当我们谈论“当代艺术”时我们又在谈论什么? 2015-02-10 赵阿萌 爱艺客 爱艺客

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　　当我们谈论“当代艺术”的时候，往往跟质疑声分不开。诸如“这也能叫艺术?”的说法经常会听到。那么也许我们可以来聊聊当代艺术究竟是怎么回事。

　　我们平时所说的“当代艺术”，首先是一个时间的概念，指的就是我们当下正在发生的艺术。

　　但这个时代是一个前所未有的时代，与历史上的其它艺术时期有着巨大的差异。

　　我在上一篇文章中，试着谈论了“现代艺术”时期相较古典艺术观念的革新性进步。但有着毕加索、梵高、马蒂斯这些大师的“现代艺术”时期，依然有着自己在观念上的局限，或者说，他们的思考仍然停留在“方法”、“形式”上。

　　例如当时的“写实派”与“抽象派”，虽然理念完全不同，但其实都是艺术表达的种类。某种程度上而言，它们都只是“描绘这个世界的不同方法”。

　　当时的争论伴随着各个画派的宣言，每个画派都认为自己才代表了真正的艺术。但是，艺术创作应该有风格的限制吗？风格真的有优劣、对错之分吗？

　　正像上一篇文章中提到的，杜尚是第一个意识到这一点的，而他比他的门徒们早了一个时代。

　　当时的杜尚看到艺术界被各种画派割据，感到十分荒谬。他开始思考艺术也许可以不仅仅是一个形式上的事情，对于艺术来说，更重要的是艺术家的观念。

　　而他用一个惊世骇俗的作品做了一次近似恶作剧的实验——

　　即传说中的“小便池”。

　　在这件1917年诞生的作品中，杜尚做了这么几件事：

　　他首先挑选了一个男用小便池，将其翻转90度放置，一个他觉得看起来很有趣的角度——在这个行为中，艺术家呈现了一个全新的形象：小便池不再具有原本的实际用途，变成了一个有着漂亮线条的洁白陶瓷制品;

　　然后，他在上面签上“R. Mutt 1917”——艺术家的名字及创作年份常常被签署在作品上，作为一个正式的落款(这个名字是随便取的，只是单纯为了不让人发现作品是杜尚做的，因为他那时已经很有名气);

　　最后，他将这件作品取名为《泉》——即“Fountain”，一个古典艺术中经常出现的意象，在这里显然成为了一个有点儿戏谑的冷笑话。

　　杜尚匿名将这件作品送去参加展览，并毫不意外地没能被同行们接受。 当然杜尚对不被接受一事毫不在意，“被接受”从来都不是他的创作动机。如果他有什么动机的话，“质疑”也许是其中之一。

　　杜尚曾经在接受采访时说，他总是忍不住去质疑一些固有的现况。

　　比如当他在画画的时候，他发现即使是画一副抽象画，大家也总是会去把画布“填满”，而他看不出这有什么非要如此的必要。

　　而这件小便池做成的作品《泉》，为什么不可以是一件艺术品?他在其中加入了艺术家自己的思考，引导人们用一种全新的方式去理解、观看——就因为它是一件买来的现成品，就不是艺术了吗?那如果这是艺术家亲手做的陶瓷雕塑呢?

　　到底什么才是艺术？

　　这就是杜尚通过作品抛出的问题。这也是为什么这件作品曾打败毕加索的作品当选20世纪最具影响力的艺术品——说它改变了之后艺术发展的进程也不为过。

　　但杜尚毕竟是早了一个时代，他真正的信徒们要等到二战结束之后才开始显示出影响力。

　　大概30年后，他的一位法国老乡伊夫·克莱因开始对“什么是艺术”产生了同样的思考。

　　据说当时才刚成年的克莱因和小伙伴们躺在沙滩上闲聊，克莱因望着天空，想象自己在云朵旁边签上了他的名字，并向朋友们宣称：“蓝天是我的第一个作品。”其天马行空的程度实在是青出于蓝。

　　克莱因对于“艺术不是形式，而是观念”的观点比杜尚要更加极端。某种程度而言，他追求的是一种绝对纯粹的“感受”。

　　因此，艺术对他来说，甚至不需要是物质化的。

　　克莱因为了表达自己的观点，做了一次同样惊世的行为：

　　他说服一位藏家买下一件他称之为《非物质的绘画感受区》的作品：当着证人的面，他交给藏家一张证书，而藏家则付给他金箔。随后，他将金箔扔进塞纳河，而藏家也要立刻将证书烧毁，将灰烬撒入河中。最终，什么也没有发生过。藏家购买的是一次特别的过程、一个虚无的结果、以及一段真正属于他的“感受”。

　　克莱因34岁就英年早逝，但他在短短几年之内就震动了欧洲艺术界，关于他实在值得单独写一篇细说。而在远离欧洲的纽约——当代艺术真正的大本营。颠覆也在同时进行着。

　　上世纪五六十年代，安迪·沃霍尔所在的纽约已经进入了现代艺术“宣言时期”的尾声，但主义之争还未真正结束。甚至当时的罗斯科就认为自己找到了一种“更好”的艺术表达手法。

　　而沃霍尔对此提出了跟杜尚相似的质疑。他在接受采访时曾说，“你怎么能说某种形式优于其它形式呢?你应该有下个礼拜就成为抽象表现主义者或写实主义者的能力，并且在这样做的同时不觉得自己放弃了任何东西。”

　　沃霍尔的第一件创作是“可口可乐”。在安迪·沃霍尔看来，没有什么比“可口可乐”这个形象更能代表这个物欲的消费时代了。

　　那个时候的纽约正是美国战后消费主义盛行的时期，整个社会被各种商品、充满物欲的广告轰炸。敏感的沃霍尔很快地意识到了这一点，并试图通过艺术来表达。

　　在“可口可乐”之后他选择去绘制的坎贝尔汤罐头——这个工业消费时代批量生产的速食的“美食”，也正是消费时代的符号之一。

　　而作为大众性感符号的浓妆艳抹的玛丽莲梦露——不是作为一个“真实的人”的梦露——也跟可口可乐一样，是这个物欲时代的象征。

　　最终，这些批量复制的丝网版画的汤罐头、梦露、美元、可乐……像视觉轰炸一样袭来——正如那个时代一样。

　　而当这些版画在画廊展出的同时，沃霍尔还在画廊里摆放了几个布里洛肥皂的包装盒。

　　这几个盒子外表看起来和超市经常看到的包装盒子没有任何区别——如果说杜尚的小便池还调转角度签上名了的话，沃霍尔的盒子则在外观上没有任何差异。而“没有差异”正是艺术家煞费苦心追求的效果。

　　在哲学家丹托看来，这个举动真正颠覆了艺术的旧时代——一个物品是否是艺术品，不再依靠外观来进行分辨。

　　这些与超市看到的一模一样的盒子，当它被摆放在画廊里，和浓汤罐头、梦露这些消费时代的符号放在一起的时候，它就具有了一种新的语境，以及一种全新的看待它的角度——它变成了一个浓缩的符号象征。

　　那么，这些真实反映着社会现状、表达着艺术家观点的“符号象征”们，为什么不能是艺术品呢?

　　自此，“何为艺术”的问题终于成为了一个“真问题”——当艺术的定义和“形式”不再必然相关，这个问题就最终进入到哲学层面(而非风格层面)的思考。

　　或者说，只有当任何东西都可以是艺术品的时候，“什么是艺术”才成为了一个真实的问题。

　　这就是这些前辈艺术家们开创的新时代。

　　本文来源：赵阿萌的知乎专栏

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