星空间将参展2026巴塞尔艺术展香港展会，展位1D32，呈现景柯文、鞠婷、刘海辰、刘香成、刘焕章、潘琳、王蓬、温凌、向京、张晖、张伟等艺术家的作品。同时，将在“光映现场”呈现雷磊作品《休息一下》。

参展作品Works to be presented

景柯文 Jing Kewen

《相信爱 2006 No. 3》描绘著名影星周璇，人物神情内敛，在传统女性的含蓄与温柔之中，蕴藏着现代女性的自信与独立。景柯文以细腻的笔法与柔和的色调，赋予画面沉静而诗意的气质。作品不止于经典肖像的再现，而是承载着艺术家对传统与现代交汇时代中国文化的独特思考。

鞠婷 Ju Ting

在《深流 011326》中，鞠婷延续了其对绘画材料性与身体经验的持续探索，在结构秩序与情绪涌动之间建立起微妙的平衡。作品以深蓝为主调，密集的纵向刻痕贯穿画面，形成持续的线性节奏。颜料在反复覆盖、堆叠与刻划中被不断压入与显露，红、绿、黄等色点在深色基调中若隐若现，如同被时间包裹的记忆碎片，在沉静的表层之下缓慢流动。通过持续的雕刻与揭露，艺术家使丙烯颜料呈现出具有厚度与纵深的物质形态。刀锋留下的刻痕既是对材料的介入，也是身体与时间的记录，使画面在克制的外表下积蓄能量。“深流”既指向颜料在时间中的缓慢迁移，也隐喻艺术家内在情绪与经验的潜行，在静默中释放出深沉而持久的力量。

刘海辰 Liu Haichen

《癫狂与悲悯交织的雪林》描绘了狩猎结束后的瞬间：冷冽而迷离的雪林中，熊已倒地、血肉模糊，猎人在微光中若隐若现。暴力的对抗虽已落幕，情绪的震荡却仍在林间久久回荡。癫狂与悲悯在此刻交织共存——人与猛兽间悲壮的生死对决，承载着对生命必然消逝的深切体认。狩猎终了，人类在胜利与沉默之间窥见自身的有限与脆弱，那份征服自然的姿态也随之动摇。雪林由此不再只是事件发生的场域，更成为人类面对自然时，承载深刻悖论的象征空间。

刘香成 Liu Heung Shing

从1976年受《时代》杂志派遣来华报道算起，至2026年，刘香成的摄影生涯已跨越了整整半个世纪。本次展出的三件作品，均出自其创作的初始阶段：其中两幅摄于1976年的广州，一名男子在街头阅读讣告，城市仿佛在这一历史时刻凝神静立；珠江岸边，市民依旧习练太极拳，在舒缓重复的动作里日常的生活节奏渐渐得以复苏。第三幅照片作为展位背景，拍摄于1977年的上海外滩：巨幅宣传画覆盖着建筑立面，以当时广为流传的主题，成为这一政治过渡时期极具标志性的公共视觉记忆。从普通人的生活瞬间到象征化的政治图像，这三幅寓意深刻的作品既是刘香成职业摄影生涯的起点，也奠定了他此后数十年一以贯之的创作方向——以镜头观察历史转折中的中国社会变迁。

刘焕章 Liu Huanzhang

刘焕章是中国现代主义雕塑的重要奠基者，“人体” 是贯穿其艺术实践的核心主题，也是他探索现代主义风格的重要载体。1989年创作这件人体作品时，刘焕章已59岁，个人风格臻于高度成熟。作品彻底突破了传统学院的写实规范，以夸张、变形与概括的造型语言，塑造出极具主观审美意趣与情感张力的人体形态，在简练的手法中呈现出稳定且富有韵律的体量感。刘焕章的艺术始终扎根于中国传统文化与审美精神，他融合秦汉雕刻的浑厚质朴与六朝造像的含蓄内敛，形成了独属于自己的现代主义美学风格。他以简练古拙的造型，探索 “女性人体” 这一原始而经典的雕塑母题，展现出深沉且充满生命力的艺术气息。

潘琳 Pan Lin

《夜莺颂》的创作灵感，来自英国诗人济慈的同名诗歌。画面里大片的蓝色层层流动，与偶尔跳出的其他颜色，形成微妙对比，让人感觉画面既稳定又在不断变化。艺术家想用这种沉浸、流动的色彩，对应诗里的情感：从痛苦开始，经过幻觉般的沉浸，再回到现实的自我。画面里没有具体形象，只用突然迸发的色彩，来表现夜莺歌声里那种超越时间、纯粹的美。这里的蓝色，不是在画夜晚本身，更像是天黑时人们放松下来的意识入口：一条能短暂逃离现实、放空自己的通道。

温凌 Wen Ling

《蜻蜓人和裸裸》与另两件《FMB》系列作品延续了温凌持续发展的卡通人物体系。蜻蜓人、裸裸、小龟、棒球C、咪咪等共同构成一个不断扩展的角色宇宙，他们穿行于披萨店、餐桌、街道或室内空间等日常场景之中，进行着递送食物、围桌分食、停留或彼此对视等看似普通的行为，形成一组带有轻微荒诞感的生活片段。画面以高饱和色彩与黑色线条构成鲜明的绘画风格，人物身体被简化为清晰的块面结构，既具有卡通的轻松感，也带有某种符号化的意味。披萨盒、餐桌与被切分的食物在作品中反复出现，与人物身体的结构形成呼应，隐约指向当代生活与消费结构中个体被分配、切割与重新组合的状态。通过明亮的卡通形式与平面化的绘画语言，温凌在轻松幽默的表面之下，呈现关于日常生活节奏与人际关系的隐秘观察，使这些看似简单的角色构成一座微型而持续展开的剧场。

向京 Xiang Jing

《原创少女心》是向京“S”系列的作品之一。在向京眼中，“少女心”代表高糖、高甜与矫饰的现代人心，它无关乎男女性别，而是对于现代性处境之下人心、人性之病症的隐喻。在现下的时代，每个人都恨不得怀揣一颗少女之心，每个人都自以为自己的孤独是一座原创的城堡，殊不知在这种号称原创的少女之心包裹之下的，仍然是一颗颗庸常而俗不可耐的灵魂。但是，关于现实的问题感消失在了假装天真烂漫的卖萌可爱里，对社会的批判意识消失在了无关痛痒的吐槽式无病呻吟中，这也恰恰暴露了现代社会之病症的症候所在：社会问题从不会因为小清新式的漠不关心而消失，少女心就像博伊斯为之讲故事的那只外表可爱的兔子，矫饰，人畜无害，但却是只瘆人的死兔子。

张晖 Zhang Hui

在《坐着的女子18》中，张晖以简洁的线条与平涂的色块塑造出一个安静而内省的女性形象。画中人物侧身而坐，身体向后弯曲，双臂舒展成弧形，姿态既柔软舒展，又带有一种缓慢而沉静的节奏。深色背景衬托出粉红色的人体与垂落的长发，发色在白色中隐约透出些许粉调，使人物仿佛从空间中浮现出来。艺术家并不强调人体结构的真实再现，而是通过概括的轮廓和克制的细节处理，使身体成为情绪与感知的载体。人物平静的面部表情与空旷的背景共同营造出一种静默的氛围，使“坐着的女子”不再指向具体个体，而成为关于身体姿态与内在感受的象征性形象。

张伟 Zhang Wei

从 1977 年创作首幅抽象作品《BE1》算起，历经四十年探索，张伟的抽象艺术在 2017 年迎来创作生涯的全新高峰。《Z-AC1737》正是这一时期的重要代表作，作品由两幅画布拼接而成，宽达 4 米，气势宏大。画面以大面积铺展的红色为主调，形成饱满而强烈的视觉冲击力。张伟作品中的色彩，既有纯粹的视觉表现力，也包含深厚的文化与情感内涵，这幅作品里的红绿搭配就是很好的例子 —— 这是非常具有中国气质的色彩组合，意味深长。张伟依靠直觉进行创作，让稀释的油彩在亚麻布面上自然流动、渗化，形成如同大写意水墨画般的独特肌理，在偶然与控制之间达到微妙平衡，用奔放的色彩和书写性的笔触，营造出充满力量与韵律的抽象空间。

创作于 1974 至 1976 年的《火焰》《黄海滩（北戴河）》《南池子（北京北长街）》与《佛香阁》，是张伟在参与北京地下艺术团体 “无名画会” 期间的重要作品。20 世纪 70 年代，张伟与一群志同道合的友人，在远离当时主流艺术体系的环境中顽强地坚持艺术探索，他们的创作活动多在北京郊区或城内的公园中展开，以现场写生的方式描绘自然与城市的日常景象。无名画会有着清晰而坚定的艺术主张。尽管使用油画材料进行创作，他们却格外注重与中国传统绘画精神建立内在联系，追求兼具西方媒介与东方意境的艺术表达。画会提出的 “平、薄、简、洁” 四字理念，直接呼应中国古代诗词、书法与绘画所崇尚的简约、空灵、含蓄的美学理想。

​“光映现场”将于3月27日呈现雷磊的影像作品《休息一下》。

《休息⼀下》由真实和虚构的静态图像和视频作品组成，探索⼈类记忆的脆弱性——因为它与动态图像和⽆意识有关。