马克·格罗蒂扬

马克·格罗蒂扬 （Mark Grotjahn） 1968年生于美国加利福尼亚州的帕萨迪纳（pasadena），先后在加利福尼亚大学伯克利分校获得美术学学士学位和科罗拉多大学的美术学硕士学位，1995年成为缅因州的斯考希根绘画和雕塑学校艺术创作中心的驻留艺术家，2003年获得彭妮·麦考尔基金会奖金，现在工作和生活在旧金山。 　　

在多元化的绘画艺术语境里，抽象绘画丧失了在现代主义时期画坛中的主流地位，加之20世纪80年代以来，具象绘画回归浪潮的冲击和新媒体等艺术风格和艺术种类的风起云涌，抽象绘画艺术逐渐完成理性身份的蜕变，开始进入艺术世界相对沉寂的时期，但它所留下的丰富的资源和能够继续深入探索的潜力给当代一些致力于抽象绘画的艺术家带来了创新的机遇，当代美国艺术家马克·格罗蒂扬就是其中之一。

1959年，加利福尼亚艺术评论家兰斯纳首次提出“硬边（hard-edged）”这一艺术概念，之后英国著名艺术评论家兼策展人劳伦斯·艾洛维（Lawrence Alloway）给这一艺术下了现在的定义：“硬边绘画”以直线为主，画面洁净无瑕，整幅绘画成为一个整体单元的形式展现，色调限于一到四种。

从整体上看，硬边艺术属于现代主义的抽象范围中的“冷艺术（cold art）”，它们追求平面性和纯粹性的平涂，以及表现独立而简练的构图要素。这些主张对后来的格罗蒂扬产生了重要的影响，他的艺术创作既受到抽象硬边艺术的影响，又延伸并发展出自己独具特色的个人风格。格罗蒂扬的绘画和美国20世纪60、70年代以硬边艺术为代表的抽象绘画新动向有着密切的关系，他继承了当时艺术家的“单形象艺术（one image art）”的特色，就是在单一题材上进行不断变化的一种当代趋势，比如他的蝴蝶系列造型绘画。同时他在有限色调的基础上，利用光与影的交织，走向一种几何形的、有设计性的留白，或走向线性的清晰，体现一种理性的思维。和硬边艺术家相比，格罗蒂扬的画面不是在两度平面上变化，更多地具有向第三度方向凸出的视错觉（optical illusion）效果，这一点受到了光效应绘画的影响。他说：“我想达到某种程度的抽象，就像一种我所能持续的（绘画）平面形式，并看看多大程度上我能推进这种体系，我创作了一系列的不同的抽象作品，对此我很感兴趣，并倾力为之。”总的看来，格罗蒂扬的绘画有一种现代主义语境中的新美学特性。

从1997年开始，格罗蒂扬在绘画中探索放射性图案的主题，代表作品就是他的蝴蝶系列，这一系列是他反复出现的与自然世界相关的主题之一，除此他还有关于花的系列和水的系列的主题，他的蝴蝶系列主要集中于透视研究，比如画面中有两个或多个消失点，其中所使用的技巧都是自文艺复兴以来就早已形成的在二维平面上的深度错觉。这些复杂的、倾斜的角度和放射性的符号性几何构图暗示了源自现代主义绘画史的多重叙事——从构成主义的乌托邦式想象到欧普艺术（Opart）的幻觉形象。这些蝴蝶主题的作品多是单色的，但通过色度的渐变使画面颜料的光泽呈现震动和放射的特点，这有点和巴尼特·纽曼（Barnett Newman）的“拉链（zip）”作品类似。如作品《无题》（白色卡纸上6扇彩色蝴蝶的羽翅），其中描绘了3只展翅欲飞的蝴蝶造型，每个羽翅都是用斑斓的色彩排列组合而成，勾勒严谨，视觉效果浓重。 　　

弗朗兹·克兰

弗朗兹·克兰（franzkline）的作品也是如波洛克一样属于动态性的。40年代，他热衷于线描，特别习惯于画小幅的黑白速写和细节，他在细节中研究单一的母题或空间关系。1949年的一天，他用幻灯机放大一些速写，这启发他发展了自己特有的风格：在白色画布上，一些大尺度的黑色线条，除了线条，别无其他，更没有具象的东西。画面中的空白与强有力的黑色笔触一以生动，甚至某些飞白看起来更有意味。人们看他的作品，也能理解"行动绘画"的含义，笔的运行在作品中显得十分重要，徐、疾、通、滞、转、折、进、退，这一点与中国的书法产生了暗合。

不管他有没有受到东方书法的影响，他的画在"计白当黑"的原则上与东方的书法是一致的。而且在削尽冗繁，只取黑白两色，以少胜多，达到更有深度的美--这样的美学趣味与东方的书法艺术十分接近。克兰最初的大规模的黑白抽象画作于1950年，特点是笔触大而粗犷，但由控制，还有强有力的建筑式结构。他的结构对60年代构成主义雕塑家产生了重大影响。他在50年代后期开始尝试使用色彩，在他去世前的那一年（1962），色彩才开始在他的作品中起重要作用，但结果不一定可喜，似乎色彩在他那由构图表达的意念中无关紧要，而只是一种装饰罢了。

皮埃尔·苏拉日

从二战之后，法国这个从“太阳王”路易十四开始就是西方世界文化艺术中心的国家逐渐丧失影响力，沦为充斥着爱罢工的傲慢美食家的国度。若论艺术市场，中国、美国、英国都排在法国前面；若论艺术创造力前景，全球年轻的艺术家都向往纽约、柏林和伦敦。提起法国当代艺术，唯一熠熠生辉的就是皮埃尔·苏拉日的大名了。

这位身材高大的画家，一生专注于黑色这一种颜色，从1947年第一件成熟的作品问世，迄今六十余年，如今94岁高龄仍在继续作画。年轻时，苏拉日的作品有一种原始感的力量。他12岁时由老师带着去Saint Foy的修远中参观，对十一、十二世纪罗马艺术产生兴趣，故而喜作大尺幅画作，最初用胡桃色，之后用黑色的线条或色块，与蓝色、黄色或白色结合，提高黑色的亮度，令人想起东方的书法。近年来，他的作品那种未经雕琢的粗粝感消失，画作气质更加厚重凝炼，依然充满力量。

发迹于纽约的法国艺术家

苏拉日1919年出生在法国南部的罗德兹（Rodez），年轻时就离开了。他说，他最喜欢这座城市的颜色，“并不色彩斑斓，也不是巴黎那种漂亮、世故的灰色。若说巴黎是雕琢的世界，这里则是朴素与忠诚的世界。”尽管苏拉日多年来最熟悉的城市是巴黎和纽约，罗德兹的影响一直无法磨灭。从二十多岁在艺术学院遇到Colette和她结婚后，两人在一起已经超过七十年。Emilio Steinberger告诉我们，他们两人一直十分亲密，没有其他活动时，苏拉日就和妻子一起泡在巴黎的工作室作画，过十分简单的生活。

然而，他成为如今“法国最贵的”艺术家，一开始和法国倒没有什么关系。艺术家曾在采访中说：“法国人一开始直接扼杀我。在巴黎，他们发觉我的存在纯粹是因为有外国人对我的画儿感兴趣。”1948年，他的作品出现在德国的群展中，吸引了MoMA策展人James Johnson Sweeney的注意，将苏拉日的作品介绍到美国。从那时开始，苏拉日频繁飞往纽约，他的作品在美国许多地方频频展览，迅速被美国民众接受。他与传奇画廊主Sam Kootz合作，直到Sam Kootz画廊在1966年关门。也是从这段时期开始，苏拉日在学术界和市场中得到良好的反响，逐渐成为世界知名的艺术家。

那时的美国，正是抽象表现主义兴盛的时期，苏拉日和罗斯科、德·库宁、纽曼等知名艺术家结下友谊，与美国的频频接触也潜移默化影响了这位艺术家。二战后，由于经济迅速发展，美国的政治、文化在一种乐观的情绪中兴盛，压过了英、法、德等老牌资本主义帝国，纽约积极地取代法国成为世界艺术中心。对于其他国家的人来说，美国代表了全新的自由和无限的可能，蕴藏几欲喷薄的炙热。这里没有难以打破的规则，没有长幼秩序的桎梏，没有被压抑的理想。苏拉日的美国就是这样的美国。

黑色之外，黑色与光

在Emilio Steinberger看来，苏拉日的作品中虽然有不少看起来类似抽象表现主义，他本人也与不少这一流派的艺术家交好，但由于他并未使用绘画作为表达感情与情绪的工具，因此不能将他归于抽表主义：“苏拉日不属于任何特定的群体，他是以个人在创作。”1979年，已经享誉世界的苏拉日摒弃自己之前的创作理念，开创了全新的系列“黑色之外（Outrenoir）”，研究此系列一直至今。从此时开始，苏拉日延续自己对黑色的衷情，完全只使用黑色一种颜色。他称黑色为“源头”，说它“既是一种色，也是一种非色”。黑色的颜料在画布上形成不同形状的表面，从不同角度反射光线。因此，苏拉日说这组作品并非“单色（monochrome），而是单色素（monopigmentaire），光成了画面中的另一种颜色，或者另一层空间，以如此简单的颜色和方式，形成不同视觉效果。高更说过：“一公斤的绿色，比100克同样的绿色更绿。”而在苏拉日画中，裹挟光线的黑色，比黑暗中纯粹的黑色更黑。

罗伯特?马瑟韦尔

罗伯特?马瑟韦尔（伯恩斯）（Robert Motherwell，1915－1991年），美国抽象表现主义画家。他可算作抽象表现派运动的倡导者，以抽象表现主义绘画以及有关现代艺术的论著而著称。他最著名的作品是一个系列画，称作《西班牙共和国挽歌》，以有机形状和深色为特点。其它作品，如《开放》系列，充满了大块的暖色调。他才智过人，学画起步也早。他曾在哈佛研究哲学，在洛杉矶和纽约曾短暂的学习过艺术，但很大程度上是自学成才的。
　　马瑟韦尔1932年进入史坦福大学攻读哲学，毕业后又进入哈佛大学致力于美学研究，而后又进哥伦比亚大学艺术史系学习。1941年听从艺术史学家夏皮罗的建议，放弃学业从事创作，开始以绘画为职业。马瑟韦尔是抽象表现主义画家中受高等教育最好的画家。
　　他认识超现实主义画家后，对超现实主义理论发生兴趣，以及他们提倡的自动主义技法。40年代他与纽约的前卫艺术家交往甚密，也是他获得成就的时期。作为画家，他是在超现实主义的影响下，特别是在与他一起去墨西哥旅行的马塔的影响下开始其艺术生涯的。1944年，他在“本世纪艺术陈列馆”举行第一次个人画展，表示自己已参加抽象表现派的先锋行列。1941年，自从认识纽约画派成员（一些来自欧洲的画家，如超现实主义者恩斯特、唐吉、马宋等）以后，试验一种超意识的绘画表达方式。1947-1948年，在一个很有影响但也短命的杂志《可能的事》（Possibilities）中任副编辑，又于1948年与人合作办了一所美术学校。1949年，他画了一幅《下午5点钟》，画上只有粗粗的黑色柱子和左右两个椭圆形大黑团。这种僵硬的黑白色域“形象”，比他前期所作的拼贴画和彩绘来要抽象得多。他把这种黑白抽象形体，称之为“挽歌”。
　　马瑟韦尔对于超现实主义的研究比较全面，并且做了有选择的吸收。马瑟韦尔对“梦境”不感兴趣，而乐于对某种强烈性和庄严性进行新的探索和发挥。1976年初，马瑟韦尔着手表现一个新的主题，也正是从这时起，马瑟韦尔进入了他事业中最多变化和多产的阶段。成为具有独创力的抽象主义代表。

　　马瑟韦尔作品的哲理性
　　马瑟韦尔创作过很多系列作品以及小主题系列。他的作品及其范围的微妙继续发展，表现出来越来越强的形式自信。对他来说，每件新作品都产生出了尚未解决的新问题，但同时又正好适应了他复杂的总体美学构想。马瑟韦尔比其他任何纽约画派画家更强烈地认为，绘画是一种哲学升华的过程。
　　罗伯特?马瑟韦尔作为一名抽象表现主义运动的先锋人物，他不仅是一位精力充沛的艺术家，还是一位学识渊博的哲学家，他以抽象表现主义绘画以及相关的现代艺术的论著而著名。战争引发的生与死的社会问题，给罗伯特?马瑟韦尔埋下了深刻的印象，在他的作品中，关于生命是其常见的主题，他总喜欢画上白色或黑色的纵向或横向的条纹和块面，其画面表现手法是建立在近似于心理分析的基础之上的。马瑟韦尔从超现实主义那里发展了自动主义绘画技法，画家所表达的一切都是在解释和分析情感和生命，与其他同时代的美国画家相比，马瑟韦尔深厚的哲学理论修养使得理性成分在其艺术创作中占有十分重要的地位。


　　抽象表现生命的挽歌
　　马瑟韦尔最著名的作品是一系列称作《西班牙共和国挽歌》的画，是以抽象表现形式为特点进行的创作，所采用的主要色彩是黑色与白色，在他看来黑色代表黑暗、死亡，白色代表光明、生命。黑白两色构成其作品的主要基调，他以黑与白对比，象征生与死这个普遍存在的哲学问题，这个生命主题还反复出现在马瑟韦尔的其他作品之中。
　　《西班牙共和国挽歌，第55号》作于1955-1960年（40-45岁）之间，是在白色背景上用几何的黑色方块和圆形间隔、交错，类似阿拉伯数字“1010”，布满整个画面。画面单纯简洁，黑色的块面上流露出挥洒笔触的痕迹。这种充满情感表现的、几乎是中国书法式的抽象，显示出自动绘画的风格特质。整个画面给人一种沉闷、压抑的感觉，这些看似无意识的画面形式，却传达给人们一种最直接的生命感受，实现了创作要表达的生命主题。在西方艺术史上，没有一位画家像马瑟韦尔那样擅长在没有颜色的黑白交响之中变幻出精妙绝伦的画面效果来。马瑟韦尔的笔触是随意的，特别是在作画的过程中，马瑟韦尔理性的力量总是可以起到决定性的作用，他试图去平衡意识与无意识的状态，在自由表达思想情感和保持一定的画面构图之间做出一种协调。

　　

汲取东方的书法艺术
　　马瑟韦尔的很多作品令人联想到中国的书法和水墨画，他善于使用黑白两色来表达对立的两种情感，特别是生与死、光明与黑暗这个生命主题，马瑟韦尔曾意味深长地说，他从中国艺术中发现，“空白本身即为美”。马瑟韦尔艺术作品的独特品质，首先是他有意识地吸收了东方书法的理念和表现形式，其次是他把自动主义视为一种创作手法，利用无意识的线条和笔触去表现画面，表现主观的思想和自身的感受。
　　中国书法注重发挥毛笔这种媒介的特殊性能与运笔的畅快自由，特别是强调艺术家身心与运笔的默契，而这恰恰迎合了自动主义绘画的理念。
　　由于喜欢用最抽象的黑与白这组象征光明与黑暗、生命与死亡的颜色，自然地让马瑟韦尔开始关注东方的书法艺术，我们可以从《西班牙共和国挽歌》系列和《非洲的套房》作品看出他采纳中国书法的笔触和意象构图来表达对人文主义的关怀。《非洲的套房》这一系列书法式绘画作品，以一种转动的运笔方式绘制而成，其中单个笔触，甚至整个构成形式伴随线与线相连，面与面组合，形似中国的书法，堪称“无意识的书法”，这种“无意识的书法”是马瑟韦尔吸收中国艺术观念和书画技巧，结合自动主义手法，带给人的一种强烈的视觉冲击，其意图是要在绘画创作中丰富人文主义情怀，从这种丰富之中演绎出具有美国特色的新艺术形式。
　　《阿尔塔米拉悲歌》是马瑟韦尔于1979年（64岁）创作的（图5），是通过石版画印刷在白色纸上的，其汲取东方书法艺术的精髓在这幅作品中表现得淋漓尽致。整个画面像是一场黑色风暴，从左往右，黑色块状和笔触令人感觉很沉重，仿佛悲伤在不断延伸，突显了马瑟韦尔一种恐惧战争，希望世界和平的人文主义情怀。

　　

极具个性的拼贴绘画
　　马瑟韦尔的艺术作品中还有一批以拼贴形式进行的创作，其特点是强调色彩简洁统一，添补的笔触天然率真。在其拼贴画中马瑟韦尔运用的色彩很简约，大多数仅用红、黄、蓝三原色，并与黑白两色抽象地混搭在一起，组成他极具个性的色彩世界。
　　马瑟韦尔的拼贴画除了其精心选择的材料之外，他还应用了自动主义的绘画表现手段突出笔触和肌理，在某种程度上，这样“无意识”地以游动的笔触来表达情感，是最直通人心灵的，最终形成了他独特的抽象主义绘画的表现形式。

　　马瑟韦尔的抽象画主题多取自欧洲近代史，不完全用当代史料。“挽歌”一词，是他从战后大量的美国诗歌中衍生出来的。这一幅《西班牙共和国的挽歌，第55号》（作于1955-1960年），有178×193.5厘米，现藏美国克利夫兰现代艺术博物馆），是他在《西班牙共和国的挽歌》这一总标题下绘成的一套组画的第55幅（全套组画共100多幅）。
　　另一幅《西班牙共和国的挽歌，第100号》，作于1963-1975年间，是他这套组画的最后几幅之一。有213×610厘米，现归艺术家本人收藏。此作后又被适当修改过，这里的“挽歌”形象似有一种连绵不绝的印象。
　　还在马瑟韦尔20岁时西班牙爆发了内战，抽象黑色是画家出于对自己青年时期往事的缅怀心理，选择了这种沉闷的抽象表现法。马瑟韦尔自称这些画是在“自发性”状态下，通过下意识活动来创作的。1960年末，即所谓“开放”系列，以墙和窗为主题。这样，原先的“挽歌”系列，至此告停。

来源：Artspace—艺术汇

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