“亲密的侵蚀”艺术群展由艺术家飞扬•戈尔(Fion Gunn)发起和策展，旨在与全世界关心个体与集体公平表达的艺术家一起，通过独特的艺术语言，展示那些被现实忽略和歪曲的侵犯女性权益的现象。参展的9位艺术家分别是：安迪·阿诺维茨(Andi Arnovitz，美国)、妮芙·坎宁安(Niamh Cunningham，爱尔兰)、雷希娜·何塞·加林多(Regina José Galindo，危地马拉)、飞扬•戈恩(爱尔兰)、艾米·约翰逊(Amy Jackson，英国)、姜啸然(中国)、迈克尔·莱尔-泰勒(Michael Lisle-Taylor，英国)、中村厚子(日本)和章燕紫(中国)。他们都是被学界和市场备受赞誉的艺术家，他们的作品都被公共美术馆等机构展示和收藏。“亲密的侵蚀”在艺术语言、文化多样性和人文反思等方面都有突出的表现。希望此次展览能与观众产生良性互动，共同呼唤世界和平。

　　参展的九位艺术家来自世界各地，具有不同的语言、种族、性别、年龄等，但他们创作的宗旨都是为了唤起人们对社会公义的重视，反对帝国主义、殖民主义。艺术家们关注的案例包括二战以来的各种被国际所淡化、歪曲，但又对当地人民持续至今仍带来创伤的南京大屠杀、东亚慰安妇、苏丹刚果战争、加沙地带、中东地区种族冲突等。他们的作品挑战着由父权权力结构塑造的主流叙事，审视了当今世界错综复杂的功利主义利益网络，真正体现了人类命运共同体，深刻思考未来的全球发展方向。

【展览现场】

​　　“亲密的侵蚀”艺术项目已经历经十年，始于纽约。项目发起方亚洲太平洋事务中心(CAPA)始终致力于向对这段历史知之甚少的西方世界传播"慰安妇"真相。该项目通过支持国际巡回当代艺术展览，持续揭示战争、genocide及性暴力等全球性悲剧。这场艺术展旨在激发追问、促成对话、拓展教育维度，既关乎全球议题，亦触及个体生命体验。参展的九位艺术家们通过他们各自优秀的艺术语言与合作精神，为观众带来了严肃深刻的视觉体验。

　　本次展览获得了爱尔兰驻上海领事馆特别支持。爱尔兰驻上海总领事莫大维(David Murphy)先生亲临现场，为展览进行开幕。他高度肯定了主办方Steve Chen先生、协办方杨芳女士、策展人飞扬•格恩和艺术家章燕紫教授为促进中爱两国友好，宣扬世界正义与和平所作的实践。他对本次展览呈现出的多元互动表示赞赏。

　　展览空间位于上海尼克互盛Injoy艺术中心，是一处集时尚、艺术、设计、商务为一体的视觉艺术空间。

【展览开幕现场】

　　关于艺术家和部分参展作品：

　　安迪·阿诺维茨出生于美国堪萨斯州，长期在以色列创作与生活。她的作品表现了对文明冲突的反思，被斯坦福大学美术馆、耶鲁大学美术馆和以色列艾因哈罗德艺术博物馆等收藏展示。她的参展作品“母与子”系列，通过手绘和版画的形式，反映了战争对家庭的撕裂。母亲对儿子的养育和爱护，却因战争而让骨肉分离。不同的母亲有着相同的悲伤。儿子间本是陌生人却因某些名义互相攻伐杀戮，留下的只是母亲间的心理空洞。

安迪·阿尔诺维茨：《穿戴我们的忧虑》，2015，纺织品艺术作品的摄影印刷 80 x 60 cm

　　这也可以称为“犹太母亲的衣服”。这是一件家居服，乍一看似乎只是简单的圆点连衣裙。但进一步观察会发现，它实际上是丝绸制成，上面有数百个手工绗缝的‘水疱’，象征忧虑。这件衣服是女性随身携带忧虑的隐喻，它展现了我们难以释怀的心情，以及这些忧虑常常如何蔓延和滋生。

　　妮芙·坎宁安，爱尔兰艺术家，长期在中国创作和生活，和中国科学院过程工程研究所的科学家们一起进行艺术项目。她通过研究微生物，把有机材料导入艺术创作，让作品富有对生命的理解。她和飞扬•戈恩于2012年中国国家剧院一起参与了“爱尔兰潮流”(Irish Wave)展览。她的头发锁链(The Hair Lock)系列用遗传科学的运作原理，用一种新的形态展示了艺术语言的可能性和生命环环相扣的神奇性，反映了人在自由和束缚的矛盾中的存在状态。

尼芙·坎宁安：《发束》，2015，艺术家的头发，30 x 6 cm

　　以 DNA 作为艺术材料进行创作：亲手编织自己的基因材料是一种非常沉思的过程。在被选用于雕塑的特定部分之前，每一根链条都会经过强度、弹性和张力的测试。白色的头发坚韧且有张力，而彩色头发柔软但富有弹性且有韧性。所有的感知都是解读的行为：能够透过自己的基因组来看待自己，并承认它是你的“编码”自我以及你的个人故事或经历，这种透明编织的头发屏幕框定了你的世界观。坚持这是我的感知的想法，承认我生命中的参照(家族特征以及基因中包含的其他事物)和个人经历，这正是塑造我世界观的方式。“发束”关注的是一种亲密的韧性。

　　雷希娜·何塞·加林多来自危地马拉，她的行为艺术揭露了美国右翼对第三世界国家的殖民和欺凌。美国右翼经济殖民与危地马拉左翼民族解放阵营的冲突导致了当地约20万人丧生和失踪，并且由此引发genocide、性暴力和历史遗忘。她的作品曾于2005年获得威尼斯双年展金狮奖、2021年获劳申伯格奖，并被纽约现代艺术博物馆、古根海姆美术馆、伦敦泰特美术馆、巴黎蓬皮杜中心等世界顶级公共艺术机构收藏。

雷吉娜·何塞·加林多:《真相》，2014，视频表演

　　1960年，一群左翼军人因右翼极端政权与美国联合果品公司等公司之间极不公平的土地交易而愤怒，试图夺取危地马拉的控制权。他们失败了，在随后的36年里，在华盛顿默许的情况下，政府协调了大约20万人被谋杀和失踪的事件，其中大多数是玛雅土著平民。在她的视频《La Verdad》(2013)中，这位危地马拉表演艺术家雷吉娜·何塞·加林多连续一个多小时朗读了这些事件受害者的痛苦证词。

　　镜头来自一台固定摄像机，这是这个小型展览中三部纪录片作品中的第一部，每部作品都有自己的独立展厅。加林多穿着白色上衣，背景是黑色，她用单调的西班牙语朗读一叠订在一起的纸张： “他们把婴儿抱出来绑起来，有些人聚在一起生火。”内容以这种令人毛骨悚然且不安的方式持续，直到大约五分钟时，一个男人进入画面。加林多停止朗读，仰起头。那名男子将牙科麻醉剂注入她的牙龈。当药效开始起作用时，艺术家继续讲述她含糊不清的话语只是半可理解——她所讲述记忆的表现：“他们捂住了我的嘴，所以我无法尖叫。” 麻醉师在整个朗读过程中定期出现。

　　记住自己的行为是否足以证明它可能造成的痛苦，还是对这些东西麻木更好?如果是这样，如何?危地马拉经历了一个真相与和解进程，但对其中约 10,000 起法外处决负责的军事独裁者埃弗兰·里奥斯·蒙特 (Efraín Ríos Montt) 于 2018 年在家中安详去世，享年 91 岁。六年前，危地马拉一家法院判定他犯有Crime of genocide ，但该国宪法法院仅十天后就推翻了上诉决定。

　　飞扬•戈恩，来自爱尔兰，是多个爱尔兰国际艺术交流项目的发起者。她的作品采用多种媒介拼贴组合，再加上手绘，展示了多元文化的冲突与包容。爱尔兰在历史上饱受英国的殖民、歧视和迫害。生活在发达地区的戈恩，因为其民族背景、女性身份和生活经历，一直与第三世界国家被压迫的人们感同身受。她的参展作品为侵华战争中饱受摧残的中国人发声，强烈谴责了日本右翼势力对历史的歪曲，并一并讽刺了美西方右翼阵营为了现实利益而言行不一的虚伪。她的“特洛伊女子——我正视着你”则为战后幸存女性发声，让人们反思战争对弱势群体的创伤。从古至今，人类社会曾一次次重复着悲剧，从特洛伊、纳粹抬头，再到刚果冲突，被伤害的幸存者不应该在战后被社会再次羞辱。艺术家通过作品呼吁人们应该正视这一情况。

飞扬•戈恩：《广重田园诗》，2015，综合材料，50 x 35 cm

　　《神风特攻队之梦》、《广重田园诗》、《黑暗时代》和《见证者》是为了回应南京大屠杀的恐怖历史和被困在战区的普通人难以言喻的苦难而创作的。它们谈到了将一个国家的集体想象力军事化的破坏性后果。长期以来因其精致文化而备受推崇的日本也成为了一个对本国士兵施加极端残暴、剥夺人性的国家。反过来，这些士兵——就像他们的纳粹士兵一样——被变成了genocide特工，被一个对他们的苦难漠不关心的军事指挥部派去死。

　　这些作品中的“娃娃”凌乱而受限，被困在通常用于包装商品的盒子里。这种意象反映了遭受战争和genocide式强奸的女性如何被物化——被当作物品而非人类来对待。战后的日本和中国的景象，与广重版画中捕捉到的宁静优雅形成了鲜明的对比。

　　艾米•约翰逊，毕业于牛津大学艺术系，是一位以观念艺术著称的艺术家。她的“战争游戏”引导人们少谈论空泛的政策，而多关注无辜的人们。她希望通过互动的艺术，让人们了解乌克兰、加沙、也门、叙利亚、阿富汗、苏丹等地饱受战争摧残的无辜民众们。艾米•约翰逊的作品反映了“战争并不能告诉我们谁是正确的，只能告诉我们谁幸存了下来。”

艾米·杰克逊：《游戏——“别谈政治了，谈谈女人吧。”》， 2025年1月-16日， PVC印刷品

　　在上海揭幕的《亲密游戏》将童年的结构转化为对记忆、暴力与生存的沉思。熟悉的跳房子被重新塑造成一系列圆圈：这些形状呼应女性身体、历史的重复以及生命的循环，这些都通过女性传承下去。每个圆圈都用女性承担过战争隐形代价的地方的国家旗帜颜色绘制：卢旺达、波斯尼亚、南京、达尔富尔及其他地区。这些颜色通常象征身份与自豪，而在这里则成为令人不寒而栗的沉默、侵犯与失落的提醒。

　　戒指内刻着的证词和数据让人想起暴行。1937年的南京，数以万计的妇女被侵略日军强奸。在卢旺达genocide期间，有50万妇女遭受性暴力。这些不是统计数据，而是人命被打断，声音被压制，未来被偷走。

　　姜啸然是一位旅英华人艺术家。她的作品从传统出发，用线描和水墨的形式，表现了剪不断理还乱的情丝。她的艺术反映了女性的苦难——虽常被沉寂——如何与坚韧、生存以及那些无法抹去的深沉情感交织在一起。

姜啸然:《发》，2018，绢本水墨, 30 x 30 cm

　　流动的发丝象征着女性的伤痛——脆弱、亲密且持久。在中文中，‘情丝’(qíng sī)是一个诗意的称呼头发的词，意为“情感的丝线”，既唤起温柔，又暗示痛苦的纠缠。

　　在这里，这些线条既像发丝，也像伤痕，承载着记忆和创伤的重量，同时也传递出韧性。

　　这件作品反映了女性的痛苦往往被沉默，但这种痛苦与坚强、生存，以及无法抹去的深层情感交织在一起。

　　迈克尔·莱尔-泰勒毕业于英国皇家艺术学院雕塑系，是一位具有军旅生涯经验的艺术家。他曾经历冷战、两伊战争、南联盟战争，并接受了心理战训练。他的行为艺术作品《道德的创伤》中哨兵形象来自大英博物馆的海豹肠皮袍。哨兵矗立于正在崩解的极地冰盖之上，在北极高地执握金色权标，凝视着南方全人类。他的作品强调创伤的心理、社会、文化与精神维度，特别聚焦于士兵在战场上目睹或实施违背其核心道德信念的行为后所产生的深层创伤。

迈克尔·莱尔-泰勒：《跨越界限》，2008，蓝图，59.4 x 84.1 cm

　　Lisle-Taylor 目前是一位研究型艺术家，探索士兵身份、将军事作为艺术实践以及军训的主题。他的兴趣领域提出了问题——创意实践和想象力如何为军事工作服务，反之亦然。他的雕塑作品常常将“远征”或“军事演习”作为媒介，从军训中汲取灵感，无论是仪式性的还是机动性的。他离开军队后，曾在切尔西艺术学院和皇家艺术学院学习雕塑。

　　Lisle-Taylor 的画作——蓝图——反映了他对“道德伤害”这一概念的兴趣，该概念在 1980 年代被构思为医疗专业人员的道德困扰。该研究很快将注意力转向了作战退伍军人，并将这一状况重新定义为“道德伤害”。它强调创伤的心理、社会、文化和精神方面，尤其是对于那些目睹或实施过违反其深厚道德信念和期望的作战行为的士兵而言。

　　中村厚子毕业于武藏野美术大学，后旅居英国，获得斯莱德美术学院硕士文凭。她的作品《意识与无意识的边界》通过在地图上切割陆地与海洋的界限，抹去有意识的世界(由人类创造的城市)，留下了无意识(自然塑造的土地和盐)。

中村厚子：《意识与无意识的边界》三维艺术作品，2013年，英格兰地图，盐，30 x 45 x 20 cm

　　中村厚子在地图上切割了陆地和海洋之间的界线。这种感觉非常奇特，因为土地是由海浪、海风塑造的，而艺术家的行为是将陆地与海洋之间的关系分隔开。心理学家卡尔·古斯塔夫·荣格曾描述，人类的身体是自然的一部分，但人类的意识脱离了自然。城市是由人类意识创造的，因此城市可以被视为非自然。通过切开陆地，中村厚子抹去了意识的世界，留下了无意识——自然的世界。这条线就像七姐妹悬崖的边线，仿佛一旦越过，将会死亡。盐象征着一条无形的界线，因为盐对人体是必需的，但超过一定量会导致死亡。

　　章燕紫，中央美术学院教授，实验艺术与科技艺术学院社会工作室主任。她的作品融合了医学材料、实验材料、心理创伤等主题，反映了当代人们普遍的心理状态，比如自闭、焦虑、无奈等。

　　章燕紫的创作交织着个人疼痛、集体癔症、女性觉醒的经验，从精神医学视域对个人和群体生存状态进行考察，在创伤与修复、失衡与平衡中寻找生命的答案。

章燕紫：《痕》，2016，纱布、水墨, 200 x 50 x 50 cm

　　沾满朱砂的医用纱布绷带，反复缠绕在如同人形的产床上，观者无不痛彻心扉。在这里，艺术家撕破了脉脉温情的表象，以一种直观的姿态宣示着破碎的无力感。而细看才会发现，纱布的朱砂长卷中竟然描绘的是一片片空灵的意象山水，这种既哀婉又凌厉的诗意，不禁让人思考，生命的过程，不就是美好和悲伤交织在一起吗?

　　自古以来，从母系氏族到信息时代，女性在漫长的历史洪流里，始终以其敏感的身份不停变幻着自身的角色定义，并无力抗拒且承担着一系列与生俱来的“生命意义”:初潮、青春期、怀孕、生育及衰老……这是赐予女性的礼物抑或难题?美好、哀婉、苦痛、希冀，艺术家以女性特有的自然直觉与敏感特质，从对内心经验的探寻过渡到对女性群体的审视与身份的反思之中。

英文：

　　“Intimate Transgressions” is an international group exhibition initiated and curated by Fion Gunn. It aims to collaborate with artists worldwide who are concerned with equitable expression for individuals and collectives, women’s rights in particular. Through unique artistic languages, the exhibition reveals phenomena of infringements upon women's rights that have been overlooked or distorted by reality.

　　The nine participating artists are:

　　•Andi Arnovitz (USA)

　　•Niamh Cunningham (Ireland)

　　•Regina José Galindo (Guatemala)

　　•Fion Gunn (Ireland)

　　•Amy Jackson (UK)

　　•Jiang Xiaoran (China)

　　•Michael Lisle-Taylor (UK)

　　•Atsuko Nakamura (Japan)

　　•Zhang Yanzi (China)

　　All of them are highly respected by both academic circles and the art market, with their works exhibited and collected by public institutions around the world. Intimate Transgressions stands out for its diversity of artistic language, cultural perspectives, and humanistic reflection. The exhibition seeks to generate meaningful dialogue with audiences, collectively calling for world peace.

　　The nine artists come from different regions, and their identities span across languages, races, genders, and generations. Yet, they share a common goal: to raise awareness of social justice for women and denounce imperialism, colonialism, and hegemonic oppression. Their works address traumatic historical and contemporary events that continue to impact local populations—yet are often downplayed or misrepresented globally—such as the Nanjing Massacre, the sexual enslavement of East Asian “comfort women,” the conflicts in Sudan and the Congo, and the ongoing ethnic strife in Gaza and the Middle East.

　　These works challenge dominant narratives shaped by patriarchal power structures and advocate for a shared human destiny. They encourage viewers to examine the intricate web of utilitarian interests that shape today’s world and deeply consider the direction of global development.

　　The Intimate Transgressions project has evolved over a decade, beginning in New York, The founders of the project - CAPA (Center for Asia Pacific Affairs) were committed to bringing the story of the Comfort Women to the West, which was largely unaware of the history. The project is committed to highlighting the global, ongoing tragedy of war and genocide rape and the societal legacy which results, by supporting an international contemporary touring art exhibition. An art exhibition which promotes questions, conversations, educational dimensions, one which has global and personal relevance.

　　The exhibition received special support from the Consulate of Ireland in Shanghai. Mr David Murphy, the Irish Consul General in Shanghai, attended the event and inaugurated the exhibition. He highly commended the efforts of the organizer Ms Yang Fang, curator Fion Gunn, and artist Professor Zhang Yanzi in promoting friendship between China and Ireland, as well as their practices in advocating global justice and peace. He also expressed admiration for the diverse interactions presented in the exhibition. It is held at the Injoy Art Center in Shanghai, a space that integrates fashion, art, design, and business into a dynamic platform for visual art.

　　At the same time, we extend our sincere gratitude to "World's Top Ten Wineries" - SASSICAIA for providing beverage sponsorship, as well as to Leica and "Vanhui Design" for their support with exhibition equipment.

　　Artist Introductions:

　　Andi Arnovitz

　　Born in Kansas, USA, living and working in Israel, Arnovitz’s work reflects on the conflicts of civilisation. Her series “Mother and Son”—presented through hand drawings and printmaking—portrays the familial ruptures caused by war. Mothers lovingly raise their sons, only to be torn apart by violence. Sons, strangers to one another, are thrust into war under ideological banners, leaving behind only the psychological hollowness shared by grieving mothers across enemy lines. Her works are held in collections at institutions such as the Stanford and Yale University Art Museums, and the Ein Harod Museum of Art in Israel.

　　ANDI ARNOWITZ, “Wearing Our Worries”, 2015, Photographic print of textile artwork, 80 x 60cm

　　Niamh Cunningham

　　An Irish artist living and working in China, Cunningham collaborates with scientists from the Institute of Process Engineering at the Chinese Academy of Sciences to merge biological concepts into her art. Using organic materials, she creates works that explore the mysteries of life. Her “Hair Lock” series, inspired by genetic science, uses hair as a medium to symbolize life’s interconnectedness and the paradox of freedom and restraint. She previously co-exhibited with Fion Gunn in the Irish Wave exhibition at China’s National Centre for the Performing Arts in 2012.

　　NIAMH CUNNINGHAM, “Hair Lock”, 2015, The artist’s hair, 30 x 6cm

　　Regina José Galindo

　　From Guatemala, Galindo’s powerful performance art exposes the exploitation of Third World countries by U.S. far-right imperialism. The violent conflict between U.S.-backed economic colonization and Guatemala’s leftist liberation movement resulted in some 200,000 deaths and disappearances, including instances of genocide, sexual violence, and historical erasure. She won the Golden Lion at the 2005 Venice Biennale and the 2021 Rauschenberg Award, and her works are housed in MoMA (New York), the Guggenheim Museum, Tate Modern, and the Centre Pompidou.

　　REGINA JOSÉ GALINDO, “La Verdad” (The Truth), 2014, Video performance

　　Fion Gunn

　　An Irish multimedia artist and initiator of many international art projects, Gunn creates complex collages combining various media and hand-drawing techniques to explore cultural conflict and integration. Ireland’s colonial past under British rule and its legacy of discrimination resonates in her works, as does her solidarity with oppressed people in the Global South. Her exhibited pieces address atrocities committed during the Japanese invasion of China and condemn historical revisionism by Japan’s far-right. Her work “Trojan Women – I See You” gives voice to women survivors of war, emphasizing how society often re-victimizes them post-conflict. From Troy to the Congo, from Nazism to modern warfare, Gunn insists that these survivors deserve remembrance and dignity.

　　FION GUNN, “Hiroshige Idyll”, 2015, Mixed media, 50 x 35 cm

　　Amy Jackson

　　A conceptual artist and Oxford graduate, Jackson’s “War Games” encourages people to look beyond policy rhetoric and focus on the real victims of war. Her interactive artworks draw attention to the suffering of civilians in Ukraine, Gaza, Yemen, Syria, Afghanistan, and Sudan. Jackson powerfully reminds viewers: “War does not tell us who is right, only who is left.”

　　AMY JACKSON, “Games 1-16”, 2025, PVC prints

　　Jiang Xiaoran

　　A Chinese artist based in the UK, Jiang works with traditional line drawing and ink techniques to explore the complex threads of emotional entanglement. Her art reflects the often-silenced suffering of women—intertwined with resilience, survival, and deep-seated, inexpressible feelings.

　　SHORAN JIANG, “Hair”, 2018, Ink on silk, 30 x 30 cm

　　Michael Lisle-Taylor

　　A sculptor and former soldier trained at the Royal College of Art, Lisle-Taylor’s lived experience spans the Cold War, Iran-Iraq War, and the Yugoslav Wars. His performance work “Moral Injury” features a sentry figure inspired by Inuit seal intestine coats from the British Museum. This sentry stands atop a melting polar ice cap, grasping a golden sceptre, staring southward toward humanity. His work explores trauma on psychological, social, and spiritual levels—particularly the deep moral wounds soldiers experience when forced to act against their ethical beliefs.

　　MICHAEL LISLE-TAYLOR, “Crossing The Line”, 2008, Blueprint, 59.4 x 84.1 cm

　　Atsuko Nakamura

　　Trained at Musashino Art University and Slade School of Fine Art (UK), Japanese artist Nakamura presents her work "The Border of Consciousness and Unconsciousness". It cuts the lines between land and sea on a map, erasing the conscious world (cities created by humans) and leaving behind the unconscious (land and salt shaped by nature).

　　ATSUKO NAKAMURA, “The Border of Consciousness and Unconsciousness”, 2016, Photographic print, 60 x 40 cm

　　Zhang Yanzi

　　A professor at the Central Academy of Fine Arts and the director of the Social Studio at the School of Experimental Art and Science & Technology Art. Her art incorporates themes such as medical materials, experimental materials, and psychological trauma into her works. Her creations reflect the prevalent psychological states of contemporary society, such as self-isolation, anxiety, and helplessness. Interweaving personal pain, collective hysteria, and the experience of female awakening, Zhang Yanzi examines the existential conditions of individuals and communities from the perspective of mental health, seeking answers to life’s questions through the interplay of trauma and healing, imbalance and equilibrium.

　　ZHANG YANZI, “Scar”, 2016, Ink on gauze bandages, 200 x 50 x 50 cm