康定斯基认为在所有的艺术门类中，唯有音乐最为纯粹，是最无物质性的、最能表达艺术家情感的一种艺术形式。太多的物质性，会妨碍精神性的表达，我看康定斯基是认为绘画中的形象往往会成为艺术家表达情感的绊脚石，所以，他积极地试验在他的绘画作品中去除形象，来使他的情感毫无阻隔地传递给观众，他创造了纯抽象的绘画，但并不能与音乐媲美，虽然他认为音乐是听的画、而画是看的音乐，而实际的情况是，画永远是画、音乐永远是音乐，二者功能不可替换，也不能取代。

　　在西方较长时期的绘画已经死亡的论调下，绘画在当下仍然顽强地活着，当然，要换个活法。有些东西随着时代的发展必然要寿终正寝，而有些东西会因为人的存在必然要延续和发展。人的自身有表现的欲望，如语言、如音乐、如绘画等等。各个艺术门类可以、而且必须相互交融，但不可互相取代，音乐、文学、绘画、摄影各有各的定位，通过语言和文字无论如何也不能完整表达出音乐的感觉，绘画无论如何也不能取代摄影的功能。绘画有绘画的定位，敲锣卖糖，各干一行。

　　写实油画在欧洲之所以达到顶峰是它具有最好的对现实的模仿功能，是古代欧洲社会对图像的一种需求，所以当更好、更便捷、更经济的摄影术出现后，写实绘画的形式很快走向没落，代之而起的是更注重绘画本身研究的新的现代艺术样式。

　　中国画的材料与工具本身就不为模仿现实而生，水墨和宣纸与油画材料相比在对写实的模仿功能上显然要低一筹，但更重要的是中国传统美学对于绘画艺术性的阐述远远早于西方，中国绘画理论贬低模仿和单纯的形似。苏轼说“论画以形似，近与儿童邻”，东晋顾恺之提出以形写神、迁想妙得的绘画理论时，欧洲美学还停留在亚里士多德“模仿论”的时代。中国传统绘画也重视对自然的观察和表现，也讲究师法自然，但重在其选择、提炼、概括，取其精神去其皮毛，自然在中国古代绘画理论中是宏观的自然而不是惟妙惟肖局部的自然，“师”是观察，“法”是规律，如石涛所言的“搜尽奇峰打草稿”。 

　　今日油画的研究和实践主要有两个方面，一是形式技法的研究，二是作品精神内容的研究。两者是相互联系相互依存的，作品精神的体现必须依赖于具体的形式，好的、恰当的形式语言和技法能完美地表达出隐含在作品中的某种精神；作品的精神是一幅油画的生命，也是一切艺术作品的生命，也就是说，一幅没有生命的作品也就是一副躯壳。

　　形式与技法是实在可视的物质化的东西，可学可教可传授，它是一件作品之所以是作品的外在条件。形式看起来似乎比技法要高级一些，但它仍然只是件外衣——可变化颜色和式样的外套，为什么艺术设计不归入纯艺术之列，因为艺术设计的创作动机不是为了创造灵魂（作品的精神），而只是要设计一件美丽的外衣。同样，在一件油画作品创作伊始，如果画家的目标仅仅要惟妙惟肖地表现其物象的外表，而不意在通过形式语言去表达其作品的精神内涵，仅仅是炫耀其技巧而不是使其技巧为作品内涵服务，那也只能是徒有其表的、物质的空壳。

　　作品的精神则是看不见摸不着的非物质的显现，既虚无缥缈又确实存在，只能意会不可言传，艺术家的观念、艺术指向及修养是作品精神体现的基础。观看对象对作品所体现出来的精神的把握，则会因为接受层次的差别而“仁者见仁智者见智”。作品所激发出来的审美情感和触及观众心灵的效应，会在具备相应接受能力的观众心理产生物化反映，从而完成了艺术作品的全部功能