2026年5月17日，柳学健个展“微觉无边”在深圳雅昌艺术中心开幕。本次展览由江西省数字文化集团、雅昌文化集团与艺术家本人三方联袂打造，展出柳学健四十余年来创作的四十余幅作品，时间跨度从1985年至2026年，系统呈现了其艺术探索的完整脉络。

这场展览并非简单的四十年作品回顾，而是将艺术文献的系统梳理、数字技术的二次开发与跨媒介的文创衍生融为一体。展览既是一位画家扎根传统、醉心笔墨的修行见证，也是一场关于传统水墨如何在数字时代重获新生的深入探讨与实验。

笔墨修行的四十年

展览中的第一件作品是1985年创作的《不染图》，用一片镜心描绘了荷花万顷。这幅作品展现了青年柳学健对传统水墨的深刻理解与驾驭能力，也预示了他日后创作中“满幅构图”的独特风格。

1987年的《寒香》、1989年的《霜叶红》和1990年的《双鹭》，构成了柳学健的早期代表作序列。其中，1989年的《寒香》为他斩获“当代中国水墨画新人奖”，标志着一位中国画坛新星的冉冉升起。

上世纪90年代，柳学健从镇江赴北京继续深造。在中国艺术研究院求学期间，郎绍君等先生的教导让柳学健获益匪浅。前辈的指点不仅解决了他在艺术道路上的诸多困惑，更让他深刻认识到：一个艺术家要融入社会，更要融入自然；要有思想，要不断充实自己。毕业之后，他真正走向了自然，游历名山大川。

在江南水乡长大的他，在一次前往新疆经历中拓展了创作视野：辽阔的西北大地颠覆了他对自然的认知，让他感受到自然的神奇与力量，尤其是一望无垠的向日葵花海给了他极大的冲击。柳学健由此创作了一批此前少有的大尺幅作品。他在创作中体会到前所未有的自由。向日葵也成为他近年来钟爱的创作主题之一。

柳学健用四十年的坚守与开拓，诠释了何为“以艺甄道”。他始终坚信“艺术没有捷径可走”。他将最主要的时间和精力都投入到绘画上。工作室里的一张小沙发，是他深夜创作后稍作歇息的地方。有时候会在半夜醒来时，爬起来继续作画。这也是他艺术生涯的常态。谈及数十年的执着坚守，柳学健坦言，自身也难以完全阐释这份热爱的本源，但观众与作品之间的深度共鸣、大众对画作的多元解读，往往超越其创作之初的本心所想。

三方联动下的数字文献系统

本次展览与柳学健加入雅昌艺术家艺术数字文献系统工程密切相关。通过该系统建设，艺术家的创作资料、作品脉络与艺术文献得以被系统整理、保存和传播；而此次线下展览，则进一步将艺术家个案研究与公众展览现场相连接，使柳学健的艺术探索以更加直观、可感的方式呈现在观众面前。

为了文献工程和本次展览，柳学健将那幅创作于1985年的作品购回，成为本次展览的第一幅作品。展览开幕当天，展览现场还展示了基于原作与数字技术双重赋能开发的瓷板画及文创产品。

江西广电传媒集团战略规划部（投资运营部）负责人、江西省数字文化集团副总经理干霖介绍推出了柳学健个案的初衷，基于三点考量：其一，创作理念新颖开放，柳学健主动拥抱数字化浪潮，契合当代文艺数字化转型的发展趋势；其二，地域根基扎实，长期深耕江西文化圈层，与本土文化生态深度相融；其三，创新能力突出，擅长跨界载体融合，能够与景德镇陶瓷文化形成优质联动效应，催生全新艺术势能。

江西广电传媒集团致力于推广数字文化产业，在与雅昌文化集团的长期合作中，双方成功推动了《红楼梦》数字艺术展和江西省文化艺术大数据中心建设，彰显了江西在数字文化领域的创新。此次联合打造柳学健艺术数字文献系统，基于深度合作布局，双方的联动实现了三大维度的突破性创新：一是创作场域的拓展，艺术表达从传统宣纸媒介，延伸至陶瓷、投影、AI智能设备等多元载体；二是创作立意的更新，色彩运用、纹理塑造、艺术创意愈发大胆多元，突破传统水墨的表达局限；三是价值模式的升级，依托数字化生态，开辟了数字艺术巡展、数字文创衍生等全新传播与变现路径，为传统水墨艺术的当代活化提供了全新范式。

雅昌文化集团董事长万捷表示，柳学健正是通过这一文献汇集项目，将不同时期的作品进行了整合。相较于传统艺术留存模式，过往多数艺术家的早期作品缺乏系统化、数字化存档，大量艺术资源逐渐流失、被历史遗忘，“艺术家艺术数字文献系统工程”是依托雅昌三十年数字化深耕经验、成熟技术体系与海量艺术数据搭建的全域生态系统。雅昌目前已完成七万五千余名艺术家作品、出版物、展览资料的数字化沉淀，该工程进一步打通作品图文、展览记录、出版史料、音视频访谈、影像资料等多维数据，通过AI技术实现数据关联整合。

从价值维度来看，这套数字文献系统构筑了多重长效价值屏障。对个人而言，系统化的数据留存让柳学健的艺术成果成为个人与家族专属的数字文化资产；对学术领域，完整的创作脉络与史料体系，为学界深度研究、梳理艺术家艺术风格演变、时代创作特征提供坚实依据；对艺术市场，权威备案的数据体系有效规范艺术品交易，规避真伪争议、降低流通成本；对大众而言，海量规整的优质艺术资源，为艺术普及、美育学习提供了优质载体。

万捷总结道，归根结底，艺术数字文献工程是雅昌“为人民艺术服务、为艺术专业服务”使命的生动实践。通过系统化的数据保护、规整、打通与赋能，不仅为艺术家、艺术机构、藏家、学术院校构建了标准化的艺术服务体系，更将个人艺术成果转化为民族、国家乃至人类的公共文化财富，为中国传统水墨的当代传承、学术研究、市场规范与创新发展，筑牢了数字化根基，具备深远的行业价值与时代意义。其核心价值在于保存中激活、记录中创新，为传统艺术的数字化活化、跨界创新提供无限可能。

柳学健本人具有强烈的文献意识，他是首批在雅昌开通官网的艺术家之一。对于本次深圳个展，他表示这是在三方合作框架下共同推动的成果，不仅呈现个人艺术，更是对数字文献的一次探索。柳学健进一步阐述，通过四十年创作的概况，可以让观众看到各个时期、各个阶段对艺术的理解和作品的呈现。数字化能够赋予文化和艺术更大、更无穷的魅力，通过数字放大让艺术魅力最大化，让人们感受到艺术带来的力量。

中国传统绘画的当代路径

在“中国传统绘画的当代路径与柳学健艺术实践”的主题对谈中，多位评论家围绕柳学健的艺术展开了深度对话。

著名批评家、策展人皮道坚是本次展览的学术主持。他认为，柳学健在艺术道路上展示出来的坚守精神令人尊敬。从80年代起步、90年代初获奖至今近四十年，柳学健始终坚持中国传统绘画的创作。皮道坚回顾了80年代的文化背景：当时中国改革开放，大量引进西方现当代艺术，“八五新潮”兴起，学习西方、以“拿来主义”改造传统本身具有积极意义，但潮流中也滋生了民族虚无主义，甚至出现“中国画已到穷途末路”的极端言论。在此背景下，仍有人默默坚守中国画的笔墨传统，难能可贵。

皮道坚指出，90年代中期以后，学界开始反思对传统文化的虚无主义，“实验水墨”应运而生，中国水墨画领域由此形成传统派、学院派与实验派多元并存、充满生机活力的格局。在他看来，柳学健的独特之处在于：其创作延续传统文化根脉，同时不拒绝学院派与实验派的艺术经验与手法。这也正是柳学健能够走到今天、取得成就的根本出发点。皮道坚将柳学健的绘画特点总结为：立足传统、延续文脉，又实现古今融合、东西融合，而本次展览的展线从80年代、90年代一直延续至近期，清晰呈现了柳学健艺术演变的完整轨迹。

雅昌文化集团董事长万捷分析，柳学健的作品具有双重特质：一方面能看到非常扎实的中国文化功底，这是其创作基础；另一方面，他又不断以自然的方式融入西方元素，画中可见八大山人、郑板桥等传统大家的影子，也能发现其他多元影响，但最终都归于简洁。万捷特别指出，柳学健是一个很纯粹、很“自我”的人。这里的“自我”并非自大，而是一种松弛、自由的状态，体现在一些不易察觉的细节轮廓上，其作品在写意中蕴含工笔的严谨，工笔中又不失写意的灵动，这种微妙变化难能可贵。

京艺术中心董事长朱彤认为，“是否具有创造力”是全球范围内衡量艺术最重要的标准。他援引西方著名批评家格林伯格的观点，强调艺术是在不断的创新与创造中推动人类文明进步的。正如清代的八大山人、徐渭之所以成为“超级明星”，正是因为他们在各自时代拥有独特的创造力与表达力。朱彤主张，当代创作者无需再模仿董源、巨然，无需再复刻徐渭、八大，重要的是在致敬的同时创作出属于这个时代的新东西。而柳学健正是在这条道路上不断探索的践行者，试图在水墨语言中开辟新的可能性，为当代水墨提供了一个具有创造力的新样本。

在柳学健的作品中，朱彤看到了克利、米罗等超现实主义大师的踪影，以及西方表现主义的色彩与线条语言：“讨论艺术应规避本体论的局限。做中国画不必囿于中国画的单一视角，正如画油画不必仅从油画角度切入。中国艺术家也能穿着中山装，说一口流利的英文。这不是讨好或取媚，而是以当代读得懂的语言，以东方文明的深厚底蕴为根基，用全世界都能理解的方式进行表达，完成文化的有效传播。”

作为论坛主持人，雅昌艺术网主编裴刚表示，柳学健以四十年跨度的作品回顾呈现了一个完整的现场，从中不仅可以看到“尽精微，致广大”的传统追求，还有一种温润沉郁的当代气象。尤其是，柳学健的作品里有一种率真，还有烟火气、日常的亲切感以及现代性。他认为，柳学健的作品虽然使用的是水墨，但其中现代性的部分以及对当代的回应，非常值得关注。

花鸟画是与自然对话的结果

在本次展览开幕之际，柳学健的艺术大书《微觉无边》正式出版，收录了他从1985年至2026年的作品近200张，翻阅即可一览柳学健艺术生涯的四十年。深耕京江画派传统的他，不拘泥于古板摹写，而是融入自身对自然的观察体悟，让花鸟画既保有文人画的雅致，又彰显新时代的艺术风骨。

多年来，柳学健的创作以“化平常为奇特，化传统为现代，化心源为艺术”在中国画坛独树一帜。他的写意花鸟，不刻意追求物象的精准复刻，而是捕捉花鸟的神韵气质，寥寥数笔便将花枝的摇曳、鸟雀的灵动跃然纸上，于简约中见精巧，于写意中藏工细。水乡的记忆和表达依然是他的叙事主体。在他的笔下，少时在溪边摸鱼的记忆被生动复刻。荷花依然是他最爱的题材之一。

对柳学健而言，花鸟画是艺术家与自然深度对话的结果和呈现，不只是简单的形态复刻，更是对自然生命力的捕捉与传递。对自然的摹写，能够源源不断带来灵感；用心与自然对话，才能让作品获得真正的生命力。

柳学健的艺术足迹跨越了国界。近年来，他在欧洲多个国家举办巡回展览，既是展示，也是不断学习，西方色彩与构成语言悄然融入他的水墨世界。

在谈到中国画创作时，柳学健表示：“中国画创作，首先要从传统里做深入的尝试。通过大量的训练、大量的创作，才能有真实的笔墨体会，才能在创作中充分发挥笔墨的美，那些细微之处是其他画种不能取代的、独有的笔墨语言。作为当代画家，通过画笔表达出来对生活的真实感动，你的画自然而然会体现当代精神。”

作为相识多年的朋友，艺术家薛亮与柳学健从青年时代便常探讨艺术本质与技巧。薛亮认为，柳学健的作品巧妙融合了中国古代花鸟传统与西方现代绘画语言，徐渭、八大山人、扬州八怪的笔墨意趣与蒙德里安、康定斯基、夏加尔的构成色彩在其画中碰撞生辉，这种融会巧思、互为借鉴的创作路径，成就了属于柳学健自己的艺术高峰。

“让更多的人热爱艺术、喜爱艺术，感受到艺术带给人的幸福感和希望。”这一朴素而坚定的艺术理念，贯穿了柳学健四十余年的艺术生涯，也成为他一系列开创性实践的精神底色。

2003年，柳学健个人出资为家乡镇江建设京口美术馆，填补了这座城市没有美术馆的空白，也让更多人能够走进艺术、亲近艺术。京口美术馆不仅成为展示柳学健个人作品的空间，更成为一个开放的平台。多年来，他热情地邀请前辈、同行，尤其是青年艺术家在此展示作品，让艺术的种子在更广阔的土壤中生根发芽。

柳学健的艺术版图中不断延伸：德胜机构为其建立“苏州柳学健美术馆”，将艺术的影响力从镇江拓展至苏州；2014年在北京举办“柳学健作品全国研讨会”，推动学术界对其艺术价值的深入探讨。

德国波恩当代艺术馆馆长任戎自2024年在江西省美术馆举办的“相融共生：中德当代艺术展”与柳学健结缘后，因其相似的经历，持续关注其艺术实践。在实地走访京口美术馆、深度了解其艺术布局后，这位从德国杜塞尔多夫美术学院毕业的艺术家，将柳学健的实践归为博伊斯“整体艺术”的当代诠释：艺术家不仅专注个人创作，更主动搭建公共艺术平台、助力行业交流与青年成长，以一己之力构建完整的艺术生态，实现了创作、传播、育人的多维统一。

2026年1月，“柳学健艺术数字文献系统工程”在北京雅昌艺术中心正式启动。该工程由江西省数文集团、雅昌文化集团与柳学健三方签署战略合作协议共同构建，旨在将艺术家的艺术生命与艺术精神作为人类永恒财富加以保护、传承、利用与创新。启动仪式上同时宣布，将于5月举办相关专题展览，系统呈现数字技术赋能下的艺术新貌。

如果说京口美术馆让艺术走进了镇江的市井街巷，那么，数字文献系统则让柳学健的艺术生命突破时空限制。从实体到数字，从地方到全国，从当下到未来。从实体美术馆到数字文献系统，从物理空间到虚拟空间，这些举措共同构成了一张“让艺术被看见”的网络。

结语：

艺术家的持续坚守与深耕，平台的技术赋能与文献建设，二者在数字时代交汇，共同指向一个在当下值得被反复讨论的命题：如何让传统水墨突破时空限制，在当代语境中被重新看见、被持续激活。

“微觉无边”既是艺术家直觉与感动的无限延伸，也是传统水墨在数字时代焕发新生的无限可能。当四十年的笔墨积累遇上数字文献的系统梳理，当三方合作的创新模式遇上艺术家的纯粹坚守，这场展览所呈现的，不仅是一位画家的个人成就，更是中国传统文化在当代语境下进行创造性转化、创新性发展的生动样本。在这个意义上，柳学健的“无边”，为水墨的未来留下了一片值得期待的广阔空间。