2017“HUGO BOSS亚洲新锐艺术家大奖（以下简称HUGO BOSS）”日前在上海外滩美术馆（RAM）拉开序幕。

本届入围的艺术家共四位，除了由香格纳画廊代理的艺术家赵仁辉是来自新加坡之外，另外三位皆为中国艺术家：李明、陶辉、于吉。四个人，刚好“瓜分”了外滩美术馆的四层展厅，形成一个竖立的隔层展示结构。这样的呈现有美术馆建筑本身的局限，但是策展人与艺术家显然非常恰到好处地利用了这个局限，不仅通过分割的独立空间呈现出想对完整的个人创作面貌，也将个人的创作气氛渲染得格外清晰。然而完整空间的呈现本身对于艺术家是否足够成熟，是否有足够的能力去掌控好个人在完整空间场域中的能量把控也提出了绝对的要求。这也无形中成为了观众判定几位艺术家是否当得起该奖项的一个直观的标准。

不管怎样，本届“HUGO BOSS”的表现一如既往地不负众望。四位艺术家各具特色的呈现语言和创作特色皆有可圈可点的地方。

作为本届入围艺术家中唯一的女性艺术家于吉，使用了RAM的二层空间，也即是整个展览的开篇。然而这个来自上海的艺术家，作品呈现的整体气质却并没有非常明显的女性情绪，通过铁链、人体雕塑、松脂等材料构筑的“劳动现场”有着某种清晰可辨的工业废置感。而松脂凝固在铁丝上低垂拖沓在地面的纤维细节，却隐隐透着不安。残缺的雕塑人体部件借由堆叠摆放的气质所透露出来的无力与暧昧的紧迫感，显然是来自艺术家自身的敏锐的环境体验。由此而传递出来的场域压迫，不禁让我猜测艺术家是个轻微的环境自闭症者。然而主办方却告知我事实完全相反，于吉是个自我表达能力非常优秀的艺术家。

RAM的二层是陶辉的剧场。这是我个人最喜欢的一组作品。整个通贯的空间在陶辉的手里被改造得诗意清淡且节奏推进有序。9个独立的观赏位置构成的私人空间在一个公共的环境里，却没有形成一种私人&公共关系的对立，而是形成了某种彼此互文的协调感。与这种协调感相对应的，是9屏荧幕里循环播放的九个不同片段所呈现出来的“生死”命题。这种感受，不能说平静，但绝对是冷色调的沉郁。就像这影片的背景：日本社会。随着章节的推进，经过《演技教程》的略微荒诞但歇斯底里，最后到《德黑兰的黄昏》的忧伤与华美，整个铺叙就像是一阙明亮又沉郁的诗篇，起承转合间，回落到一个无声的自我的境地——通蓝的空间里，透着一点清凉，此时阳光在窗外倾斜出美丽的形状......

来自新加坡的赵仁辉则在RAM的四楼空间打造了一个动物，或者应该说昆虫博物馆。我不知道他的灵感到底是从个体主观的兴趣触角出发，还是与新加坡的社会教育机制有关——在新加坡，国家对于自然科学博物馆的重视与科学博物馆的社会辐及面成正比。但是从作品呈现的气质本身，可见其文化与视觉经验的渗透。而长年对昆虫、植物、动物等自然生物的关注和研究，由此建构出的一套视觉生物学的观看系统，不知是否是对于固有科学实验、科技机构&系统等工作方式及体制的反思或者批判。但是整个空间里呈现出来的类似福柯式“人之死”理论的气氛，却让我对于艺术家的反思和批判目的产生疑惑。也许如何平衡人类与自然的关系才是他的问题核心？Anyway，《博物自然馆：批判性动物学家研究所》不能说表达了某种人文自然的关怀，但绝对是以足够的关注和思考介入到社会与自然交叠的领域，系统性地提问。

李明的“回字宫”最值得击节的地方，应该是以视觉侵占的方式，在观众第一步踏入五楼空间的时候，就将一种猎险的感官体验植入成观者的感观前提。随着这种前提进入展厅，在一列排开的悬挂屏幕前一幕幕看过去的时候，那些他镜头里出现的外滩、五星级饭店、钱塘江、建筑工地等等的场景，则明目张胆的透着一种叫做无聊的挑衅。严重的信息无效。而极具个人化的剪辑手法却使他的创作好像日常状态一样无不陌生。我由此放下本能对于“意义为何”的设问，转而去关注艺术家在这个过程里解决了关于自身的什么问题。是生存现状还是生活状态？是社会环境还是个体化语境？也许是兼互的，就像他镜头里看出去的视野&视野里存在的自我。而荒诞，是普遍性常态。

展览展至2018年2月11日。