李想（Xiang Li）2026 年的个展《蜕变》（Metamorphosis）探讨了个人在面对外部压力时的适应能力。通过运用搜寻到的有机材料与工业制品，李想将自然与工业化之间的博弈，与她个人对社会及个人预期的感悟联系在一起。《蜕变》并未试图提供一种终极的和解，而是让观众置身于一种持续的张力**之中——在这里，适应的过程始终处于一种不确定、脆弱且未竟的状态。

李想创作的起点源于她的“采集”。在探索英国居所周边迥异的环境时，她沉迷于观察自然的微观细节，并由此开启了对激发好奇心的物件的收集。这些藏品涵盖了从石头、金属、树枝、花卉到汽车合金轮毂的广泛范畴。她的收藏如同英国环境的缩影，直观地呈现了人造物与自然物之间的互动、竞争与共生。李想并非为了艺术而收藏，而是在收藏的过程中发掘**艺术。这些物件在她的手中完成转化，诉说着她个人的心路历程：情感的波动、迁徙的印记以及艺术的演进。

展览标题《蜕变》源于这种转化，并在同名核心作品《蜕变》（Metamorphosis, 2024）中得到了最为集中的体现。作品中，一个松果与一只由艺术家亲手缝合的蝴蝶依偎在一起，隐喻了自然界中最具魔幻色彩的转变：从幼虫到茧，再到破茧成蝶。观众从中可以窥见李想作为艺术家演变的轨迹：从最初将创作视为传递正能量的手段，到逐渐成熟并开始直面痛苦、创伤与压力**等深层主题。她正通过作品，勇敢地对质内心深处的复杂情感。

在这一演变过程中，李想在英国的驻留经历至关重要。这促使她重新审视自己在故乡中国的成长经验，并开始探讨那些潜移默化的社会期待：即在忍受痛苦的同时展现出外在的积极，而不表达负面情绪。《蜕变》中的作品正视了这些期待背后的声音，同时也创造了一个冥想式的空间，供人们反思和应对这些情感。

这种张力在作品《审判》（Judge, 2026）**中尤为显著。三块核心石块微妙地堆叠平衡，周围环绕着金属线圈。与石块形成对比的是尖锐的金属和木质元素，其姿态带有一种威胁感。相比之下，整件作品底座铺满了荞麦壳——这种材料在中国传统中因其支撑性常被用作枕芯。锐利物件所施加的负担突显了李想感受到的压力，而荞麦壳则暗示了家庭所能提供的慰藉与支持。雕塑外在的美感与其表达的痛苦交织在一起，折射出艺术家在清晰表达内在压力过程中的探索旅程。

“在我的作品中，我试图揭示那些曾经让我感到难以启齿的压力或伤痛。”

“束缚”（Binding），尤其是对石块的束缚，是李想作品中一个显著的母题。在她眼中，石块是矛盾的载体，同时兼具“自由”与“不自由”的特性。石块因沉重而无法移动，却又不受世俗期望的羁绊，在河床中岁岁年年，被流水缓慢地塑形。通过用金属束缚石块，李想强化了石块不自由的一面并将其囚禁。这种束缚感在作品《居间》（In-Between, 2023）**中尤为显著：一块石头被禁锢在两片金属之间，处于一种“炼狱”般的状态——仅仅是存在本身，便已充满痛苦。金属表面留下的累累痕迹，无声地诉说着这种生存状态所带来的创伤印记。

李想作品中有机材料与人造材料的关系，直指工业化对自然环境施加的压力。其创作核心的深层意涵随之浮现：若将那块被束缚的石头视作艺术家本人，我们便能感同身受外部压力是如何切入她的生活。 她在适应与忍受中所做的挣扎，正如同自然环境在人类干预的强压下所经历的损耗。

材料本身的转化（Transformation）是李想艺术实践的另一重要维度。她从周围环境中搜集有机与人造材料，并将其重构为雕塑。通过这一过程，她不仅转化了在环境中发现的美，更将隐藏其中的矛盾与张力浓缩为一种极具爆发力的表达。作品《临近》（Approach, 2026）选用了一块在自然中历经风化、形似重锤的巨大石块，它从天花板垂下，悬置于两块燧石上方。其威胁感显而易见：巨石随时可能坠落，击碎下方的燧石。整件作品处于一种如履薄冰的平衡中，充满了危机感，正如当下的城市生存环境。纵观整个《蜕变》展览，作品始终呈现出一种“身处两地之间”的状态。这种“中间地带”是李想作品中张力的发源地，代表着转型与变革中那份令人不安的不确定性。

在《蜕变》中，观众会邂逅一个熟悉的故事：外部的重压、众声喧哗的负担，以及无处遁形的被困感。这在年轻一代中尤为能引起共鸣。通过将个人经历与“人造物侵蚀自然”相联结的卓越雕塑视野，李想的作品将个体的挣扎升华为关于平衡、脆弱性以及人类与自然共生关系的宏大命题。

—— 露丝·奥沙利文（Ruth O’Sullivan）策展人，《蜕变》个展，哈克尼画廊（Hackney Gallery），2026年