邢少臣1955年生，北京人。中国国家画院研究员，中国国家画院邢少臣导师高研班导师，国家一级美术师，中国美术家协会会员，中国画学会理事，中国艺术研究院特聘研究员，熙社画会名誉会长。

　　邢少臣先生谈到：笔墨问题是一个老生常谈的问题，因中国画是最讲究笔墨的，但笔墨问题不是一成不变的，个人认为笔墨有三个阶段：(1)从无到有;(2)从有到生;(3)从生到无。

　　一个画家在初学绘画时是没有笔墨可言的，都是从临摹开始，临摹就是学习掌握前人的笔墨经验，在临摹学习的过程中不断提升自己的笔墨技巧。有了一定的基础后，就可以去写生，写生后再临摹，来回反复中寻找属于自己的笔墨语言。

　　我很赞同吴冠中先生的一句话：“笔墨等于零”，吴老是八十多岁时讲这话的，对于老先生来讲，出手就是笔墨，出手就是教科书，这个时候对他来说，别说是笔墨，世界万物都可视为零了。当然，对于初学者来说，笔墨很重要，必须天天练习，不断探索。没有对传统笔墨的反复锤炼，就是空中楼阁。

　　据不完全统计，中国画画的有近千万，在近千万的画家里，如果没有独立的艺术主张，没有独特的笔墨语言，怎么可能有你的一席之地呢?

　　从有到生的“生”是生发的意思，生发是必须长时间去锤炼、去探索，我们很多画家临摹别人的水平很高，可自己的个人风格在哪呢?从学画开始就要思考个人风格的问题，必须寻找自己的笔墨语言和符号，这样才能看到自己独立特行的风格。齐白石、黄宾虹、吴冠中都有自己鲜明的艺术语言。

　　我是画大写意花鸟画的，深知画大写意花鸟画很难，要有个人的风格更难。花鸟在农村、在山野、在田间，城里只有公园式的经过修饰的花鸟。花鸟画家应多去农村、山野和田间，用心去体悟生活，感悟那里人们的生活状态。因现在科技进步很快，农村越来越城市化，花鸟画题材在不断枯竭。中国的写意花鸟画在世界独树一帜，对笔墨的要求很高，要想画好写意花鸟画，首先对中国的笔墨要有充分的了解。

　　我在97年提出“雕塑性大写意”这一概念。雕塑性的语言就是强其骨，强调笔墨的运用，要敢于用笔墨，要将笔墨用到极致，就是要充分发挥笔锋、笔腹、笔根、笔杆的功能，就是要充分发挥墨的性能。

　　我主张用笔要如铁牛耕地一样，这样画出来的画就会大气。中国画的黑就是亮，不是简单的黑，越黑越亮。在大写意花鸟画里，墨分“浓”、“淡”两色就够了。古人看画是三五知己拿出画来近距离把玩，墨分五色能有层次感，但现在大多都挂在大墙之上，变化太多，画面就花了，要减少局部变化。局部变化太多就没有风骨了，要敢用黑墨，会用黑墨，敢用焦墨，会用焦墨。不要用特技，我反对“特技”。味道是宣纸特有的性能。

　　如果没有自己的笔墨语言，都依附在别人身上，那是你自己吗?别人的笔墨语言跟你有关系吗?重要的是要找到自己的笔墨语言，要未雨绸缪，要自己去思考、去探索。从学画开始，就要有一种钻牛角尖的执着精神，每个老师都有自己的风格，要有分辨能力。老师上课是开阔眼界的，学生要有选择性地吸收，要善于转益多师，博采众长。

　　中国画是一个永恒的主题，很多人都在努力，为什么四百年才出一个“八大山人”?一百多年才有一个齐白石?因为要形成独特的风格不是件容易的事情，需要树立鲜明的风骨、风貌，要跟上时代，融入时代。笔墨语言要有前瞻性，黄宾虹曾经说：“我的画是给五十年以后的人看的”。因此，我们要想一想，五十年以后，八十年以后笔墨语言会怎样?人民的审美取向会怎样?为什么要用黑墨?焦墨?我个人认为人民的审美取向肯定会变化。齐白石是当时那个时代的优秀代表，如果我们今天只一味模仿，那我们就没有存在的必要了。

　　艺术上有不少前辈是艺术的高峰，我们不要轻易提“超越”，都不是一个时代，怎么超越?他们只是把自己的“自留地”种得好，我们也在种自己的“自留地”，只要我们努力了、付出了就够了，好坏让后人去评说，我很反感说“超越”。如果老想着“超越”，增加心理负担，不是找累吗?我的观点不是“超越”，谁也超越不了谁。

　　最后和大家讲讲书法和绘画的关系问题。我个人认为书画同源但各成体系，先练书法再练画是个误区，绘画的用笔方法比书法丰富得多，虽然都是线，但书法不是绘画的基础，是一母所生的“双胞胎”。书法是讲求字的结构问题，画是讲究形象。书法是一门艺术，不是绘画的基础。当然练字对画画没坏处。作为画家练书法，重要的是字与画的统一。值得注意的是，画大写意时不要拘泥于执笔的方式，怎么顺手舒服最重要。

　　中国花鸟画的精神就是人的精神，就是借物抒情，表达的是天地之心，抒发的是家国情怀。画有没有精神就是画家有没有精神的注入，这是作品是否有生命力的重要标志，也是作品的魂魄所在。

来源：雅昌艺术网