好的绘画作品应该既无花里花哨的色彩，亦无哗众取宠的装饰，它常常只有纯正的形与朴素的色。画家要以单纯的、朴实的、节制的、毫无挑逗的色彩与笔触面对观众，要抛弃奇异和霸气的心态，要带给人们一种耐人寻味的精神世界。

　　对绘画而言，物象与色彩的形态是自然存在的，只有那些通过心灵的意志创造出来的形与色才是有价值的。那是某种神秘而主观的个性视觉体验，它存在于构图与色彩的背后，是它重新把物象、感受与生命形态联结起来，这才是真正的美，也是我追寻的美。

　　在有了各种影像表达手段后，任何忠实地描摹再现物象的手段早已难以成就一幅杰作，因为即使它满足了绘画平面建构的各种条件，它仍然缺少必要的主观审美。这就是说，如果画家缺少对各种现实元素的选择与过滤，那他的作品只是物象的摹本，而不是视觉与情感的升华。

　　绘画的起始和最终的目的都是为了追求画面构成的完美。我的目标是寻求构图的节奏、和谐和物象相互间的关系，同时又避免公式化。我不擅长主题先行式的作画，而是愿意发掘想象中的情景。使用那些我们每个人都熟悉的素材，能使我个人的创作倾向得以发挥主导作用，而且还能创造出无尽的可能性。

　　垂直线和水平线是我常用的一种构图手法，它们在画面里起到平衡和稳定的作用，而选择几何物象，则有利于在构图上产生

　　整体的和谐感。画面上的每个物形和摆放都是经过深思熟虑的，我视其为一种关系或提供一种和谐。画家所面临的挑战是把画面的每个部分都有机地组织起来，不让任何细节有任何的孤立与疏忽之处。

　　有人喜欢色彩美，有人喜欢形式美，有人喜欢线条美，而我更看重画面微妙的肌理美。由画面的肌理效果带来的气息与感受是艺术创作的重要组成部分，忽视肌理效果会削弱油画作品的感染力。

　　多选择静物、风景而较少选择人物为描写对象，是因为我讨厌世俗的盲从。静物、风景是我与自然、世界交流思想、传情达意的绝好载体。将枯树杂草、瓶瓶罐罐之类重新构筑成新的框架，用一种新的构成，去完成一种新的境界，这是我永远的追求。

　　静物画可以被认为是“抽象画”的另一种形态。站在莫兰迪的作品前，触动你的是这堆瓶子、罐子吗?还是其背后的某种东西?

　　我想应该是一种难以言表的感觉、形式与存在，它与常见的人物、事件已没有直接的关联，但它依据形式、空间、光线和色彩来表明其存在与价值。

　　绘画要生存下去，必须要保持其纯粹性。不仅要与自然、与人性深入交流，更要关注自己的内心的世界，保持内省。要不断追寻事物的本质与真相，要用理性来驾驭感觉与情感，让视觉来统领画面，然后才可能赋予绘画永恒之价值。

　　自古以来，中西绘画都各自有自己的发展逻辑。除了审美、材质、技法等差异外，对空间、对光线，中西艺术家更有着截然不同的认识。这种差异不是轻易可以调和的，而且我也看不到调和的意义何在。盲目地叫嚷“中西融合”，我认为有时是一种“和稀泥”的行为。认识差异、保持差异才能为艺术的发展带来内在的动力和发展的可能性，如果最后的结果能殊途同归，难道不是更有趣吗?

　　当今时代，艺术正向多元化的方向发展，艺术与非艺术的界限变得愈来愈模糊。艺术家只有在冷静和理性的状态中，才能把握识别真正的艺术。我不是那种跟随多变的时尚潮流奔走的人，我作画是出于情感和认识的需要。有人把我的作品称作“新视象绘画”，其实名称是什么不重要，重要的是精神、心灵的表达，是画家对艺术的不懈追求和为之付出的努力。

　　2001 年初稿于鞍山

　　2012 年修改于杭州

作者：韩宇光