从某种程度来说这就像是音乐——我们难以用语言去描述它，然而它的确能够以一种超越理性的方式打动我们，并持续与我们的感受发生关联。在我的作品中，我希望为观看者制造一种微妙而复杂的体验——某种混合了乡愁、幸福、冷静、黑暗、情欲等多种情绪的混合体；某种接近于人性的东西……

——詹姆斯·理查兹（James Richards）

詹姆斯?理查兹（James Richards），出生于 1983 年

今年五月，詹姆斯·理查兹在北京的魔金石画廊举办了他在中国的首次个展“以扰之名”（On Disturbance）。在展览开幕的前一天，我们获知这位刚刚三十出头的年轻艺术家被特纳奖（Turner Prize）提名的消息。理查兹的肖像是我在展览开幕当天在画廊门口给他拍的，面对镜头，这个不善言辞的大男孩显得有点局促，甚至不知道要把手里的啤酒放到哪儿。

本文标题取自于笔者在整理采访的下午，脑子中突然闪过的一句中文歌词。歌曲本身与詹姆斯·理查兹的作品本身毫无关联，虽是断章取义，却越想越觉得契合。

其一，是因为“断章”几乎是构成理查兹所有录像作品的创作手法——截取自于YouTube的视频片段、取自图书馆的档案资料、或是来自艺术家本人拍摄的私人影像，这些本无关联的材料聚合在理查兹的作品中，从不同程度上脱离了原有的语境并被赋予了新的含义，被与图像本身无关联的声音所覆盖，并以一种极为缜密但又看似轻盈的方式被联结在一起。

其二，是由于这句歌词文本自身的感性，同样也与看过理查兹的作品的观感产生呼应——然而观看的经验本身是往往是不可言说的，所以，或许我的这个比拟只有面对同样亲身在展览现场观看过理查兹作品的读者才能有效。理查兹也在采访中一再强调观看作品的“体验”与“感受”，并多次提到声音艺术与他作品之间的关联，二者的共同点，是都会在特定的时间与空间环境下让人产生不同的感受，而这感受或许对于每一个人来说，都截然不同。

ArtWorld：在你的作品中，声音一直是非常重要的元素，包括你的剪辑方式也带有一种韵律感和节奏感。相信音乐对你的作品产生了不小的影响。可否请你谈谈在你的作品中，声音与图像之间的关系。

詹姆斯：自青少年时期开始我就非常喜欢音乐，我想声音也是最初导致我开始对艺术产生兴趣的媒介。记得在 16 岁的时候我购买了一台声音采样机，在这之后的几年里，我使用它录制了大量来自自然环境、电影院或是其他特殊空间环境的声音，并试图将这些片段组合成形形色色的声音旅程。伴随着时间的推移，这种对于“声音拼贴”的兴趣逐渐变得更加严谨和系统化。而在开始当代艺术实践、并以录像艺术作为主要的创作媒介以后，我更多是以装置的形式在进行这些“拼贴元素”的组合。在我读本科的期间——大概是 19 岁左右的时候，我首次尝试在作品中使用来自网络资料库的素材，那是一部拍摄于1970 年代的无声电影，整部电影记录的是纽约双子塔的搭建过程。我开始尝试创造不同的音效，并选择合适的声音配合不同的画面。与此同时，我也录制了大量的“拟音”（foley sounds，后期音效的一种，特指音效和荧幕同步的声音）。我非常享受整个创作过程，甚至从某种程度觉得可以通过这种特殊的方式将这建筑留存。我感兴趣于将图像和声音结合时，二者可以同时发挥不同的效果：图像更多是被用来吸引和维持观者注意力，而声音则被用来调动观看者内心的感受。通常在我的作品中，声音与画面本身是毫无关联的，二者以一种新的方式被连接。比如说，录像上的图像明明是一大群人聚集在夜晚的画面，然而，伴随画面的并不是欢呼的人声或者是城市的声音，而是某种非常微弱的液体流动的声音。通过制造声画之间的差异，我意图以此来调动观者内心的节奏。

ArtWorld：在此次采访之前，我重复播放你的录像作品《不是停电，只是把灯关了》（Not BlackingOut, Just Turning The Lights Off ）将近 10 遍。诚实地讲，我依旧无法清晰地用语言描述这件作品究竟关于什么。然而，在循环播放的过程中，一种类似于“沉浸式”的观看体验逐渐产生，我的眼睛仿佛被吸附在荧幕上，而这感受伴随着播放的循环以及作品中本身就具备的“重复”（repetition）变得越发强烈。我想知道你自己会如何形容自己的作品？以及你希望他人如何来解读你的作品？

詹姆斯：于我而言，我希望这些录像并不是能够用语言被清晰描述的，而是在这一段观影时间中产生的某种体验，对于观看者来说，我希望这种体验是他们会愿意重复去感受的。从某种程度来说这就像是音乐——我们难以用语言去描述它，然而它的确能够以一种超越理性的方式打动我们，并持续与我们的感受发生关联。在我的作品中，我希望为观看者制造一种微妙而复杂的体验——某种混合了乡愁、幸福、冷静、黑暗、情欲等多种情绪的混合体；某种接近于人性的东西……你知道，在现实生活中，我们从不会在某一时刻只感受到某种单一情感的，我们的情绪总是集合了多样化的层次，不是么？而在我看来，一件艺术作品也应当具备制造这种体验和情绪的能力。

ArtWorld：在你看来，声音的特质是什么呢？声音是否可以捕捉到某些影像无法捕捉的东西？

詹姆斯：也许用“捕捉”这个词形容是不恰当的，也许更应该说“制造”，在聆听者身体中“制造”某些东西。对于观看者来说，图像与他们的关系是分离的；而对于聆听者来说，声音是可以占领他们的。当二者同时发生时，声音会首先在观者身体中产生效果，并直接影响其对于图像的观看方式。我很开心你在问题中提到了“重复”的概念。在我的录像作品中，我逐渐找到一种将重复与静止并置，通过一种直觉的工作方式有效地将二者结合，以此在作品中创造一种对于观者的吸附力。我喜欢录像本身可以具备的这种节奏与运动，使简单与繁复并存……

ArtWorld：每一次展示过往项目的时候，你似乎都会尝试以新的方式去呈现它们。譬如此次在魔金石的展览中，你呈现了两个过往的作品：《雾之组曲》（The Misty Suite,2009）以及《无题（电影项目）》（Untitled(Cinema Programme),2006），尽管画廊的空间面积有限，在展览空间的规划上你们却下了很大功夫。作为一个主要以录像为创作媒介的艺术家，可否请你讲述一下展览现场规划与作品的关联及其重要性？

詹姆斯：我喜欢在呈现作品的方式上进行各种实验。每次面对不同的展览空间，同一件作品都可以以不同的方式被呈现，而这也会为作品本身赋予更多层次，并给予观看者一份全新的观看体验。而且这本身也是一个非常实际的问题：当一个艺术作品面临展览时，艺术家必然会考虑到空间的物理环境，思考如何让作品与这个特定的空间契合。在当下，画廊依旧是呈现视觉艺术的主要载体，它是一个可以让观者步入其中的实体空间。而对于我而言，在特定空间的体验是非常重要的。当然，我也可以选择在网络上发布我的作品，不过我更倾向于在一个真实空间中进行展示。

ArtWorld：此次在魔金石的展览“以扰之名”（On Disturbance）中，展览空间被改造为一个迷你影院的结构。然而你却刻意地让空间留有一个开放的出口，导致展场外的噪音与光线都可以介入空间。这一举动似乎亦与展览标题产生互语。可否请你解释一下此次的展览题目，以及你对于此次展览空间的设计与规划。

詹姆斯：首先，干扰与重叠的概念对于我此次展览的作品是非常重要的。此次展览的两件作品，它们的视觉素材都取自于不同的来源和地点，同时在呈现时都被与画面无关的声音渗透。与此同时，通过两件作品被剪辑在一起并循环播放的方式，又使得两件本来彼此独立的作品相互产生关联。“以扰之名”的“扰”主要指代的是当不同的材料并置时，它们对彼此的干扰与磨合。与此同时，展览标题也与两件作品共同具备的诡异氛围相关，观看作品的体验类似于缓缓入睡或是从梦中醒来的过程，与此同时，作品中所采用的素材，有很多都来自夜晚，同时还有大量的眼部运动，仿佛是逐渐脱离意识或者进入催眠的状态。

詹姆斯·理查兹，《无题（电影项目）》（James Richards, Untitled(Cinema Programme)），录像，17分43秒，2006，Courtesy of the artist

詹姆斯·理查兹，《雾之组曲》（James Richards, The Misty Suite），录像，6分48秒，2009，Courtesy of the artist

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