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“美国难得一见”（America Is Hard to See）展览现场，2015

对大多数美术馆而言，窗户算是罕见之物——它们的存在既占用了宝贵的墙面空间，由它们透入的光线又可能对艺术品造成损坏或产生不必要的干扰。更重要的是，无窗的美术馆空间可以生成这样一种意识形态：通过将美术馆营造为与外界隔绝的空间，它象征了艺术的自主权，切断了观众目光与外部世界的联系。比如，马歇·布劳耶（Marcel Breuer）1966年为惠特尼美国艺术博物馆（Whitney Museum of American Art）设计的建筑，便只有几扇穿透墙面的小窗户。这些“眼睛”并不是用来向外张望，而更多是为了对美术馆外麦迪逊大街的商业主义表示深刻鄙视。从美术馆内部看布劳耶的这些窗户，其形状与同时代的弗兰克·斯特拉（Frank Stella）的造型画布、或托尼·史密斯（Tony Smith）的多面立体结构有着亲缘般的相似，人们需要把目光停留在它们本身而非透过它们向外看，这使参观者更易于留意展厅内的作品，而非玻璃窗外的街景。

但最近几十年，对于扎根于世界之内、代表世界本身的艺术的文化诉求与日俱增，这一变化—一方面源于艺术越来越趋向政治参与，另一方面源于艺术机构也急需吸引更多的参观者—要求展览空间能更具“通透性”。于是，阳光射入了艺术的领地——而且恐怕没有哪个机构能比惠特尼新馆这座由伦佐·皮亚诺（Renzo Piano）设计、位于纽约肉类加工区的建筑对此更为慷慨。这座建筑拥有多处露台及朝向各个主方位（不仅是传统上的朝北）的落地窗，美术馆空间被自然光充溢，强调着艺术和外部世界间潜移默化的相互渗透。但这同时也产生了一个令人头痛的问题：如何才能处理好照明区与所陈列的美国现代艺术品之间的关系？

惠特尼新馆举办的首展“美国难得一见”（America Is Hard to See）如很多评论所言，在许多方面都算是一次成功的展览。展览标题（也恰巧也让人联想到有关光的存在或缺席）取自于美国诗人罗伯特·弗罗斯特（Robert Frost）作于1951年的诗（在这首诗中，哥伦布被描绘成了孤芳自赏的糊涂虫）和埃米尔·德·安东尼奥（Emile de Antonio）拍摄的有关尤金·麦卡锡（Eugene McCarthy）参与1968年总统竞选的影片。这一涵盖了一个多世纪美国艺术的展览，既提供了百科全书式的博识，也蕴含着非凡的内在凝聚力。展览在将美国艺术置于美国历史之语境进行描述的同时，透过对一个国家的怪异性、脆弱性、以及偶尔的暴行的关注，避免了爱国主义式的哗众取宠。

— 文/萨拉 K. 里奇 | Sarah K. Rich 译/钟若含

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