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说出创作的名字
前言
名字，是定义，也是存在的回响。
说出一个名字，是在说出一种关系，一种理解，一种靠近，也是一种对望。
在艺术中，“命名”从来不仅仅是标题——它是一种主体的确认，也是一种姿态。说出是一种语言，也是一种观看，也是一种召唤。
她说出了创作的名字，同时也说出了她的存在。她说出的方式，可以轻吟，可以密语，可以直叙，可以低唱；既可以嚎，也可以喊。
《说出创作的名字》是一场邀请女性艺术家主动命名的线上群展。当我们说出创作的名字，是在确认：创作的复杂性与生命的多样性，也是在说出一个人独特的感知与思想。
说出创作的名字，也意味着承担创作的全部重量——沉默、孤独、求索，以及向荆棘前行的勇气。
本次参展的七位女性艺术家，长期深耕于各自的创作路径之中。她们以作品承载生命经验与个人语言，在图像、材料与形式之间，展开各自对世界的回应：文化秩序、梦境丛生、肉身之痛、时间折叠、大地重量、灵魂祈祷、生命酣畅。
在这里，我们邀请你一起看见、听见，并与你一起说出：
创作的名字。
先锋艺术项目
策展人：蒋贞蕾
2026年3月8日
参展艺术家：
陈若燃 | 花花 | 凌星 | 蒋贞蕾 | 张晓丽 | 魏琳 | 楚雨
文化秩序 陈若燃
《不在场证明Alibi》,套色木刻,70x100cm (27x39 in.),陈若燃，2025年
艺术是带观者以创作者的视角观看同一个世界。
我的创作也是如此，所呈现的，是作为我年轻女性、亚洲身份下观察到的、眼中的小东西。我的大多数作品聚焦讨论人与人之间的关系，以及人与其所处环境之间的关系，因为这些关系往往映射出文化、秩序与权力的运作方式。
《不在场证明-缺席 Alibi-Absent》,套色木刻,70x100cm (27x39 in.),陈若燃，2025年
在成长过程中，我花费了不少精力在与环境进行某种对抗：比如既定的性别行为规范、层级结构所默认的生存逻辑，或许还有那些无意识维护这一系统的人。当个体渴望自由却尚未真正获得独立时，勇气往往是最先被消耗的。我关心的，正是个体如何在结构之中维持自我、展开对话，并寻找行动的空间。
《不在场证明》Alibi 讨论了动态权力下的对话状态。有限的沟通窗口、距离感或压迫感，使语言处于“在场却难以真正开始”的状态。人可以共享空间、彼此依赖，却未必能够达成理解。这种复杂性存在于亲密关系之中，也存在于公共领域中那些表面开放、实则隐秘的互动。命名具有法律意义的“不在场证明(Alibi)”，既指向为失语寻找的理由，也揭示权力如何隐藏在看似温和的交流之中。
《超艺术托马森 Hyperart Thomasson》, 照相石版，铝合金架，单幅： 43 x 381 cm (17 x 150 in.)，装置： 198 x 137 cm (78 x 125 in.)，陈若燃，2023年
《超艺术托马森》Hyperart Thomasson以照相版过程中废弃的影像菲林与测试片为材料。那些在技术流程中被判定为“无用”的部分，被重新拼接成为作品。我试图追问：是谁在定义价值？什么应该被保留，什么应该被抛弃？所以那些被忽略、被边缘化的部分，是否也能在重新命名中获得存在的重量？
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《平衡 Balance》，天平, 棉线, 直流电机, 合成木板, 机械闹钟零部件，尺寸可变，陈若燃，2021年
说出创作的名字，是对自身位置的确认。既定规则始终在规定人们在标签下应当如何生活。然而，差异与改变并不会自动发生。它需要意识，需要力量，也需要持续的实践。
陈若燃是一位跨媒介艺术家，现工作与生活于杭州与芝加哥之间。她的创作涵盖版画、装置、绘画与行为艺术。她将“重复”拓展为一种创作手段，探讨其作为一种心理、关系与空间层面的策略。基于此，她的作品主题关注集体建构，个体规训与异化同化，以及那些微妙而安静的抵抗如何发生。
她的作品曾在浙江美术馆、绍兴美术馆、宁波美术馆、中国美术学院美术馆、宁波美术馆、良渚文化艺术中心及中国油画院等机构展出。
梦境丛生 花花
《Flower Out of Dirt/挣脱了泥土的花朵》，木板蛋彩，Egg Tempera on wood panel，20.32cm x 15.24cm，花花，2025年
绘画对我而言，是碎片与碎片的重逢。没有预设的剧本，只有不断延展的枝桠。那些梦境般的细节，互不惊扰，却又在画框里悉数落座。我试图甩掉那些缠绕思绪的幻影，把它们揉进图像的混沌中。这是一场有迹可循的迷路。你会在这里遇见荒诞的秩序，也会在混乱中瞥见合理。走进来，别问终点，只看沿途。
《Zoom in and out/远景和近景》，木板蛋彩，Egg Tempera on wood panel，20.32cm x 15.24cm，花花，2025年
《Watchful/注意看》，木板蛋彩，Egg Tempera on wood panel，20.32cm x 15.24cm，花花，2025年
《Left, or Right? /左还是右？》，木板蛋彩，Egg Tempera on wood panel，20.32cm x 15.24cm，花花，2026年
《Still life/景物》，木板蛋彩，Egg Tempera on wood panel，20.32cm x 15.24cm，花花，2026年
花々（Hana Jiang，H.J.）生于上海，毕业于芝加哥艺术学院。她身兼诗人、学前教育工作者、儿童文学作家与图书出版人等多重身份，而成为画家，则是她人生中一次意外而珍贵的发现。
花々的创作富有诗性与想象力，关注生命经验、童真与自由精神之间的连接。她的作品曾在中国、美国及国际艺术平台展出，包括“天马行空：中国艺术展”（瓜纳华多大学博物馆，墨西哥，2026）、“流动的盛宴—当代艺术作品展”（明澈山房，上海，2025）、“跨域东西”（圣佳艺术空间，上海，2024）、“惊喜—花谷作品展”（东岳美术馆，北京，2023）等。目前她往返生活与创作于美国、上海与墨西哥三地。
肉身之痛 凌星
《桃夭（痛001#）》，综合材料作品（布、水墨颜料、钉子、像框、白胶等），70cm×100cm，2021年，凌星
我的作品名字时常变更，《疼痛》系列变更得最多，其间有种种原因。创作是感觉，在前；命名是思考，在后。创作是材料造物，不能多改；命名是文字符号，可以随意而改。当然，改名本身泄露的就是某种表达游移。
创作于2021年的《桃夭》，参加了2021年8月“飞路Flyway中英精神健康艺术展”，参展的名字叫《痛001#：女性可以说痛》。后面参加其它线上展时，更名为《桃夭》——这个名字很诗意，我很喜欢，也很清楚，这个媚俗的名字表征了我的强迫症。
《叠004#》，纸本水墨作品，136 厘米×69厘米，2019年，凌星
《疼痛》系列做了十年，《桃夭》并不是第一个作品。《叠004#：一种女性的记忆》时间更早，但拿出来却是2024年，参加“气场：女性艺术家2024年度线上展“。《叠》本身也是一个系列，做了多年，压在箱底。一直没拿出来的原因，一是不知道该怎样命名这种纯女性的体验，二是不知道世人会不会认可。毕竟在我成长的记忆里，这种纯女性的体验是绝不能张扬的。但没想到参展后得到了不少圈友的点赞，包括一些男性圈友，让我感受到社会的开放和包容。
《荒原（痛002#）》，综合材料作品（丙烯、水墨颜料、矿物颜料、宣纸、竹纸、卫生纸、像框、白胶等），100cm ×70cm，2022年，凌星
疼痛这事对女性来说，感觉是人人必经历的私事，其实未必。撕心裂肺的疼痛也只对经历者刻骨铭心。一场没打麻药做的手术，聊天时她平静地告诉我，我听得也很平静，毕竟那是几十年前的旧事。最后为她换衣服时，看到雪白的肚皮上那道5寸长的疤痕，我的心瞬间被强电流穿过。那种电击的感觉就在《荒原》里。最初命名为《痛002#》，参加华人女性主义艺术家联盟的线上展“我们在一起”。再参展时更名为《荒原》，因为平静下来看着它，我想起了艾略特的诗句：“望着光亮的中心看时，是一片寂静。”（赵萝蕤译）也许在苍茫大地上，女性就是寂静的荒原，被开垦的伤痕里埋藏着数不清的疼痛。䓍长花开可以掩盖伤痕，但疼痛铭刻在大地的深处。
《红书（RB）》，纸本水墨作品，180厘米ⅹ61厘米ⅹ3，2025年，凌星
《红书（RB）》是2025年寒假创作的。病床上躺了两年后，我再站到画桌前，虽然还有些虚弱，心却很急切。病后初逾，急于跟诸事道别，包括可恶的病毒。作品里，疼痛的色彩和文字的符号混在一起，表述了我内心的嘈杂，蹭荣格的书名进一步暗喻心底那些不可名状的惶恐。奔六的我早已远离月月折磨，但记忆仍在，文化的压抑仍在。人虚弱时内心肯定会有悲哀，好在那些日子总算过去了。
坐在电脑前，我跟AI讨论人会不会被取代，AI回答：肉身是不可替代的。是的，人最珍贵的就是那肉身的感觉，受了伤会疼，疼了会叫，伤重了还会死。人死了虽然一了百了，但AI再厉害，也只能在场外瞎编。关了电脑，我想把《疼痛》系列继续做下去。
凌星，江西省美术协会会员、江西省女艺术家协会会员、华人女性主义艺术家联盟成员。1980年代的校园诗人，1990年代在媒体从事文艺编辑工作，发表过若干诗、散文和专题作品。2002年后到高校任教，从事符号学研究工作。2012年后开始小说和绘画创作。其中，平面水墨作品《莲•结》、《丝•结》、《女神》、《韵》以及综合材料作品《痛》、《荒原》等，在北京、上海、南京、南昌及纽约等地参加线上线下多类美术展览；部分作品被私人和机构收藏。
时间折叠 蒋贞蕾
《解构》，布面丙烯，91.5 × 91.5 × 3.8 厘米，2025年，蒋贞蕾
如果人可以在不同的时间同时存在？如果在同一件作品中，我们可以从不同的视角进入不同的空间？这些问题构成了我创作的出发点。
通过对帆布的剪切、堆叠与重组，我试图让时间不再只是头脑中的经验，而成为作品结构的一部分。跨越地域与记忆的游牧时空，不仅存在于意识之中，也被嵌入到我的“浮雕绘画”之中。
《交织，上升 #2》，布面丙烯，61 × 50.8 × 3.8 厘米，2025年，蒋贞蕾
我试图在画面中建立一种可以被观看的时间——它不再是线性的流动，而更像是一种被折叠、被压缩、又被重新展开的空间。
我期盼的图像存在于一个介于绘画与物体之间的临界状态：既是平面，又具有真实的深度。通过切割、层叠与结构的组织，画面逐渐形成一种可以进入的视觉建筑。在那里，不同来源的视觉碎片彼此交织，形成一种既熟悉又陌生的空间秩序。它们在逻辑上并不属于同一个时间，但在画面之中，它们同时发生。
《解药》，布面丙烯，40.6 × 91.4 × 3.8 厘米，2024年，蒋贞蕾
在我的作品中，人物常以“触角人”的形态出现。触角并不是恐惧或变形的象征，而是一种感知世界的能力：它像天线一样延伸出去，使身体能够在复杂的空间与时间之中重新定位自己。身体被安置在这些抽象空间之中，既像是在行走，也像是在停留；既处在过去，也指向未来。时间在身体周围弯曲、交错，像轨迹，也像记忆。
《微叙事 #19》，布面丙烯，20.3 × 15.2 × 3.8 厘米，2025年，蒋贞蕾
空间不再只是空间，它成为时间的容器；人物也不只是人物，她们成为感知时间的坐标。
最后，这些图像更像是一组视觉片段——一种关于时间、记忆与想象的叙事。它们像容器，安放那些难以被定义的情绪、创伤与渴望。
蒋贞蕾出生于中国湖南永州，硕士毕业于北京师范大学。她的创作灵感常源自建筑结构的内在逻辑与当代古典音乐的交叠韵律，并由此发展出一种介于绘画与雕塑之间的独特语言——“浮雕绘画”。在这些折叠的时空中，蒋贞蕾以标志性的“触角人”形象，向过去与未来的幽灵发出召唤。 蒋贞蕾的作品在纽约、伦敦、芝加哥、迈阿密及洛杉矶等地展出，并活跃于国际艺术博览会。同时，她也通过写作，在图像与文字的褶皱之间摸索并追问细腻的生命经验。
大地重量 张晓丽
《东城午后》，宣纸、矿物质颜料、毛毡、光，2025.10.26，山西长治东城家园，张晓丽
自从开始抽象绘画实验到近年材料装置与纸本之间的隐秘对话，我的创作路径看似流转，却始终沿着同一条内向的河流溯源。当纸本的表达渐趋无力，生命本身的粗粝质地与内向深处的隐性密语愈加清晰。2019年我开始收集身边的废弃木箱、纸箱、瓶子、煤炭及纸本等非常熟悉却又容易被轻视的材料作为创作媒介，它们原有的功能已消亡将它们从原有的叙事中剥离放入特定的空间中去相遇、私语...
《秘语》，宣纸、矿物质颜料、光，2025.11.21，山西晋城端氏大汤王庙，张晓丽
这关乎我的生活体验，那种根植于具体、渗透在日复一日的琐碎与持守中的体悟。那些古老的空间，如年轮般收纳光阴，而那些曾经承载文人寄托的薄纸，褶皱里蜷缩着迁徙与等待，等待着千年后在光的见证下相遇。
《暗语》，宣纸、矿物质颜料、报纸、光，2025.12.8，山西长治东城家园，张晓丽
说出创作的名字，唤出其凝结的匿名时光与情感，在静默中交流出千年后的似曾相识,其实于视觉艺术而言:自证！胜出千言万语。
《私语》，宣纸、矿物质颜料、光，2026.1.28，山西长治湿地森林，张晓丽
张晓丽，现生活创作于山西长治。她的创作呈现出一种来自土地与材料本身的重量——既是劳作的质朴，也是时间沉积之后的存在感。2019年参加《库艺术》第二期非具象研究工作坊。2021年装置作品《摆布》参加北京元典美术馆“接力（第十辑·整饰）”展。2022年作品《洞见》参加纽约线上展。2023年《摆布》参加武汉元典美术馆三年展。2024—2025年参加先锋艺术项目年度女性艺术家线上展。
灵魂祈祷 魏琳
《源于生活》，布面油画，三联画，203 × 508 厘米，2025年，魏琳
《源于生活》是一幅巨大的三联油画，高203厘米，宽508厘米。最初，我以为在安静、不受打扰的时间里，一年足以完成它。但生活总有自己的节奏。作为一所小型美术学校的创办者，我在教学、备课、示范、拍摄视频中穿梭——最终，这幅作品耗费了我近四年的光阴。
《源于生活》局部，布面油画，三联画，203 × 508 厘米，2025年，魏琳
创作始于2021年，新冠疫情刚刚蔓延。恐惧像阴霾般笼罩生活，社会分裂愈发明显。我转向画布，希望创造一幅能承载情感、如同祈祷的作品。
画面采用一点透视，赋予整个空间庄重而凝聚的力量。这里是工作室，也是课堂——熟悉却又陌生。十三位艺术家各自描绘着同一个对象，却孤立无援。有人专注写生，笔触细腻；有人停下观察，眼神疑惑；有人在iPad上记录；有人刷着手机，仿佛世界在指尖流动。角度的差异只是表象，真正的差异源自个性、文化、记忆与经历。科技、注意力、孤独与专注，在画面中悄然共存。
《源于生活》局部，布面油画，三联画，203 × 508 厘米，2025年，魏琳
画面中央，是一只黑豹。它不可能真的出现在课堂上，但它必须在这里。它不是现实之物，而是象征：潜伏的不安、无法掌控的力量，以及我们这个时代的危险感。黑豹的目光深邃而静默，让整个空间的气氛凝结。
在它身后，画室向自然敞开。我从未见过这样的工作室：窗外的天空广阔而不规则，云朵节奏各异，或低沉如风暴前的沉默，或明亮如新生的曙光。光线斑驳，风似乎可以吹入画中，带着无限可能——正如我创作时的内心：开放、动荡、疑惑，却充满希望。
《源于生活》局部，布面油画，三联画，203 × 508 厘米，2025年，魏琳
《源于生活》陪伴我走过疫情、战争与失去。泪水曾混入颜料，疑问留在画中：人真的能够彼此相爱吗？人类能与动物共处吗？黑豹身旁那块肉意味着什么？
《源于生活》局部，布面油画，三联画，203 × 508 厘米，2025年，魏琳
对我而言，这不仅是一件作品，而是希望的低语，是灵魂不自觉的祈祷。
魏琳，1958 年生于山东潍坊，成长于教师家庭。先后就读于曲阜师范大学、首都师范大学及中央美术学院，系统接受学院派油画训练。曾任教于曲阜师范大学、山东艺术学院，后赴美在多所高校客座讲学，现居旧金山，任教于旧金山亚洲美术学校。
其创作以个人生活经验与跨文化视角为起点，通过节制的构图与含蓄的暗示性手法，将细腻的个人感受与广阔的时代经验并置于画面之中。常以小人物、日常物象与片段化空间，呈现个体与时代语境之间微妙的关系。代表系列包括《旅程》《伟大后》《小东西》。
生命酣畅 楚雨
《无穷动系列》，综合绘画，65× 45厘米，楚雨
“说出创作的名字”，于我不是一次简单的标题确认，而是一场向内行走的召唤。名字，是作品在世界中的坐标，更是创作者将内在精神投射于外的一声回响。我的每一件作品，都是向内跋涉途中留下的一枚印记，一次试图让混沌心象显影为视觉语言的行动。而这次参展的《无穷动》系列，便是这条路径上持续生长、持续震颤的视觉诗篇。
《无穷动》始于2013年，至今仍在延展。它不是封闭的系列，而是一个不断流动、不断回响的生命系统。我游走于水墨、书法与综合媒介之间，不以媒介为界限，而以物质为语言。水墨的氤氲、书写的骨力、丙烯的厚积，在画布上彼此侵入、彼此成全。它们不再服务于图像，而成为能量本身的痕迹。墨色流淌时像星云暗自滋生，笔触叠加时如潮汐往复奔涌，画面没有固定的中心，却在满幅的动势中，形成一种向内塌陷又向外扩张的视觉张力。
《无穷动系列》，综合绘画，65× 45厘米，楚雨
这种张力，既来自物质的对抗，也来自我与世界之间的持续对话。我从不刻意在创作中标示女性身份，但女性经验早已沉淀为笔触中的温度与痛感。在依然由男性话语主导的艺术语境中，“命名”本身就带有夺回叙述权的意味。说出作品的名字，也是在说出：我的视线、我的表达、我的存在，从来不是边缘的低语，而是与宇宙同频的共振。
《无穷动》没有具象的叙事，它拒绝被阐释为风景或符号。我更愿将其视为“向内拓荒”的结果——不是对已知世界的描摹，而是对未知领域的进入。画面上那些纠缠、断裂、沉积、爆裂的痕迹，是我与材料对抗又和解的证词。它们不提供答案，却试图让观者在凝视中，触碰到某种源自生命本源的焦灼与寂静。
《无穷动系列》，综合绘画，65× 45厘米，楚雨
我的创作，始终带着某种诗性的恳切。诗不是修辞，而是一种观看世界的方式。它让抽象的情绪得以凝为形象，让不可说的感受借物显形。在《无穷动》中，每一道笔触都像一句未完成的诗句，在延展、中断、复现中，形成属于视觉的节奏与韵律。这不是对现实的转译，而是对存在本身的一次次迫近。
“说出创作的名字”，是行动，也是态度。我说出的，是我对艺术的赤诚，对未知的敬畏，也是对自身作为创作者持续跋涉的确认。作品是对话的起点，不是终点。它们安静地悬挂在那里，等待被凝视、被回应、被重新命名。
名字说出来，作品就自己站到世界面前去了。剩下的事，交给看画的人。最后用一首之前写的小诗作为结束语：
《无穷动系列》，综合绘画，65× 45厘米，楚雨
《玫瑰之名》
楚雨
人生如狂草，
形与色律动。
赵无极。献给诗人亨利·米修
人性透明的光泽。
“荡胸
生层云”。
有必要的休止。
岌岌。
水。
随物赋形。
南宋山水画。
空灵之境。
象。或无形。
一九四一年明信片上、《生活 杂志》 瞥见
雷拉阿、莫迪里亚尼、塞尚、 马蒂斯、毕加索
克利的进入。
“细节”上发展
虚。实。
白。空。
司空图。
返虚入浑
由西渐东。
文字或画。回响
塞尚的独特性。
毕加索继续往前一步。
母体。
母题。
看见。
自动绘画家借助固有的套路。 不足取 马修建议翻译荷马史诗手边要 有一本圣经
力量之塔
逐字翻译抵达
奇异。
典雅。
陌生感与美。
长满眼睛的怪兽
注视梦魇。潜入海，
这寂静的坟墓。
庄子。蝴蝶。
上帝峥嵘
某种意念，来于身体。
自由自在。
四海之涯
用莎士比亚的四十个冬天来围攻
你的城。菩提树下，
释迦牟尼悟道。
《而河马被煮死在水槽里》凯鲁亚克
思索着，如何让一代人的
负罪感得到释放
《但以理书》触动痛神经。
亲爱的我们不再嘲弄彼此。
楚雨，70后诗人、独立艺术家，福建漳州人。她以诗为起点，在语言与图像之间建立个人的书写路径，并以命名的方式回应经验与存在。曾任《中国诗坛》责任编辑、《十诗人》编辑，获北京文艺网国际华文诗歌百优奖。其创作融合书写性与当代意识，在女性经验与个体表达之间持续展开。作品曾参加上海民生美术馆、北京上上美术馆、广东中山美术馆及卡塔尔国际艺术节等展览，出版诗集《梨形世界》。
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