作为一个真正的艺术家，首先是视艺术与生命同等重要，能够用一辈子的虔诚去追求和修炼艺术。作为德艺双馨的追求者和实践者，我以为一方面首先要修身立德、严格要求自己，另一方面尽可能地提升自己各方面的学识修养，在技艺上要有独到超群的地方，然后还要在去除一切以功利为目的前提下的“诲人不倦、传道、授业、解惑”，以造福社会益及乡梓并最终达到弘道。

有建树的艺术家，大多能关注和重视市场，又不为市场所左右。他们都比较注重修炼，不甚注重享乐，追求一种随意简淡的自在式的生活，将人性的挑剔、斤斤计较和不满足的本能移诸于对艺术的探究上。

每一位艺术家其创作灵感的产生都是各色其色的，多种多样的，既有偶然突发性，也有长时间酝酿构思而成的。而无论那一种灵感的产生，都不能忽视平时的积累，基本功的好坏、速写、默写的练习，对各种绘画样式的关注，对社会、人生的思考和对身边人物、环境的留心等等，都会作用于灵感的出现。

单纯的讲技法形式，很容易陷入形式主义的泥潭而成为毫无意义的笔墨游戏，但不讲究形式的高下、雅俗之别，也势必影响艺术的深度而沦为低俗与乏味。

敏于行、纳于言、不显山、不露水、不计成败得失，只求过程。这，似乎应该是我等真正醉心于艺术的画人们应持的立身处世之道。

作为有追求的书画工作者，出于对书画的喜爱，并不应该有寂寞之感。至于如何面对社会上形形色色的诱惑，全因各人不同的爱好追求，不同的价值观和定位而有不同的表现。其实，诱惑也不仅仅是对艺术家。面对各种诱惑，首先要本分，超出自己能力所及的事不做，不应得的利益不去奢求。对待得失要能保持一种平常心态而处之泰然。

唯美是求，唯奇是取，既重一波三折、屋漏痕、虫蚀木一路，又喜装饰性、趣味性之格致，熔传统与现代、骨法用笔与制作效果于一炉。窃以为此不失为创新之一法也。

中国水墨画最吸引人、最能使人陶醉的便是那画中的浓浓淡淡、干干湿湿、黑黑白白的对比构成，而这些对比中，亦最能体现每一个画家的不同素养和习惯。

书法与国画的关系相当于骨肉的关系，骨肉本不可分离，现在之所以被人认为书法与国画的关系有脱节的现象，是因为我们一些画人没有很好的学习研究书法，没有了解书法骨法用笔的原理，他们将油画或水彩的一些涂、抹、改的技法用来画国画。真正的国画用笔每一笔下去都有起笔、行笔、收笔的意识和迹象，尽管有些时候行笔很快，也尽管有些时候需要涂抹，但都要体现一种书写性、一种象写毛笔字那样的一笔就是一笔，一笔之中体现出抑、扬、顿、挫，可快、可慢、可连、可断，但意不能断，也不涂改，要改也要重新启动一笔在原位置上重画。

坦率的说，目前大多数的水乡田园画，从境界上讲，显然地处于“写景”的状态，就是说还比较多的依赖于自然之景。概括、简约、借景抒情、苦心经营而富于内涵、既不失客观特定所得又能随心所欲构成的作品毕竟还不多见。

从题材上讲，水乡田园画无疑更易于勾起人的感情，它直接、烟火味十足。然而，它平凡，无可循环之规律，它需要慧眼的开掘。

一个成熟的画家，除要具备真知卓识、正确的观念、坚强的毅力，还需要有自己独到的技法形式。

如果我们每个人，都有一心一意干事业的决心和和精神，还怕社会风气不纯正、还怕出不了人才、出不了作品和成果吗？

一个画家的创作风格和艺术取向不单为个人的气质、喜好而定，还受到师承、基本功、学识底蕴等等因素的制约和影响。

作为一个艺人，最难和最富于挑战的，吾以为莫过于能够保持一贯的追求，既深入吃透传统、比较中西，又能根据具体的作品内容和意境去设计形式技法，做到既有常又有变并时出新意。

所谓体现生活，并不是简单的截取，记录生活的某一部分入画，而是着重在一个“触景、生情、比兴、意会、融通”的整个过程 。

复制自然，再现客观物象的美不应是高手之所为，高手应是能打破自然的空间观，创造出富有自己特色并独立于自然的审美图式和技巧规律。

大凡好的完美的艺术，都不是用文字或语言能阐释清楚的，这种阐释除了有牵强之嫌外，有时还显出苍白和乏力。

题材内容在一定情况下可能会影响形式技法的运用和发挥，同时，在一定情况下，亦会促使技法的变革改造和创新。

作者：叶其嘉