斯·欧普·德·贝克(Hans Op de Beeck)

图片提供：艺术家与常青画廊

　　比利时视觉艺术家汉斯·欧普·德·贝克(Hans Op de Beeck)1969年出生在特恩豪特市，当前在布鲁塞尔生活和工作。

　　他的作品多种多样，包括巨形雕塑装置、影像、动画影片、雕塑、绘画、摄影、短篇小说、和舞台设计等。他的作品深刻反思了我们身处的复杂社会以及回荡其中有关意义与死亡的宏观问题。艺术家认为人是一种以悲喜交加的方式戏剧化地展现他周围世界的存在，最重要的是，艺术家热衷于刺激观众的感官，并邀请观众去亲历这些图像。他试图创造一种视觉小说，将一个奇迹而又静默的瞬间传达给观众。

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　　他的理念来源于后现代时期里，人们的超脱和自我的迷失，这些在他的大部分作品里都有所体现。艺术家构想和建立了一些虚拟的当代都市场景，偶尔也加入几个让观众感到亲切的人物。布景既包括适合内省的安静区域，也包括偶尔显得笨拙的人群。他的作品反映了我们日常的生活、梦想、志向，以及我们的感知，包括对时间、 空间、和两者之间的依存关系。汉斯·欧普·德·贝克的视觉语言是肃静而缄默的，时而严肃，时而讽刺，留下没有答案的疑问。

　　艺术家广泛地在全球各地举办个展、参加群展。他举办的个展包括：GEM海牙当代艺术博物馆，海牙，荷兰(2004);MUHKA当代艺术博物馆，安特卫普，比利时(2006);中央博物馆，乌特勒支，荷兰(2007年);博尔盖塞博物馆，罗马，意大利(2009);赫希洪博物馆和雕塑园，华盛顿特区，美国(2010);图恩艺术博物馆，图恩，瑞士(2010); Centro de Arte Caja de Burgos, 布尔戈斯, 西班牙 (2010); Butler Gallery, 基尔肯尼, 爱尔兰 (2012); 汉诺威艺术协会, 汉诺威, 德国 (2012); 坦帕艺术博物馆, 坦帕, 佛罗里达州, 美国 (2013); 哈恩艺术博物馆，盖恩斯维尔，佛罗里达州，美国(2013);FRAC Paca，马赛，法国(2013);MIT List视觉艺术中心，剑桥，波士顿，马萨诸塞州，美国(2014);MOCA克利夫兰，克利夫兰，俄亥俄州，美国(2014); Sammlung Goetz, 慕尼黑, 德国 (2014); Screen Space, 墨尔本, 澳大利亚 (2015); 希梅堡，希梅，比利时(2015); Le 104, 巴黎, 法国(2016); 荷兰露天博物馆, 阿纳姆, 荷兰(2016); 沃尔夫斯堡艺术博物馆, 沃尔夫斯堡, 德国(2017); Pino Pascali基金会, 滨海波利尼亚诺, 意大利(2017); 多恩比恩美术馆，多恩比恩，德国(2017);莫斯布鲁克博物馆，勒沃库森，德国(2017年);Scheepvaartmuseum，阿姆斯特丹，荷兰(2018);Krems艺术馆，多瑙河畔克雷姆斯，奥地利(2019年);国家冬宫博物馆，圣彼得堡，俄罗斯(2021);阿莫斯-雷克斯博物馆，赫尔辛基，芬兰(2022);弗兰德博物馆，卡塞尔，法国(2023)等。

　　他参加的群展包括：索菲亚王后宫，马德里，西班牙;斯科茨代尔当代艺术博物馆，斯科茨代尔，亚利桑那州，美国;十和田艺术中心，十和田，日本;ZKM，卡尔斯鲁厄，德国;罗马现代艺术美术馆，罗马，意大利;白教堂艺术馆，伦敦，英国;PS1，纽约市，纽约州，美国; 国家现代艺术博物馆，蓬皮杜中心，巴黎，法国;Wallraf-Richartz博物馆，科隆，德国;Hangar Bicocca，米兰，意大利;Hara当代艺术博物馆，东京，日本;21C博物馆，路易斯维尔，肯塔基，美国;The Drawing Center，纽约市，纽约，美国;Kunsthalle Wien，维也纳，奥地利;上海美术馆，上海，中国;MAMBA，布宜诺斯艾利斯，阿根廷; Haus der Kunst，慕尼黑，德国;博洛尼亚现代艺术博物馆，博洛尼亚，意大利;波恩美术馆，波恩，德国;卡昂美术馆，卡昂，法国;海牙美术馆，海牙，荷兰;登弗里斯当代艺术中心，哥本哈根，丹麦;皇家艺术博物馆，布鲁塞尔，比利时;福尔林登博物馆，瓦塞纳尔，荷兰; Kröller-Müller博物馆，奥特洛，荷兰;法兰克福美术馆，德国法兰克福;杜塞尔多夫美术馆，德国;罗马国立二十一世纪艺术博物馆，罗马，意大利;马特阿哈尔福特艺术博物馆，哈尔福特，德国;函馆艺术博物馆，北海道，日本;巴黎军事博物馆，巴黎，法国(2021-22);克拉科夫当代艺术博物馆，波兰克拉科夫;泰特现代美术馆，伦敦，英国等。

　　他的作品还受邀请参加了诸多国际艺术展会：威尼斯双年展，威尼斯，意大利;上海双年展，上海，中国;爱知三年展，爱知，日本;新加坡双年展，新加坡，新加坡;荷兰艺术节，阿姆斯特丹，荷兰;艺术夏季大学，泰特现代美术馆，伦敦，英国;高知-穆齐里斯双年展，印度;巴塞尔艺术展，美国;巴塞尔艺术展，巴塞尔，瑞士;濑户内三年展，小豆岛，日本;庭院雕塑，国家冬宫博物馆，圣彼得堡，俄罗斯;布鲁日三年展，比利时;里昂双年展，里昂，法国等。

乔瓦尼·欧祖拉(Giovanni Ozzola)

图片提供：艺术家与常青画廊

　　乔瓦尼·欧祖拉(Giovanni Ozzola)1982年出生于意大利佛罗伦萨，现工作和生活于加那利群岛中的特内里费岛。欧祖拉是一名跨媒介艺术家，以摄影为主要领域，同时也进行影像及雕塑装置创作。欧祖拉的作品表现着光学现象的微妙情绪与物理表征，其主要研究方向为对“无限”和“探索”进行概念化呈现——既是地理学层面的，同时也是自省的。

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　　他近年来参加的重要展览包括：“没有你，没有方向，没有名字”，佛罗伦萨烟草工厂，意大利(2023);“片刻”，常青画廊巴黎空间，法国(2023);“风之痕”，常青画廊北京空间，中国(2022);“我没看到你”，166艺术空间，上海，中国(2021);“独幕剧”，常青画廊圣吉米那诺空间，意大利(2021);“堡垒与星辰”，第十六届国际摄影双年展，特内里费岛圣克鲁斯美术馆，特内里费岛(2021);“我若解释,你不会懂”，上海复星艺术中心，中国(2019);“一千的十六次方”，常青画廊圣吉米那诺空间，意大利(2019);“时间全无”，常青画廊穆琳空间，法国(2019);“属于你我之物”，UNICAJA基金会中心，马拉加(2018)和阿尔梅里亚(2019);“血路”，圣佛朗西斯科修道院回廊，梅诺尔大教堂，哈瓦那(2018);“陨落之花——窃语”，常青画廊北京空间，中国(2017);“船骸与星之屋”，戴维德·费里策展，Lynchen无题协会，柏林(2017);“漫无目的”，开普敦第六区博物馆，南非(2016)。

　　他参与的其他重要群展包括：“形式演绎”，重庆岸上艺术中心，中国(2025)，“蓝色飘带 —— 探索神秘海域 邂逅丝路遗珍”，澳门保利美高梅博物馆，中国(2024)，“元宇宙”，都灵TFH - Fondazione Teatro Ragazzi e Giovani，意大利(2024)、成都双年展“时间引力”，成都市美术馆，中国(2023)，以及由Rossella Farinotti在克雷莫纳策划的“当代的克雷莫纳”，意大利(2023)。

 米开朗基罗·皮斯特莱托(Michelangelo Pistoletto)

图片提供：艺术家与常青画廊

　　米开朗基罗·皮斯特莱托(Michelangelo Pistoletto)，1933年生于意大利比耶拉。自1955年开始其作品陆续展出，后于1960年在意大利都灵的加拉泰亚画廊举办首场个展，早期实践致力于自画像的探索。1961年至1962年间，他创作了最早的一组“镜画”作品，将观者本身与实时现场纳入其中，带回被20世纪前卫艺术所摒弃的文艺复兴透视法，并将其逆转。此作品很快令这位艺术家蜚声国际，并于60年代在欧美重要画廊与博物馆举办诸多个展。“镜画”系列也成为其艺术创作于理论思想的基石。

　　1965年至1966年间，他创作了一组名为《减少的物品》的作品，被视为“贫穷艺术”运动的奠基之作，皮斯特莱托也成为这一运动的核心力量与领军人物。1967 年起，他的工作开始跳出传统展览空间，在此后的数十年间，他不断将来自不同领域与社会各界的艺术家聚合到一起进行“创造性合作”。

　　1975 年至 1976 年，其作品《空间》分为 12 个连续的展览，在都灵的斯坦画廊进行——这是其一系列为 时一年，以“时间大陆”为名之作品的首部曲。该系列还包括《白色之年》(1989年)和《快乐的海龟》(1992 年)。1978 年，在都灵的一场展览确定了皮斯特莱托未来创作的两个方向：《镜面的分割与倍增》与《艺术承载信仰》。

　　八十年代初期，他完成了一系列硬聚氨酯雕塑创作，并在1984年于佛罗伦萨美景堡所举办的个展中以大理石呈现。1985年至1989年间，皮斯特莱托创作了一系列“黑暗”作品，名为《肮脏的艺术》。九十年代，通过“公共艺术计划”，以及创建于比耶拉的艺术城市-皮斯特莱托基金会和理念大学，他将艺术与社会各领域积极地联系起来，旨在激起与制造“有责任的社会变化”。

　　2003年，他获得威尼斯双年展金狮奖终生成就奖。2004年，都灵大学授予皮斯特莱托政治学荣誉博士学位。值此时机，他也宣布了自己最新创作阶段，“第三天堂”。2007年，由于“作为一名艺术家、教育家和社会活动家，他将源源不断的创造力贡献给艺术，创造出给世界带来全新理解方式的、划时代的艺术形式”，皮斯特莱托在耶路撒冷获颁沃尔夫艺术奖。

　　2010年，其文章《第三天堂》以意大利语、英语、法语和德语四种语言出版。2011年，他出任波尔多Evento 2011 双年展“艺术与城市再演进”的艺术总监一职。2012年，他开始致力宣传“重生日”，这一首个庆祝重生的日子定为每年的12月21日，迎来世界各地的特别活动。

　　2013年，巴黎卢浮宫举办其个展“米开朗基罗·皮斯特莱托：一年— —世间天堂”。同年，他在东京获颁“高松宫殿下纪念世界文化奖”的绘画奖。2014年，在意大利当任欧盟轮值主席国期间，其“第三天堂”的标志符号进入了布鲁塞尔欧盟总部的大厅。

　　2015年5月，他被授予古巴哈瓦那艺术大学的荣誉博士。同年他完成大型装置《重生》，立于联合国驻日内瓦总部万国宫。2016年，位于哈瓦那的古巴国家美术馆举办皮斯特莱托大型回顾展，展出从60年代的绘画，到最新的《第三天堂》，再到完成于2015年的古巴“镜画”，横跨其创作生涯的多个维度。

镜面倍增与分割　1975 - 2023　镀金木框、镜子　两块，每块 170 x 130 厘米

镜面倍增与分割　1975-2023　镀金木框、镜子　200 x 160 cm

镜面倍增与分割　1975-2023　镀金木框、镜子　200 x 160 cm

　　2017年，其个展“米开朗基罗·皮斯特莱托：壹加壹等于三”作为威尼斯双年展平行项目展，在圣乔治马焦雷教堂亮相。2019年6月，南方双年展(Bienal Sur)举办了 “皮斯特莱托回路”，这是双年展中完全为这位艺术家而设的一个部分。这一广泛的展览于2020年3月结束，包括各种场地，其中包括：意大利大使馆、MUNTREF(前移民酒店和当代艺术中心)、贝尼托·昆奎拉博物馆等。2020年，皮斯托莱托推出了一些新的镜子作品，在圣吉米那诺的常青画廊(Galleria Continua)展出，直到2021年5月。

　　2021年，"Universario "在艺术城基金会揭幕，这是一个展示艺术家最新研究的空间，2022年12月，他的最新著作《创造的公式》(La formula della creazione)出版，书中回溯了他整个艺术生涯和理论思考的基本步骤和演变。

劳瑞斯·切克尼

图片提供：艺术家与常青画廊

　　生于1969年的意大利米兰，劳瑞斯·切克尼生活和工作在柏林和米兰。在劳瑞斯·切克尼的作品中，摄影、绘画、雕塑和装置相结合，形成了统一的美学理念。切克尼的作品既归功于他对多种媒体的专业知识，也归功于他不倦的好奇心。在他的作品中出现的主题包括多种拼贴的和细节化的建筑模型、橡胶中的物体、重塑的大篷车和树屋、结构扭曲的空间以及棱镜、透明的封面和表面。切克尼作品的核心是对空间性的全新解读：物理空间被解释为生物的、有机的，和具有生命力的东西，但同时也是理性结构的、机械生产的、完美人造的，但又被赋予了有机结构的功能。

花中有息 2022 墙面喷绘、不锈钢模块焊接组装 尺寸可变

　　作为国际舞台上最杰出的意大利艺术家之一，他在全球范围内展出了他的作品，并在诸如巴黎的巴黎东京宫、圣艾蒂安大都会现代艺术博物馆、纽约MoMA PS1、上海多伦现代艺术馆、帕尔马·德·马略卡的卡萨尔·索列里克博物馆、圣地亚哥·德·孔波斯特拉的加利西亚当代艺术中心、海德堡艺术协会、普拉托的路易吉·佩奇当代艺术中心和米兰的阿尔纳尔多·波莫多基金会等重要博物馆举办了个展。

　　劳瑞斯·切克尼曾参加多个国际展览，包括第56届、第51届和第49届威尼斯双年展，第6届和第9届上海双年展，第15届和第13届罗马四年展，台北双年展，西班牙瓦伦西亚双年展以及中国深圳城市主义/建筑双年展(UABB)。

　　他还参加了多个集体展览，其中包括在科隆路德维希博物馆、米兰PAC、威尼斯福尔图尼宫、罗马宏未来、罗韦雷托的MART、伦敦海沃德画廊、莫斯科当代文化中心The Garage、罗马展览宫、里昂当代艺术博物馆、上海MOCA、柏林德意志银行艺术大厅等地的展览。

　　他创作了多个永久性和特定场所的装置，特别是在皮斯托亚的维拉·切莱、佛罗伦萨的斯特罗齐宫庭院、布鲁塞尔的博戈西安基金会、美国克利夫兰诊所艺术与医学研究所、马赛的Les Terrasses Du Port，以及最近在首尔的辛世杰汉南Starfield和纽约的康奈尔科技大楼等地。

邱志杰

图片来源：©️艺术家

　　邱志杰1969年生于福建省漳州市，1992年毕业于浙江美术学院版画系。现任天津美术学院院长、中央美术学院教授。创作涉及书法、水墨绘画、摄影、录像、装置、剧场等多种方式。

如果没有月亮李白就再也不写诗了 2024 纸本水墨、荧光颜料 200 x 400 cm

　　曾出版《总体艺术论》、《影像与后现代》、《给我一个面具》、《自由的有限性》、《重要的是现场》、《摄影之后的摄影》、《剧透》、《无知者》、《实验主义者》、《失败者》等艺术理论著作。主要作品集有《万物有灵》、《邱志杰：无知者的破冰史》、《时间的形状：邱志杰的光书法摄影》、《莫愁：邱志杰近作》、《记忆考古》等。

　　曾在国内外美术馆举办几十次个展，并参加过数百个群展。策划了1996年中国最早的录像艺术展《现象与影像》，以及1999年到2005年之间推介青年一代艺术家的“后感性”系列展览。2012年第九届上海双年展“重新发电”总策展人。2017年度威尼斯双年展中国馆策展人。

　　2003年以来投身于当代艺术教育。其“总体艺术”理念以文化研究为基础，发展出一种将观察、造物、现场、事件、写作和策展等糅合于一体的实践，寻求艺术与人生、艺术与社会的贯通。近年来致力于实验艺术教育体系尤其是社会性艺术和科技艺术的构建。2017年在中央美术学院创立了EAST科技艺术教育国际联盟。

　　邱志杰出版的重要著作包括：《邱志杰 文字生涯》金泽21世纪美术馆 2023、《给邱家瓦的三十封信》云南出版集团 晨光出版社 2023、《知识地理学》意大利SKIRA出版社 2021、《寰宇全图》德国Buchhandlung Walther Konig出版社 2019、《不羁之旅》意大利Mousee出版社 2018、《蓝图中的独角兽》荷兰Witte de With美术馆 2016、《偶像的黄昏》柏林世界文化馆 2009、《记忆考古》北京长征空间 2007、《实验主义者》广西师大出版社 2020、《如何成为无知者》广西师大出版社 2020、《如何成为失败者》广西师大出版社 2020、《剧透》广西师大出版社 2020、《万物有灵》湖南美术出版社 2015、《邱注上元灯彩计划》吉林出版集团 2015、《总体艺术论》上海锦绣文章出版社 2012、《无知者的破冰史》文化艺术出版社 2009、《总体艺术创作基础教程》 湖北美术出版社 2008、《摄影之后的摄影》中国人民大学出版社 2004、《给我一个面具》中国人民大学出版社 2002、《重要的是现场》中国人民大学出版社2002、《自由的有限性》中国人民大学出版社 2002、《影像与后现代》湖南美术出版社2002、《邱志杰》福建美术出版社 2000。

　　他的重要个展包括：2024 《生态实验室》 常青画廊，北京、2024 《老灵魂》 鼓浪屿当代艺术中心KCCA，厦门、2022 爱丁堡大学 Talbot Rice Gallery ，爱丁堡、2021 《市场书写》，三源里市场，北京、2019 《寰宇全图》，尤伦斯当代艺术中心，北京、2018 《文字生涯》，金泽 21 世纪美术馆，金泽、2018 《邱注上元灯彩图》，民生美术馆，北京、2017 《不羁之旅》， 日内瓦当代艺术中心，日内瓦、2015 《邱志杰：大计划》，福建省美术馆，福州、2015 《所以我们不再四处游荡》，弗洛瑞安咖啡馆，威尼斯、2014 《万物有灵》，美伦美术馆，长沙、2013 《独角兽和龙》， QueriniStampalia 美术馆，威尼斯、2012 《蓝图》， Witte de With 艺术中心，鹿特丹、2009 《偶像的黄昏：南京长江大桥自杀现象干预计划之四》，世界文化宫，柏林、2009 《破冰：南京长江大桥之三》，尤伦斯当代艺术中心，北京。

塞尔斯

　　塞尔斯，1952出生于意大利特雷维索的圣保罗皮亚威，现生活和工作于里雅斯特。塞尔斯的作品借助对石墨的多样运用，在光与影之间探索并创造出一种写意摄影的描述性抽象景观，仿佛让时间静止从而走向其他维度。他实践中的当代性，恰恰是他拒绝追随传统绘画特性的原因，即其三重维度的幻觉，以及模仿的潜力。"我生活在悖论中：我画了一幅追求极致细节的风景画，扩展了其表现力的极限，同时证实了它所表示的不可能性，这是在不连贯的否认中"。事实上，塞尔斯的风景并不借用于外部世界。相反，它们更多来自于浪漫诗人所珍视的广阔内心;理想情况下，这是在双眼紧闭中绘画出来的属于灵魂的风景。多年来，塞尔斯制作了一系列非同寻常的图像，这些图像已包含在由菲登出版社编辑并出版的《绘画》一书中。

水面 2015 纸本石墨、铝板 142 x 200 cm

　　塞尔斯近期一些重要个展包括：“白与黑”，意大利科洛尔诺公爵宫(2023);“绘波”，法国巴黎常青画廊(2022);“这里一切敞开：水片”，意大利罗马瑞吉酒店，与常青画廊合作(2020);“氤氲”，中国上海现代传播Modern Studio(2019);“这里一切敞开：无近无远”，古巴哈瓦那国家美术馆(2017);“塞尔斯”，中国湖南长沙谭国斌当代艺术博物馆(2017);“景观体验”，意大利常青画廊圣吉米那诺空间(2015);“拟景绘画 1994-2014”，法国圣艾提安现当代美术馆(2014);“光明之山”，意大利里米尼现当代美术馆(2012);“几何淡出”，Ex Pescheria，意大利的里雅斯特(2010)。

孙原和彭禹

图片提供：艺术家与常青画廊

　　孙原1972年出生于北京，彭禹1974年出生于黑龙江、随后搬到北京，两人目前都在北京生活和工作。这两位杰出人物在90年代中国曲折的文化环境中共同前行，以不跟随当时盛行的艺术主流的方式表达他们的独特性，极具挑衅性，挑战全球艺术流派中占主导地位的道德标准。他们对非传统材料的兴趣、对古老冲突的吸收，以及非凡的直觉和远见，使他们的艺术作品充满张力和独特性。

　　孙原和彭禹在艺术道路上如走钢丝般坚持追求不失平衡的矛盾概念;他们在恒常与对比、现实与理想、冲突与和谐之间进行探索。他们直白地表达了一种不同于典型当代艺术喧嚣的艺术交流本质，更倾向于自我反省而非单纯挑衅。

　　从扩展的角度来看，他们的作品既可以被视为对生命的细致研究，也可以被认为是一种不可或缺的体验。此外，还可以被视为对本质的不断探索，因为本质与表象不同。为此，他们在风格和概念上大胆地努力改变主题，以揭示被传统障碍剥离后的真相，并扩大概念的界限。

No Way 2015 钢制桌子和椅子、电磁炉、水 174.5x190x100 cm

无论你是谁 2022　铁桶、水、硅胶模 尺寸可变

　　他们在众多公共和私人机构做过展览，其中包括：第五届里昂双年展(2000年);横滨三年展(2001年);第一届广州三年展(2002年); 北京今日美术馆(2003年); 里昂MAC当代美术馆(2004年);光州双年展(2004年); 安特卫普MuHKA当代美术馆(2004年); 伯尔尼美术馆(2005);第51届威尼斯双年展(2005年);利物浦双年展(2006年);第二届莫斯科双年展(2007年); 格拉茨美术馆(2007); 常青画廊(2008年，2009年，2011年);伦敦萨奇画廊(2008年);东京国立新美术馆(2008年);北京UCCA尤伦斯当代艺术中心(2009年);第二届莫斯科双年展(2009年);名古屋爱知三年展(2010年);悉尼双年展(2010年); 香港Para Site艺术空间(2011年);北京佩斯画廊(2011年); 第十三届卡塞尔文献展(2012);台北当代艺术中心(2012年);伦敦海沃画廊(2012年); 基辅平丘克艺术中心(2013);柏林Uferhallen艺术空间(2014年); 多哈卡塔尔博物馆(QMA)(2016年);纽约古根海姆美术馆(2016年);第十一届上海双年展(2016年); 韩国DMA大田美术馆(2017年);毕尔巴鄂古根海姆博物馆(2018年);第58届威尼斯双年展(2019年)。

庄辉

图片提供：艺术家与常青画廊

　　庄辉于1963年生于甘肃省玉门。他在十三岁时离开家乡，并开始在洛阳自学绘画。1979年高中毕业后，他进入洛阳第一拖拉机制造厂成为了一名工人。1996年移居北京，成为一名自由职业身份的艺术家。

　　庄辉的艺术创作，源于对现实生存及文化现状的土壤里，强调反思、身体经验、个人意识等。在艺术创作中，善于灵活应用多种媒介，尝试突破艺术表达的边界。

公元一九九七年十月十三日河南省安阳市道路绿化管理站全体职工合影纪念 1997 广告布喷绘 210.2 x 1228 cm

　　他曾经参加了不同美术馆以及艺术机构的展览，其中包括：外交公寓12号空间(2023，北京);华盛顿特区赫施霍恩博物馆与雕塑园(2022，美国);北京常青画廊(2021，北京);法国诺曼底地区滨海塞纳省瑞米耶日修道院(2000，法国);2019乌镇国际当代艺术邀请展(2019 乌镇);UCCA沙丘美术馆(2018，北戴河阿那亚，河北);北京常青画廊(2017，北京);二十一世纪民生美术馆(2016，上海);荷兰佛姆摄影博物馆(2015，阿姆斯特丹);德国弗柯望博物馆(2014，波恩);上海当代艺术博物馆(2012，上海);盐湖艺术中心(2009，犹他州);格罗宁根博物馆(2008，格罗宁根);利物浦泰特美术馆(2007，利物浦);常青画廊(2006，圣吉米那诺);伯尔尼美术馆(2005，伯尔尼);纽约国际摄影中心(2004，纽约);蓬皮杜艺术中心(2003，巴黎);Deichtorhallen(2002，汉堡);巴塞尔Beyeler艺术博物馆(2001，巴塞尔);第五届里昂双年展(2000，里昂);利沃尔顿美术馆(2000，荷兰);第48届威尼斯双年展(1999，威尼斯);第一届福冈亚洲美术三年展(1999，福冈);LCA当代艺术研究中心(1999，伦敦);艾思林根博物馆(1998，德国);NBK 艺术中心(1997，柏林);汉堡美术馆(1996，汉堡)。

　　关于画廊

　　常青画廊最初成立于1990年，三位意大利青年好友马里奥·克里斯蒂阿尼、洛伦佐·飞亚斯其和莫瑞希欧·瑞哥罗在托斯卡纳腹地，远离大城市的小镇——圣吉米那诺开启了他们注定不凡的征程。三位创始人选址于此是因为希望“将当代艺术带到远离熙攘大城市以及中心文化地段的偏远乡村地区”。画廊的名字寄托了三人的弘愿：“通过艺术在过去、当下和未来之间建立联系并将之升华”。

　　过往三十余载，常青画廊不断开辟新空间，如今已在全球拥有八所空间：继圣吉米那诺空间之后，常青画廊于2004年在中国北京798艺术区成立第二所空间，是最早入驻中国的有国际艺术项目的外国画廊;三年后，常青在法国巴黎郊外的穆琳将一座占地10,000平米的废弃工厂改造成致力于大型艺术植入项目和展览的艺术空间。

　　2015年古巴哈瓦那开启新的征程，用当代艺术击穿所有壁垒。2020年，常青在意大利罗马的瑞吉酒店开辟了一个室内空间;同年在巴西圣保罗帕卡恩布足球场观众席下方设立空间，大胆地将艺术品带出室内展厅，与足球场上的运动员和游客们共享开阔的土地。2021年，常青在巴黎市中心玛莱区新开了一处集观展、休闲、购物为一体的展览空间;同年又在迪拜地标——阿拉伯塔帆船酒店内开辟了一处快闪空间。2024年，常青画廊又于巴黎马提尼翁的中心地带开设在法国的第三处空间。马提尼翁是法国西部一个充满活力，同时又历史悠久的艺术文化中心，在这里，知名国际当代画廊、现代艺术品经销商、大型拍卖行以及致力于时尚、手工艺品和生活方式的重要工作室争芳斗艳，吸引着来自世界各地的游客。2025年，常青画廊在巴西的发展迈出了关键一步：新空间正式入驻圣保罗黑根诺波利斯(Higienópolis)街区的圣德肋撒教区内。该教区始建于1925年，具有悠久的历史。

　　展览信息

　　时间知道艺术的答案

　　参展艺术家：丹尼尔·布伦 / 劳瑞斯·切克尼 / 陈箴 / 安东尼·葛姆雷 / 顾德新 / 阚萱 / 安尼施·卡普尔 / 汉斯·欧普·德·贝克 / 乔瓦尼·欧祖拉 / 米开朗基罗·皮斯特莱托 / 邱志杰 / 托比亚斯·雷贝格 / 塞尔斯 / 孙原&彭禹 / 庄辉

　　展览时间:2025年5月21日至2025年8月24日

　　展览地址：北京市朝阳区大山子酒仙桥路2号，798艺术区中二街，常青画廊

　　Dashanzi 798 Art District #8503, 2 Jiuxianqiao Road, Chaoyang Dst. 100015 Beijing, China.