谈到道家，最具代表性人物的是“老子”，“庄子”，他们的“天地人合一”及无为的理念，千百年来影响着中国人，他们对自然的顶礼膜拜与关注，使得中国的山水画从六世纪开始，，逐渐人物背景分离出来，在八世纪唐代开始，成为独立画种，到了十世纪的宋代，取代人物画成为中国绘画界的主流，直至今日；这绘画潮流也深远的影响了日本和韩国的美术。

    中国绘画的传统格局划分，为山水画人物画和花鸟画，而山水画的流派非常多而复杂，以至于中国流传下来的绘画史及绘画大师，大多来源对山水画及山水画家们的论述。百年来为山水画写书论著的，非常多；其中明代大学者董其昌对后世的影响最大，他把山水画分为写实的北派，和写意的南宗，极为推崇南宗的文人画。把它列为绘画的正脉。

     但无论画派如何的分歧，中国的画家们都一致的偏重于笔和墨，而轻于色；这也应该源于老庄的阴阳两极理论，按此理论，阴阳黑白两极，可造就和概括世界万物。中国的画家们，把虚实、阴阳与黑白的运用，也发挥到了极致。看中国古典绘画，应该从四个方面着手。

（1)墨法：

追求墨韵， 中国式的黑白，不是普通的深浅和明暗简单分级，它甚至引入了更多的对比理念，如干湿对比、粗细对比，笔触力度对比和快慢对比；在中国式的黑白对比体系里。黑已经不是简单的黑，即使是同样的黑度，人们把它分出干湿的不同，力度的强弱和轻盈或凝重。呆滞或灵巧·····中国古典绘画，发展到后期，最终以细致到极致的黑白运用，取代了色彩；成为中国画的主角；墨法，是带有情绪的黑白之法。所以，中国有一句画“墨分九色”，这种黑白，以准确扑捉物象的灵魂和营造画面的气韵为目的。

（2）笔法：

   中国的绘画，不单是形的艺术，更多的看重笔触的结构和意味。

   老庄的简约哲学，在美学上的深化，细致到最微小的“点”都应该“形神兼备”，如中国山水画的树叶，大多是由点来组成，在纸上瞬间凝成的点，需有叶的神韵；这种要求，需要非常熟练的技巧和训练，中国的画家们对点线面有着非常系统细致的分类，如山水画里点的方式有两大类，又大致可分为二十来种，线有“十八描”；面，在山水画里有一个特殊的名字“皴”，即运用带有物体本体肌理的的笔触，表达物体阴阳和明暗，塑造物象的形体重点突出表现其材质。而这种皴法，大致也有十几种。

     一般来说，系统全面掌握传统点线面的技法。在5-10年的练习后，可以基本掌握，但中国“笔法”里包含两层含义，一方面是技术上的，另方面的含义就极为抽象：称为笔力，要求笔触灵动，思绪从笔尖流淌出来，.这就是涉及中国画的第一要求：“气韵生动”。

笔与手的瞬间配合，通过指尖把力度传到笔尖，让笔有快慢轻重和换向变化，这样出来的笔线是非常丰富的，从而自己的潜意识也留于纸面，这种追求带上书法的意味。常见的说法，如“力透纸背”“力能抗鼎”“棉里藏针”······所以人们喜欢说画是用心去读的，不单单是眼睛看。除了读画面形体和技法，作者的笔触也非常重要。传统中国人对笔触的要求是非常严格的，人们对其极度敏感和并评定出等级，人们把只懂绘画技法的画者称为画匠，只有懂得运用笔力主动表达自己感受的人才能称为画家。为万物造像不难，难的是写其神。

     千百年来，把技法与笔力融合一体的中国式笔法，一直是中国传统绘画的底线和生命力的来源；至今，依然无人可以挑战这一底线。

（3）章法构图

     道家那种自由散发性的思维方式，反映在山水绘画上，有着一套非常独特的透视方式，叫做“三远”透视法。“平远法”用以表现景象的广阔，“深远法”表现俯视下的深度和厚度，“高远法”表现景象的仰视效果，中国的绘画，往往三种透视法同时出现同一幅画里，用以表达作者对景象全面而立体的感受。这种表达方式，在传统西方绘画里是没有的。这些方式，假设用摄影的方式来完成，应该是多幅景象的重新合成。类似广角摄影，或有些立体主义绘画的因素。

     同样，中国绘画构图也是讲究阴阳两极对比，如画面的“开与合”，“疏与密”，“虚与实”。在图式上，有很系统的划分，其中最有趣的是画面构图“开合”的概念，和“做眼”的概念，与中国围棋有些类似。中国绘画讲究围气。

（4) 色彩

在中国的早期绘画里，是注重色彩的，在山水占据画坛主流后，色彩则成为一种绘画作品可有可无的附属；甚至认为色彩是无奈之下才用的补救手段；理由很简单，同一事物在不同时候和光照下有不同的色彩，色彩是物体的外表而不是本质。而绘画应该追求扑捉事物的本质。中国带着强烈哲学和文学意味的绘画理论，也是在舍弃色彩，追求墨和笔法的极端中，文人画派最终成为中国绘画史上最重要的一个流派。

中国文人画，让哲学、文学、书法融入了绘画。让绘画成为一种半抽象甚至难懂的文化。一个被中国传统认可的画家，涉及的知识面，已经超出视觉艺术的范畴，是哲学文学绘画书法与篆刻相结合的产物，这对画家苛刻的要求，也让很多人对中国绘画望而畏步。

总的来说，中国的绘画，以笔与墨的生命力，以诗一般简约的黑白语言，刻画出景象的哲学深度和韵味，表达的不仅是物象，更是作者的心像，在非常极端的情况下，有些文人画家的作品，只是自我抒发、自我愉悦的产物

注重三者合一的文人画，是中国绘画的主流，是中国的印象画派。

所以我们在中国以外看到有些略懂中国画的人， 为了普及中国画，或取悦人们，往往以人们喜悦的色彩来代替墨色，并出版了大量介绍中国绘画技法的书籍，这些以色彩为主的技法，大多不被中国的专业圈认可，甚排斥。中国绘画，绝不是中国水彩，它们有着非常严格的区别。中国画的色彩必须附属于笔法和墨法的，它不能超越这两者。

如果能从这些方面去看中国的绘画，尝试用他们的方式去读。就会理解为何他们如此的与众不同，他们为何对形色和光影视而不见？中国的绘画，更多的追求那永恒本质的美，很多时候，会放弃瞬间的形态美。

在这篇文里，我尝试用西方人能理解的方式，去解释我热爱的中国古典绘画。也是从另一个角度解释我自己的绘画，我为何以不同的方式去描绘我眼中的北美山水，加拿大有着世界上最完整的原生态自然。千百年来的自然生态并没有被人类严重破坏，人们也许能局部改变自然的外貌，但自然之魂，千万年以来，没有因哪个人类的族裔改造而改变过。我希望自己的东方式角度和中国古典绘画方式。能部分的画出我眼中的北美东岸，写出我与自然对白，我希望人们通过我这种与自然对话，看到陌生中的熟悉，从而对东方古典艺术，有所了解。